Appunti il teatro del ‘600

Melodramma

Si tratta dell’invenzione del secolo. Nasce a Firenze, nel clima delle ricerche accademiche intorno ai modi di rappresentazione del teatro classico. Il termine significa “dramma in musica” e il problema di fondo è proprio la convivenza tra musica e testo. Dietro questo dibattito è ancora una volta la Poetica di Aristotele, in cui il filosofo parla di una partitura musicale che accompagnava i versi della tragedia greca della cui musica, però, non è restato niente. Come afferma Vincenzo Galilei nei suoi scritti teorici, occorre “imitar col canto chi parla”.
Fino a quel momento aveva prevalso lo stile polifonico del canto a più voci.
Galilei e la Camerata dei Bardi (musicisti e poeti che si riunivano in casa Bardi tra il 1580 e il 1590 e che – analizzando il rapporto musica-parola – cercano di recuperare la partitura di cui parla Aristotele per la tragedia) sostengono invece una linea monodica, in cui si ode una voce sola accompagnata da musica. Tale stile monodico permise di mettere in atto il recitar cantando, che si affermò per la prima volta proprio nel melodramma e segnò il superamento dell’alternanza tra recitato e cantato. Esso  prevedeva una voce accompagnata da un basso continuo, nel senso  che la parola non doveva essere violata dal fraseggio musicale, perché potesse essere pienamente compresa dal pubblico: e dunque doveva restare chiara come nel discorso parlato, perciò poteva solo essere ritmata su pochi accordi di accompagnamento. Tra i librettisti più famosi fu il poeta Ottavio Rinuccini  (1562-1621), che con le sue tre opere Euridice (di Jacopo Peri), Dafne e Arianna è considerato l’iniziatore del genere melodrammatico.
Il più importante compositore del periodo fu però senz’altro Claudio Monteverdi  (1567-1643), che operò soprattutto tra Venezia e Mantova dove, presso i Gonzaga,  fu anche maestro di Cappella. Grazie a lui l’orchestra divenne essenziale e parte integrante dell’opera. Con Monteverdi lavorò lo stesso Rinuccini  chiamato a Mantova per il libretto di Arianna.
Comunque subito dopo aver assistito alla rappresentazione dell’Euridice,  il duca di Mantova incaricò Monteverdi di scrivere un’ opera capace di suscitare lo stesso interesse di quella. Il compositore realizzò allora  l’Orfeo,  andato in scena per la prima volta nel 1607 durante il carnevale mantovano presso l’Accademia degli Invaghiti. Il librettista Alessandro Striggio stende il testo con un lieto fine (per cui Orfeo diviene immortale grazie ad Apollo ed ascende all cielo) in 5 atti e 1 prologo. Quest’ultimo è affidato alla musica, che diventa un vero personaggio.
Si introduce un nuovo modello di recitativo, che comprende le arie (movimenti musicali in cui il personaggio parla di sé o della sua condizione); il coro (che spesso, come nella tragedia greca, commenta la vicenda); le sinfonie, in cui è protagonista l’orchestra; i recitativi, che sono i cosiddetti pezzi chiusi, cioè le parti comprese tra le arie e i cori, nei quali si svolge la vicenda e dove i personaggi interagiscono. La recitazione e il canto non sono più nettamente divisi.
Inizialmente dunque, come del resto dicono i titoli, il melodramma ha un’intonazione classicistica, erudita ed elitaria che gli derivava dalla tragedia, anche se diversamente da questa esso si concludeva con lieto fine della favola pastorale. Ben presto però si trasformò in un genere di vasto consumo, ispirandosi anche a temi più leggeri e disimpegnati.
Nonostante il lavoro dei librettisti, si assiste a un progressivo drastico ridimensionamento dell’aspetto letterario a vantaggio di quello  musicale.

Commedia dell’arte

È tutt’oggi punto di riferimento imprescindibile nella storia del teatro. L’espressione dell’ ”arte” sta ad indicare :
1. secondo alcuni critici il “talento, la bravura”; 2. secondo altri invece vuole alludere al “mestiere” inteso nel senso di “professione”. In realtà, entrambe le interpretazioni sono legittimate da alcuni dei caratteri fondamentali di questo genere, che si contraddistingue per:

1. Il fatto che non prevedeva un testo scritto vero e proprio. Esisteva solo un esile schema steso da un poeta, detto canovaccio, sul quale poggiava l’attività di improvvisazione degli attori. Essi recitano dunque “a soggetto” e devono caratterizzarsi per abilità artistiche davvero importanti, che denotano la loro bravura. L’attore, cioè, non conosce le parole che pronuncerà il suo compagno sulla scena, ma sa cosa aspettarsi da lui, perché conosce la funzione che quella “parte” svolge nell’economia della commedia.
2. Si creano dei tipi – già propri della commedia cinquecentesca – che verranno portati all’estrema stilizzazione, al punto che diventeranno delle maschere: come per esempio Arlecchino, Pulcinella, Pantalone …
3. Non poteva allora che trattarsi di attori professionisti, i quali si specializzavano in un personaggio che riproponevano per tutta la vita. Essi vivono del loro mestiere di attori. Tali attori professionisti non godono però di un’identità sociale rispettabile. Il risultato è che il teatro diviene uno strumento per vivere, è sottratto all’ ”economia di festa” (cui non resta funzionalmente legato) e viene ad inserirsi piuttosto nell’economia di mercato. Il primo documento notarile che testimonia di una compagnia di attori professionisti è del 1545 a Padova e regola i rapporti tra i vari componenti della compagnia: ancora solo uomini. Solo attorno al 1560 si assiste all’entrata delle donne nelle compagnie, perciò solo a quest’altezza cronologica si parla di vera e propria commedia dell’arte.
4. Questa è una rivoluzione nella storia del teatro ed è uno dei motivi principali attorno a cui si concentra la condanna dei comici, guardati con sospetto. Basta confrontare, al riguardo, la campagna persecutoria condotta (del resto siamo in clima controriformistico) dai Gesuiti, soprattutto per il prevalente ruolo di seduzione esercitato dalle donne e che rimandava alla libertà sessuale. I Gesuiti guidano e controllano un altro tipo di teatro, sempre popolare, ma al quale si attribuisce un alto valore pedagogico. Negli esercizi spirituali di Ignazio di Loyola, infatti,  è prescritto di utilizzare l’immaginazione per rappresentarsi – teatralmente – la scena. Anche il grande successo di pubblico e l’esito imprevedibile delle scene, per il carattere di improvvisazione che le distingueva, fanno sì che la Chiesa guardi sempre con sospetto tale commedia.
5. Attorno alle compagnie ruotavano, accanto agli attori, anche il poeta che scriveva il canovaccio, mimi e giocolieri.
6. Si trattava infine di compagnie itineranti, che si spostavano coi loro carrozzoni in coincidenza di fiere e mercati.