L’ANALISI  DI UN BRANO

Ma se non vogliamo fermarci esclusivamente alle  apparenze  emotive  anche  se  vagliate  e  confortate dalla verifica del brano, ma vogliamo andare oltre ed indagare  più  a  fondo  nel fenomeno  musicale, bisogna che quando ascoltiamo effettuiamo una vera e propria analisi  strutturale  del  brano  in  cui  vengono controllati, confrontati, e messi in luce tutti  gli  aspetti  sonoro-musicali  e  tutti  quelli socioculturali    e storici che comunque  hanno influenzato   l’autore.
Per cominciare a chiarire e ad appropiarci di questo concetto utilizzeremo  insieme  un  brano musicale come  esempio e su quello  proveremo a svolgere  una  analisi  più approfondita.

Il brano che utilizzeremo è il primo tempo del concerto L’autunno dalle quattro  stagioni di Antonio  Vivaldi. Questi concerti sono preceduti da altrettante poesie che ne indicano un po il carattere e l’ambientazione;  per il brano  che ascolteremo la  poesia  dice:

Celebra il villanel con balli e canti del felice raccolto il bel piacere.
E del liquor di Bacco accesi tanti finiscono col sonno il lor godere.

Sembra evidente che questa breve struttura poetica ci riporta in un ambiente di campagna, dove si sta ballando e facendo festa perché la vendemmia è stata buona ed in mezzo a questa  festa qualcuno si ubriaca.
Ma come  Vivaldi ha  cercato di rendere tutte  queste idee?
Prendiamo ad esempio il ritmo; la struttura deve necessariamente  essere  semplice,  fatta  di  note ribattute, e magari con delle diversificazioni e riprese ad ogni frammento proprio per  evidenziare  il concetto di danza.

GLI  STRUMENTI  MUSICALI

Dalla sua apparizione sulla terra ad oggi tanti sono stati gli oggetti sonori che l’uomo si è inventato per poter in un primo momento comunicare con i suoi simili e solo secondariamente per ideare  delle  vere forme artistiche, passando dalla costruzione di strumenti molto semplici come i tamburi con i tronchi d’albero, alla costruzione di strumenti  che  ancora  oggi  troviamo  nelle  diverse  culture  popolari  delle varie etnie geografiche (le cornamuse, le zampogne, le ciaramelle, le  nacchere,  il  citar...),  fino  ad arrivare agli strumenti colti appartenenti alla nostra odierna cultura ; certo è che lo strumento musicale  altro non è che il prolungamento e  l’ampliamento  delle  possibilità  che  l’essere  umano già  aveva  c on l’uso  della  propria  voce in  forma limitata  e personale.
Proviamo anche noi, prima di parlare della codificazione che gli  strumenti  musicali  hanno  oggi  nella nostra cultura, a costruire degli oggetti sonori; possiamo utilizzare qualsiasi tipo di materiale esistente cercando di mirare  a due obiettivi:

1. l’oggetto sonoro deve essere il più possibile funzionante e  con  la  capacità  di  ottenere  più  suoni (note)
2. l’oggetto  sonoro deve  essere il più possibile   distante  agli strumenti musicali   esistenti

Ora possiamo vedere come oggi gli strumenti musicali  hanno raggiunto  la  loro  massima  evoluzione  e come vengono  classificati  utilizzando  quello  che  a  noi  sembra il  metodo  di  classificazione  più semplice  e immediato.
Gli  strumenti  musicali  si dividono  in  tre  grandi  gruppi   che  indicano  dello  strumento ciò che  produce il suono, a loro volta questi  gruppi  vengono  suddivisi  in  sottogruppi  che  indicano  come  ciò  che  produce  il  suono viene  messo in vibrazione.

LE CAMPANE TUBOLARI, LO XILOFONO, IL VIBRAFONO, LA MARIMBA, LA CELESTA.

1. STRUMENTI A SUONO INDETERMINATO; Strumenti cioè dove non è possibile durante l’esecuzione determinare e variare l’altezza del suono (la nota musicale). A questa categoria appartengono strumenti come IL TAMBURO, LA GRANCASSA, I PIATTI, LE NACCHERE, IL GONG.

Riepilogando   potremmo  delineare  un grafico  di questo tipo:

STRUMENTI  A FIATO

1.   Strumenti ad insufflazione   diretta

2.   Strumenti  ad ancia:
•    Ancia semplice 

STRUMENTI  A CORDA

1.   Strumenti  a corde strofinate

2.   Strumenti  a corde pizzicate

3.   Strumenti  a corde percosse         

STRUMENTI A PERCUSSIONE

1.   Strumenti a suono determinato

2.   Strumenti  a suono indeterminato
•    Ancia doppia             
3.   Strumenti ad ancia menbranosa più conosciuti come strumenti  a bocchino   

1. Per alcuni strumenti abbiamo adoperato le parole “famiglia strumentale”, questo termine serve ad indicare una serie di strumenti esattamente  uguali come  forma  e struttura  ma  diversi come  dimensioni; ciò serviva, soprattutto in  passato  (quasi di  tutti  gli  strumenti a  fiato esiste  una  famiglia  strumentale), ad ottenere di uno stesso colore sonoro una maggiore estensione rispetto a quella data da un unico strumento.*

GLI ORGANICI STRUMENTALI

Forse anche l’usanza di suonare insieme questi strumenti fece piano piano capire l’importanza  e  la  bellezza di più linee melodiche che si intrecciano fra loro e da esperienze più o  meno  improvvisate nacquero i primi  organici strumentali  veri e propri.
Gli strumenti musicali possono essere messi assieme nei modi più diversi per le diverse esigenze di chi compone: un flauto può suonare con un basso tuba ed  un’arpa;  una  tromba  con  un  clarinetto,  un  violino ed un pianoforte e  così via; ma  la  cultura  e la  esperienza  umana  che si è sviluppata  nel corso  dei secoli qui in occidente ha stabilito alcuni complessi strumentali che  per  le  loro  caratteristiche timbriche e sonore  rimangono  fissi  ed  inalterabili  e  per  i quali  molti  compositori  hanno scritto pagine su pagine  di  musica.  Indicheremo qui  di seguito  alcuni tra i complessi  strumentali più  importanti.

Innanzitutto  dobbiamo  dividere  le  diverse  funzioni   per le  quali si utilizzano   i complessi  strumentali:

Esecuzioni  all’aperto  o in grandi  spazi

1. Esecuzioni  in piccoli spazi

1. esecuzioni a teatro

1. per ciò che riguarda le esecuzioni all’aperto è chiaro che esiste la necessità di un complesso strumentale di grandi dimensioni e con strumenti dal suono forte e con colori sonori molto rappresentativi e diversificati quali gli strumenti a percussione e gli  strumenti  a  fiato;  abbiamo così le orchestre di fiati e le bande, che  pur  rappresentando nella  società  italiana degli ultimi due secoli  un  fenomeno  di  società  e  di  aggregazione  popolare  molto  importanti, hanno al loro attivo musica scritta in versione originale (cioè non  trascritta  per banda) di tutti i compositori più importanti dal diciassettesimo secolo ad oggi. Fanno un po' storia a  parte  in  questo ultimo  secolo le  fanfare  (con un organico di soli ottoni), e  le  bande di tipo americano che si differenziano dalle nostre per un organico più scarno di legni e più pieno  di ottoni.

1. la musica eseguita in piccoli luoghi chiusi viene definita musica da camera per  cui i complessi strumentali che in questi luoghi operano si chiamano complessi da camera. la particolarità di questi complessi è data dal ridotto numero di esecutori ( generalmente dal  solista fino ad un organico di dieci elementi), e dal fatto che non esistono raddoppi; ogni strumento ha una parte diversa dagli altri. In questo gruppo alcune tra le formazioni più importanti  ed  utilizzate  sono:  il  trio  formato  generalmente  da  violino,  violoncello, pianoforte; il  trio  d’archi  formato  da  violino,  viola,  violoncello;  il  quartetto  d’archi formato da due violini, viola, violoncello; il  quintetto  di  fiati  formato  da  flauto,  oboe, fagotto, clarinetto, corno. Sempre utilizzabile  in  piccole  sale  data  la  sua  tenue  sonorità  ma con un numero maggiore di elementi e con alcune parti raddoppiate c’è l’orchestra d’archi formata  esclusivamente  da  strumenti ad arco (violino,   viola,   violoncello, contrabbasso).

INTENSITÀ’

E’ quella speciale caratteristica che ci permette di riconoscere un suono forte  da uno debole, dipende  dalla diversa lontananza dell’oggetto che percepisce  il  suono  da  quello  che  lo  produce  e  dalla  forza della eccitazione del corpo sonoro; da un punto di vista fisico dipende dalla diversa ampiezza della vibrazione.

L’intensità del suono si calcola in decibel (dB) che è la forza del suono alla  sua origine; per l’orecchio umano è dannoso il suono sopra i 90 dB e giusto per avere un paragone basti pensare che  dove si  provano i jet supersonici il suono raggiunge i 120 dB  mentre  in  una  discoteca  i  suoni  di  “picco” arrivano  facilmente  anche a 140 dB.
Musicalmente. l’intensità del suono, è espressa da una serie di simboli, lettere, parole che esprimono l’intensità  voluta  e richiesta  dal compositore  in  un particolare  punto  della  partitura  musicale.

TIMBRO

E’ quella speciale caratteristica che ci permette di riconoscere una sorgente sonora da un’altra, uno strumento da un altro anche se producono un suono con la stessa altezza e la  stessa intensità; dipende dalla diversa forma e dal diverso materiale di costruzione dello strumento e da un punto di vista fisico dipende  dalla  forma  della  vibrazione.

Il quarto infine è un rondò che riprende  generalmente  le  caratteristiche  del primo  tempo  (cioè  i due temi divisi in  tre  parti)  ma  in  modo  più  conciso  aggiungendo  spesso una  coda  di notevoli dimensioni per giustificare  la  conclusione  della   composizione.
Questa  forma  a  seconda  della  sua  destinazione  può prendere nomi diversi: trio, quartetto, sinfonia...
in  questo caso potrebbero anche scendere a tre il numero dei  tempi.

Il poema sinfonico

Composizione   nata  a  metà  dell’800   non  è  prestabilita   come  forma  ma   ispirata   ad impressioni del compositore  in  una  sorta di “musica  a programma”. La composizione  è in un  solo  tempo

La fuga

Composizione estremamente complessa e di una imponente architettura può essere anche vocale e raggiunge  la  sua massima  importanza  nel 700  soprattutto ad opera  di Bach.
La fuga è fatta di tre momenti   importanti:

• Esposizione
• Sviluppo
• Stretti

Nella prima  parte  vengono  presentati i temi musicali denominati  Soggetto, cioè  tema  principale  che è di solito uno; e Controsoggetto, che è una specie  di contrappunto  al soggetto indicato prima.  Queste parti vengono poi arricchite dalle loro imitazione ad un’altra tonalità (queste  imitazioni  si  chiamano risposte) e si inseguono in continuazione in un gioco di inseguimenti e  di entrate  continue  con diverse  voci sugli stessi temi e sulle  loro imitazioni  fino ad  arrivare  allo  sviluppo  in  cui  parti  diverse chiamate divertimenti o episodi si alternano contro riesposizioni facendo tornare in gioco alcuni frammenti o elaborazioni  dei  temi  già  ampiamente  trattati  nella  prima  parte.  Nell’ultimo  momento della composizione si assiste poi  ad  una  serie  di  riprese  delle  imitazioni  già  sentite  nella  prima  parte ma  con una  successione di entrata delle  diverse voci che si accavalla in modo  sempre più  rapido.

I GENERI VOCALI

In  questo gruppo  inseriremo  solo  due generi:

Il Mottetto

Lavoro musicale a più voci (cinque o più) di genere sacro e legato alla interpretazione  del testo; ad ogni  frase letteraria corrisponde  un tema  musicale.
Può essere polifonico, ed in questo caso il tema musicale circola per tutte le voci (un po' come nella fuga) fino  ad esaurire l’episodio.
Può anche essere omofono, ed in questo caso la voce più  acuta rappresenta un po la  melodia  guida  con le  altre  voci che formano una  sorta di accompagnamento ritmicamente  simultaneo.

Il Madrigale

Equivalente  al mottetto tranne  per il  testo che è  profano.

Esistono  poi  altre forme  compositive  che osserveremo brevemente:

• alcune  legate  per lo  più  a momenti  particolari  della  storia  o a utilizzazioni specifiche,
• Altre  che utilizzano   indistintamente   la  voce e/o gli  strumenti musicali,
• ed infine la musica legata all’utilizzazione per il  teatro che tratteremo a parte. nei primi  due  gruppi troviamo:

LA VARIAZIONE che può andare dalla semplice fioritura di un tema musicale ad una sua complessa elaborazione  in  termini  ritmici,  tonali,   melodici.
LA ROMANZA SENZA PAROLE tipica del romanticismo che altro non è se non una semplice melodia  accompagnata.

IL PRELUDIO che può essere o una introduzione o un pezzo a se stante ma in entrambi i casi senza una  forma  strutturale predefinita.
LO STUDIO che ha come scopo il superamento di particolari difficoltà sulle quali, quindi  il  brano sarà basato (una particolare scale, un arpeggio, alcune particolarità tecniche dello strumento utilizzato...).
L’INVENZIONE che è una breve composizione   di  carattere polifonico  con uno  schema libero.
IL CANONE basato sulla  ripetizione   di un  tema, da voci che entrano successivamente alla  proposta.
IL CORALE, forma polifonica   molto  antica  ed importante.
L’ARIA, brano  vocale  con accompagnamento strumentale.
LA CANTATA che può essere sacra o profana ed ha alcune  analogie  con l’oratorio.  L’ORATORIO, composizione per orchestra, coro e cantanti solisti in cui vi è una narrazione di un avvenimento storico tratto dai testi sacri dove i vari personaggi dialogano  tra loro  e il  coro commenta gli  avvenimenti.

Infine  esistono ancora altre  composizioni   come la ballata, la canzona, il ricercare, il capriccio, la

 rapsodia, la fantasia, la toccata, il lied, il recitativo,  l’arioso.

Un posto a parte è riservato alla MESSA come espressione più grande di musica liturgica; la Messa comprende cinque  diverse parti;  Kyrie,  Gloria,   Credo,  Sanctus-Benedictus,  Agnus Dei. Mentre nella Messa da requiem (cioè dedicata ai defunti) le parti sono: Requiem, Kyrie, Dies irae, Offertorio, Sanctus-benedictus, Agnus Dei, Libera me Domine.

Certo è che leggere tutti questi dati insieme può  creare un po’ di confusione  ma  bisogna  comprendere che per giungere a tutte queste strutture la cultura occidentale ha camminato per diversi secoli e con la partecipazione di numerosissimi musicisti che hanno contribuito, epoca storica dopo epoca storica, a giungere  a tutto questo.
Proviamo però a sdrammatizzare questo discorso serioso utilizzando anche noi, in un modo sonoro e musicale  a noi più  vicino,  tre strutture musicali:  l’eco, il canone, il  rondò.

L’eco

Disponiamoci in due gruppi diversi, il primo avrà il compito di dire ad alta voce una  parola, una frase, un inciso ritmico o addirittura una frase musicale. Il secondo, in risposta e dopo che il primo gruppo  ha  terminato,  dovrà  ripetere la  stessa frase ma sottovoce; proprio  alla  maniera dell’eco.

Il Canone

Sempre disposti in più gruppi; prima due, poi tre, quattro, ecc... si sceglierà una frase ritmica o musicale da eseguire. Il primo gruppo inizierà l’esecuzione  e, ad un  certo punto  di essa inizierà  il secondo gruppo, poi il terzo, il quarto e cosi via fino all’ultimo mentre gli altri,  se hanno terminato  il tema lo  riprenderanno  da capo fino  ad una  chiusura  che verrà decisa dall’insegnante.

Primo gruppo:             A  B  C  D  E  F  G  H  I  L  M  N  O  P  Q  R  S  T U V Secondo gruppo:                                                       A  B  C  D  E  F  G  H  I  L  M  N  O  P Q  R Terzo gruppo:                                                        A  B  C  D  E  F  G  H  I  L  M N
Quarto gruppo:                                                                          A  B  C  D  E  F  G H

Il rondò

Questa struttura può essere ideata ed eseguita o singolarmente o in diversi gruppi e possono ugualmente  all’esperienza  precedente, essere utilizzate   sia  frasi ritmiche  che musicali.
Si tratta di alternare ad una frase costante e sempre identica, nuove frasi sempre diverse seguendo lo schema qui  sotto indicato:

frase A -  frase B - frase A - frase C - frase A - frase D - frase A - frase E - frase A

MUSICA NELLA STORIA

L’ uomo da quando è apparso sulla terra fino ad oggi ha sempre percorso le tappe del suo cammino portando con se tutta  la  sua esperienza,  applicandola ed  utilizzandola  di  volta  in  volta,  in  tutti  gli ambiti della propria esistenza; dalle  scoperte  scientifiche  alle  guerre,  dalla  vita  più  comune  ai grandi  atti di eroismo...
Ma in tutto questo camminare parte importante è indubbiamente tutto l’aspetto relativo  al suono, alla musica, rimasta per sempre ed anche tuttora  specchio  fedele  dell’animo  umano,  della  esperienza  e  della  storia  dell’uomo,  sintetizzando  nella  durata  di  una  composizione  musicale  e  attraverso  un sapiente uso dei suoni la perfetta simbiosi tra gli uomini e tutta  la  loro  esperienza  di vita  quotidiana;  la loro  cultura.
In queste pagine tratteremo molto  brevemente  ciò  che  l’uomo ha  saputo riportare  e trascrivere della  sua esperienza in musica, trattando in modo privilegiato l’esperienza musicale del  mondo  occidentale perché più vicina alla nostra sensibilità uditiva, e perché  culla  ed  origine  di ciò  che  noi viviamo  oggi; senza tralasciare le  influenze  e  le  esperienze  più  significative degli  altri  popoli  e  delle  civiltà  più lontane  dalla nostra.

LE ORIGINI

Quando la  musica  sia  nata  come  tale  e  perché  nessuno  potrà  mai dirlo  con  precisione  e  tante sono le teorie in merito fatte soprattutto a partire dal secolo scorso: il ritmo come momento originario della musica, il canto come sfogo psichico e liberatorio,  i riti  magici...  ma  tutto  ci riconduce  al fatto  che  l’uso del suono da parte dell’uomo nasce in effetti con l’uomo stesso; è attraverso il suono infatti che l’uomo imparerà a conoscere la propria voce, le cose circostanti, la loro distanza,  l’indole  di  alcuni animali... poi piano piano attraverso la riproduzione dei suoni percepiti inizierà il grande viaggio della comunicazione  sia  con i propri  simili   che con l’entità  suprema e gli spiriti.
Paradossalmente solo  oggi  possiamo  un  po’  ricostruire  come  era  la  musica  dei popoli primitivi grazie ai mezzi  di  registrazione  utilizzati  presso  quei  popoli  che  ancora  vivono  in  una  situazione  primordiale e anche se le registrazioni raccolte hanno fatto riscontrare un diverso sviluppo tecnico  avvenuto  comunque in questi millenni si  è  potuti  arrivare  alla  definizione  di  due  caratteristiche  identiche  per tutti i popoli   primitivi:

IL MEDIO EVO

E’ indubbiamente questo un  periodo  lunghissimo  ed  estremamente  travagliato  della  storia  dell’uomo;  ma proprio in questo periodo poggiano le basi della nostra odierna cultura musicale: è qui che nasce la notazione musicale, il concetto  di  scala  musicale,  la  polifonia,  l’uso  degli  strumenti  in  modo abbastanza organico....  ma  andiamo con ordine.
Come   abbiamo  già   detto  l’impero  romano  non  tenne  in  grande  considerazione  l’arte  musicale,  ma  i
cristiani  seppero  raccogliere  un  po  tutte  le  tradizioni musicali dei popoli che  i primi apostoli visitarono  e portarono a Roma. E’ chiaro che dopo l’editto di  Costantino nel 313 tutta  questa  massa  di musica vocale  venne  alla  luce  e poté  tranquillamente  essere espressa a tutto il mondo allora  conosciuto.
Ben presto però nacque un problema: il grande proliferare di canti li allontanò progressivamente  dalla regola cristiana, per cui il Papa Gregorio  Magno  (pont.  590-604)  unificò e  raccolse  in  un  libro chiamato Antifonario i canti cristiani dando anche una regola ed una struttura ad essi ed a quelli che sarebbero stati scritti dopo  di lui.
La struttura del Canto Gregoriano è la   seguente:

• è monodico  cioè  tutti cantano insieme  la  stessa linea  melodica  (omofono)
• è scritto in  latino
• il  testo è sacro (tratto dalle  sacre scritture)
• non  vengono  utilizzati   strumenti musicali  (canto a cappella)
• la  melodia  procede per intervalli  piccoli  ed ha un ritmo  libero  senza battute (cantus   planus)

Ad un monaco benedettino Guido d Arezzo (997-1050) spetta invece il merito di avere realizzato la notazione musicale, l’attribuzione cioè di un nome a ciascun suono della scala. Questa invenzione sarà estremamente importante  per l’avvio  dell’uso di più  suoni insieme  e  poi, in  un secondo tempo per tutta  la  armonia  moderna.
Fioriranno così le prime forme di polifonia che partendo  dai  canti  gregoriani  svilupperà  una  seconda voce; i canti nel tempo aumenteranno progressivamente il numero delle voci. queste composizioni prenderanno il  nome  di  Organa (plurale  di Organum).
Da queste prime e semplici forme di canto polifonico ne nasceranno ben presto altre molto più evolute  tanto da avviare a Parigi dopo l’anno 1000 e fino a circa tutto il 1200  una  vera  e  propria  scuola  polifonica presso la allora in costruzione Cattedrale di Notre - Dame: la Scuola di NOTRE-DAME. Maestri di questa  scuola  furono principalmente   Leonin (fino al 1190)  e  Perotin (fino al 1230).
Le forme  che vi si svilupparono   furono principalmente:

• MOTETUS - basato su un canto gregoriano detto Tenor al quale  veniva  aggiunto un canto con parole diverse anche profane. alcune volte il Tenor era eseguito da uno  strumento  e  venivano  aggiunte  ulteriori  voci;  il  triplum, il quadruplum.
• CONDUCTUS - canto processionale  solitamente  a  due voci
• RONDELLUS - costruito sulla tecnica della imitazione  delle  parti;  generalmente  il  testo  era profano.

In questo periodo non ci fu un  grande  uso  di strumenti musicali anche a causa della  loro inadeguatezza nei confronti della ben più importante allora voce umana;  generalmente  si limitavano  a  raddoppiare  il tema del canto o a sostituirlo.  Anche  se  sempre  utilizzato  in  modo  semplice  troviamo  forse  maggior uso di strumenti musicali  nella  musica  profana:
E’ questo il periodo delle crociate e nasce in  questo  periodo  la  CANZONE  legata  al  clima  cavalleresco al culto dell’amore e della donna.  La  canzone  nasce  soprattutto  in  Francia  ed  in Germania.
In Francia troviamo al sud i Trovatori con canti soprattutto sulla donna, sulla natura, sull’amore; ed al nord  i Trovieri con canti cavallereschi.
Corrispettivo  dei Trovatori e dei Trovieri troviamo  in  Germania  i  Minnesaenger.
In Italia  nello  stesso periodo troviamo  canzoni popolari  di  ispirazione   religiosa  denominate   Laudi.

IL TRECENTO

In questo periodo inizia il  declino  del  medio  evo  e  all’Ars  Antiqua  (nome  che  presero  le composizioni della scuola di  Notre  Dame  e  quelle  a  loro  simili)  si sostituì l’Ars  Nova  movimento  in cui nasce una vera e propria sensibilità di unire e sovrapporre diverse melodie creando un vero  contrappunto tra le diverse voci. Artefici di  questa nuova scuola  furono  Philippe  de  Vitry  e Guillaume  de  Machault.
Il proliferare di musica sacra in Francia è dovuto principalmente al fatto che il Papa in  quel periodo risiedeva ad Avignone e questo portò notevoli vantaggi alla musica  perchè,  mentre  da  una  parte  la musica sacra si staccò sempre di più  dalla  monodia  e  dal canto a  cappella, in  Italia  si scoprì il gusto della  musica  profana  (Madrigale, Caccia, Ballata)

IL RINASCIMENTO

La Francia perde in questo periodo il suo primato culturale e politico dopo la sconfitta  di  Azincourt avvenuta nel 1415 per via degli inglesi. Appaiono così sulla scena culturale europea alcune  città fiamminghe ed il movimento culturale che da esso parte  prendendo  il  nome di  scuola  fiamminga diventerà ben presto un grande movimento internazionale  dal  quale  tutti  i  musicisti  europei  attingeranno anche perché i più grandi maestri fiamminghi lavoreranno nei più grandi centri di tutta Europa.
Musicisti come: Guillaume Dufay (1400-1474), Gilles Binchois (1400-1460), Johannes Ockeghem (1428-1495), Josquin Despres (1440-1521) porteranno al culmine  l’evoluzione  della  polifonia  nelle  forme musicali della messa e del mottetto nella musica sacra e della Canzone polifonica (Chanson) nella musica  profana, utilizzando  l’imitazione  o canone  come  elemento fondamentale  della  loro arte. Tra i musicisti che crebbero sotto questa scuola ricordiamo il più grande musicista del 1500: Giovanni Pierluigi da Palestrina.
Ancora in questo periodo gli strumenti  musicali  non  sono  in  grado  di  eguagliare  le  possibilità  della  voce ma cominciano ad esserci validi musicisti seriamente  interessati  alla  musica  strumentale  che  in quel periodo era rivolta soprattutto all’organo, al liuto, agli strumenti d’ottone...tra questi ricordiamo l’organista  Girolamo  Frescobaldi, Andrea Gabrieli,  Giovanni  Gabrieli.
Nella prima metà del ‘500 Martin Lutero da il via in Germania alla riforma protestante che mirava essenzialmente alla partecipazione dell’assemblea al rito (non ci dimentichiamo che tutto nella  fede  cristiana era fatto in lingua latina che ormai era stata soppiantata nel linguaggio comune dalle lingue nazionali); nascerà così il Corale protestante in cui viene utilizzata la lingua volgare (germanica)  strutturata come semplice forma di inno da cantare in coro; la melodia risente un po' del lied monodico tedesco, del canto gregoriano,  di alcuni  canti popolari.
Il corale sarà un importante  esempio  di  educazione  musicale  comune,  di  coesione  culturale  e linguistica   fortemente  ancorata nelle  tradizioni  popolari.
In Italia  invece si delineano  nel  1500  tre aspetti musicali  diversi:

• A Roma continua  la  musica  vocale sacra ferma ancora a regole   quasi gregoriane
• A Venezia vige una maggiore libertà nella musica sacra ed una maggiore circolazione  di musica  profana
• A Firenze oltre a crescere felicemente il canto profano nasce verso la fine del ‘500  un  genere musicale  che avrà grande  fortuna  nei secoli successivi: il  Melodramma.

Il melodramma nasce grazie ad un gruppo di nobili desiderosi di ripristinare un concetto musicale  dell’antica Grecia; l’unione delle arti quali la musica, la danza, il dramma teatrale.  Questo gruppo  di persone fu chiamato la Camerata fiorentina o Camerata de’ Bardi dal nome del nobile  presso la  cui casa si svolgevano gli   incontri.
Il primo esempio di Melodramma sarà l’Euridice di Jacopo Peri e Giulio Caccini rappresentata per la prima volta il 6 ottobre 1600 ma per udire un’opera veramente compiuta  si dovrà aspettare il 1607 data della prima rappresentazione  dell’Orfeo  di Claudio  Monteverdi,  opera  compiuta  in  tutte  le  sue parti ed in  cui vi è   anche un primo abbozzo  di   vera orchestra.
Sarà inoltre alla fine di questo periodo  che  cominceranno  a  porsi  le  basi  dell’armonia  soprattutto  grazie  al teorico  Gioseffo  Zarlino  che enuncerà una  vera teoria  dell’armonia,  cioè  della successione e

sovrapposizione ordinata dei suoni, cominciando a concepire la musica con una certa prospettiva e profondità   sonora  e musicale.
Alla fine del ‘500  nascono il  Violino  ed il Clavicembalo  che  saranno poi  strumenti  importantissimi dei secoli a seguire.

IL BAROCCO

Grazie alle ultime cose dette nel punto precedente ed all’affermarsi del concetto di Tonalità e con esso del modo maggiore e del modo minore , il periodo che parte dal 1600 fino a circa metà del ‘700 sarà caratterizzato da un allontanamento progressivo dalla polifonia per dirigersi verso una nuova forma di monodia,  questa volta  accompagnata o da altre voci o da   strumenti musicali.
Anche la musica strumentale vedrà in questo periodo un grande sviluppo causato dalla nascita degli strumenti sopra citati, dal perfezionamento tecnico dei  altri  strumenti  musicali  e  dallo  stabilirsi  di  regole armoniche e strutturali tali da poter permettere un uso organizzato dei primi veri organici strumentali.
Oltre al Melodramma che riunisce al suo interno varie forme d’arte come la musica, la danza, la commedia drammatica, la pittura,  la  scenografia, l’architettura;  è  questo  il  grande  periodo dell’Oratorio, che nasce in ambito religioso ma che soddisfa allo stesso tempo le esigenze popolari di teatralità  e di misticismo.
L’Oratorio,  di  cui  il  più  grande  maestro  fu  Giacomo  Carissimi,  è  simile  al melodramma  ma senza
azione scenica, tutto si svolge solo tramite il canto dei vari personaggi e  la  musica;  come  nel melodramma tutto è strutturato attraverso recitativi ed arie affidate ai vari personaggi solisti mentre il popolo è  rappresentato dal coro.  A  volte  nell’oratorio  la  storia  ed i legami tra  gli episodi è  narrata  da un  personaggio  chiamato Hystoricus.
Nell’opera incontriamo inoltre un  nuovo  fatto:  alcuni  intermezzi  buffi  che  venivano  utilizzati  tra  un  atto e l’altro dei drammi per sciogliere un po' l’atmosfera prendono una forma più ampia  ed organica;  nasce così l’Opera Buffa di cui il primo capolavoro fu La Serva Padrona di Giovan  Battista Pergolesi  (1710-1736).
E’ questo uno dei grandi periodi aurei della  musica  e  tanti sono  in  questo periodo  i musicisti legati sia alla musica vocale che a  quella  strumentale  tra  questi  ricordiamo:  Girolamo  Frescobaldi  (1583- 1643), Arcangelo Corelli (1653-1713), Domenico Scarlatti (1685-1757), François Couperin (1668- 1733), Tommaso Albinoni (1671-1750), Benedetto Marcello (1686-1739), Antonio Vivaldi (1678- 1741).
Ma i due personaggi che sapranno racchiudere in loro tutta questa epoca saranno due tedeschi: Johann Sebastian Bach (1685-1750)  e  Georg  Friedrich Händel  (1685-1759).
Qeste due personalità così vicine e simili come datazione storica e appartenenza territoriale sono però profondamente diverse; il primo racchiude in se tutta la spiritualità ed i valori  ascetici del medioevo  proposti dalla riforma protestante, mentre il secondo, personaggio più mondano  e  di  corte  è perfettamente inserito nella piena mentalità rinascimentale; così che mentre Bach chiude un mondo e un’epoca e solo molto tempo dopo (un centinaio di anni) verrà riesumato quasi per caso tutto il suo immenso  lavoro,  Händel sarà ispiratore  di nuovi  musicisti.

L’ILLUMINISMO

Nella seconda metà del’700 anche la musica si appropria degli ideali di questo periodo: l’eleganza, la serenità  delle  forme,  l’equilibrio,   la  giometria  quasi perfetta delle  forme  e dell’architettura...
Gli strumenti musicali hanno sempre più voce in capitolo sia  da  soli  che  in  organici  sempre  più  funzionali   all’uso;  questo soprattutto a causa di alcuni elementi che si inseriscono  nel   periodo:

• La nascita  della  Forma Sonata
• il  perfezionamento  di vecchi strumenti
• la  nascita del pianoforte  e del clarinetto

• la nascita di una vera scuola dell’orchestrazione anche grazie a Jan Antonin Stamitz (1717-1757) ideatore  della  Scuola di Mannheim dove  prenderà forma  la  tecnica sinfonica moderna.

Ulteriori novità di questo periodo sono date da Giovanni  Battista Sammartini  (1701-1775)  al quale viene attribuita la divisione in quattro tempi  della  sinfonia;  e  da  Luigi  Boccherini  (1743-1805)  che fonda  il  primo  quartetto stabile.
I tre compositori che sovrastano in questa epoca   sono:
Franz  Joseph Haydn   (1732-1809) che passò alla  storia  come  il padre  della sinfonia
Wolfgang Amadeus Mozart ( 1756-1791) che fu tra le  altre  cose  anche  il  primo  “libero professionista”  dei compositori
Ludwig  Van  Beethoven (1770-1827)  che  chiude  questo  periodo  storico ponendosi perfettamente al
centro tra gli  equilibri   dell’epoca  e le  inquietudini   del periodo  successivo.

IL ROMANTICISMO

In modo opposto al periodo precedente, il Romanticismo si contraddistingue per le grandi tensioni ed inquietudini., c’è un notevole allungamento  nelle  composizioni  perché  non  basterà  più  rappresentare  con la musica un oggetto, ma il compositore  dovrà  in  questo periodo  esprimere attraverso la  musica  la sua visione dell’oggetto. La musica non è più ad unico uso di alcuni ceti sociali ma, grazie anche alla rivoluzione francese, è  divenuta  bene  di tutti per  cui tutte  le  formule  compositive  usate  perdono un po' la loro rigidità e ne  nascono di nuove  molto  più  libere.  L’artista, che  non è  più  ad esclusivo servizio di un padrone, si sente ormai libero  di comporre  realmente per ciò che   sente.
Importanti  elementi musicali  del periodo  sono:

• L’uso del Pianoforte, (inventato nel secolo precedente grazie a Bartolomeo Cristofori) che sarà lo strumento che meglio  di ogni  altro potrà  rappresentare le  emozionalità  dei compositori   dell’epoca
• L’ulteriore sviluppo dell’orchestra che  è  oramai  estremamente  simile  a  quella  moderna  e  con tutti gli  strumenti  tecnicamente perfezionati
• L’invenzione nel 1840 dell’ultimo tra  gli  strumenti:  il  Saxsofono,  dal  suo  ideatore  il  belga  Adolf Sax
• L’opera lirica e soprattutto il Melodramma che attirerà a se grandiose  masse  popolari  in  tutta Europa, e che svolgerà  in Italia  ed in  Germania  una  vera funzione  sociale  e politica
• In Italia, dove ancora si segue la  Forma  chiusa  all’italiana  (susseguirsi  di recitativi ed arie contornati da duetti, trii, quartetti, cori), con le opere di Giuseppe Verdi (1813-1901),  si darà una  forte  sterzata all’indipendenza  del nostro  popolo
• In Germania con Richard Wagner (1813-1883),  propugnatore  del  Leitmotiv (motivo conduttore) in cui ogni personaggio, situazione, stato  d’animo  ha  un  suo  tema  musicale  che  si  incrocia  con  gli  altri  secondo  lo  svolgimento della narrazione, verranno  riproposti  tutti  i temi  della  mitologia  nordica  che  favoriranno  le  funeste ideologie   del secolo seguente.
• L’apparizione alla fine del ‘800 di musicisti provenienti da paesi europei fino ad allora sconosciuti musicalmente; con le loro tradizioni popolari  e  strutture  musicali. Questa  partecipazione  ed immissione alla  ormai  antica  cultura  europea  verrà  chiamata  Scuole  Nazionali.  Le  scuole nazionali porteranno nuova linfa alla cultura musicale europea e saranno il ponte  verso l’apertura a nuove culture più distanti e diversificate rispetto alla nostra che cambieranno il volto e l’esperienza musicale  del ‘900:

Alcuni musicisti dell’epoca sono: Niccolò Paganini (1782-1840), Hector Berlioz (1803-1869), Felix Mendelssohn-Bartholdy (1809-1847) al quale si deve la riscoperta di Bach, Robert Schumann (1810-1856), Fryderyk Chopin (1810-1849), Franz Lizt  (1811-1886);  e  per  ciò  che  riguarda  le  Scuole Nazionali: Aleksandr Borodin (1833-1887) e Modest Mussorgskij (1839-1881) provenienti dalla Russia, Bedric Smetana (1824-1884) cecoslovacco, Edvadrd Grieg (1843-1907)  scandinavo, Isaac Albeniz (1860-1909) e Enrique  Granados  (1867-1916) provenienti dalla      Spagna.

IL XX SECOLO

E’ questo il secolo in cui tutte le certezze strutturali ed armoniche su cui è fondata tutta la musica colta crollano in modo abbastanza veloce; l’opera d’arte musicale non è più sinonimo di  bellezza,  di  piacevolezza, di precisione formale e strutturale, ma tutto è pervaso da un senso di ricerca del nuovo, dell’irraggiungibile, tutto è lasciato alla sensibilità  di  chi  compone  tornando  un  po  alle  origini  e  lavorando attorno ad un unico elemento: il suono. E tutto è permesso; ogni espediente, trucco, ricerca, utilizzazione...   basta che alla  fine  appaia  chiaro ciò che si voleva.
La prima esperienza di musica “moderna”  è databile  al 1894  con il  Prelude à l’apres-midi d’un faune del compositore francese Claude Debussy (1862-1918) fondatore assieme ad altri musicisti come ad esempio Maurice Ravel (1875-1937)dell’ “impressionismo musicale”; in questa composizione la struttura della scala musicale e quindi della tonalità cominciano  a  vacillare  per  lasciare  il  posto  agli antichi  modi greci,  a scale musicali  orientali.
Esperienza  molto  più  decisiva  sara  quella  di Igor Stravinsky (1882-1971) che con la  sua  Sagra della
Primavera (1913) stabilirà una netta rottura con il passato; con  effetti  timbrici  impensati,  ritmi accavallati e sovrapposizioni   di tempi diversi,  sfaldatura  della  tonalità   con accordi inesistenti.
Assieme a queste esperienze ne vennero molte  altre  ad  opera  di  numerosi  musicisti  così che  ben presto la distinzione tra consonante e dissonante comincia a venire meno, gli accordi non  hanno  più relazione tra loro, tanto da  essere  addirittura  sovrapposti  senza  apparente  ragione  accordi diversi tra loro (politonalità), i ritmi sono accavallati tra loro diventando a volte interpreti principali delle composizioni, vengono utilizzati per  fare  musica  oggetti  sonori  di  svariata  natura  (secchi  pieni d’acqua, lamiere...), appaiono i primi generatori elettrici di suoni che hanno la grande possibilità di elaborare i suoni in  modi prima  di ora   impensabili.
Cerchiamo di dare uno sguardo alle  esperienze  ed ai musicisti  più  rappresentativi del  periodo:

• Iniziamo con il precisare che le esperienze musicali del secolo tendono ad  andare  per  ciò  che riguarda le strutture armoniche dalla stabilità della  tonalità  alla  politonalità  fino  ad  arrivare  alla atonalità  e seguono un po'  lo  stesso cammino la  sensibilità   ritmica  e la  sensibilità   timbrica
• il Neoclassicismo che nasce nel secondo decennio del secolo per dare principi strutture e forme definite alla troppa libertà creativa senza però rinunciare alla  modernità  scoperta;  compositori  di questo periodo furono: Igor Stravinsky, Bela Bartok (1881-1945), Paul Hindemith /1895-1963), Francis Poulenc (1899-1963), Benjamin Britten (1913-1976), Alfredo Casella (1883-1947), Arthur Honegger (1892-1955), Sergej Prokofiev (1891-1953), ed in parte George Gershwin (1898-1937)  che seppe fondere lo stile  neoclassico con la  musica   Jazz.
• L’impressionismo in cui tutte le fondamenta della certezza tonale sembrano svanire in una ricerca molto elegante e raffinata di sonorità, timbri coloristici  molto  delicati  ed  impressioni  sonore.  Musicisti che si ispirarono a queste idee oltre i due citati in entrata sono:  Manuel de  Falla (1876- 1946)  e  Ottorino  Respighi (1879-1936).
• La  musica  Dodecafonica che nasce dall’esigenza  di dare un ordine  alle  nuove  strutture e si basa su

serie di dodici suoni che il compositore stesso  decide;  per  questo  la  musica  dodecafonica  si chiamerà anche musica Seriale . I compositori sono: Arnold Sconberg (1874-1951) che ne sarà ideatore  nel 1923,  Alban Berg  (1885-1935), Anton Webern  (1883-1945).

• Il suono. Certo questo non è una esperienza musicale codificabile ma un ambito di ricerca molto importante ed ampio in questo secolo iniziato da Luigi Russolo (1885-1947) con la musica fatta mediante i rumori, seguita da Edgard  Varese  (1883-1965)  che  lascerà  l’armonia e  la  melodia  come  concetti essenziali della  musica  per esplorare  il suono  senza limitazioni.
• La  musica  Concreta   che  cercherà  nell’uso  di ogni qualsiasi fonte sonora una esperienza musicale  e di cui artefice sarà l’ingegnere  Pierre  Schaeffer (1910).
• La musica Elettronica che permetterà di manipolare il suono a piacimento  del  compositore  servendosi di generatori elettronici di suono. I musicisti  più  significativi sono:  Karlheinz Stochausen (1928), Pierre  Boulez (1925), Bruno  Maderna (1920-1973), Luciano  Berio  (1925).
• La musica Aleatoria in cui tutto deve avvenire musicalmente per puro caso fino  ad  arrivare  a scrivere le partiture non più con  note  ed indicazioni musicali ma  con disegni ed indicazioni di altro  tipo.  Propugnatore  di questa  esperienza  è  essenzialmente  il compositore  John Cage (1912).