UMANESIMO e RINASCIMENTO

Sul piano culturale, il XV e il XVI secolo coincidono con l’età dell’Umanesimo e del Rinascimento. L’essere umano (e non più Dio, come avveniva nella cultura medioevale) è posto al centro dell'Universo ed è considerato artefice, padrone del proprio destino. Si diffonde una grande fiducia nell'intelligenza umana; si esaltano, in particolar modo, la dignità dell'uomo, la sua superiorità sugli altri esseri naturali, le sue innumerevoli capacità creative. Il periodo vede anche una rinascita delle arti e della cultura in generale: Rinascimento infatti è il nome dato alla civiltà culturale e artistica nata con l’Umanesimo.
In questo periodo assistiamo all’affermarsi del fenomeno del mecenatismo, una forma di sostegno economico e materiale da parte di sovrani, signori, aristocratici nei confronti di artisti (letterati, pittori, scultori, musicisti) i quali, a fronte della relativa libertà di produrre le proprie opere, ponevano la propria arte al servizio del potere rappresentato dai loro benefattori, dando così prestigio alle loro corti.
Gli edifici della cristianità dedicati al culto (chiese, cattedrali, monasteri…), pur restando importanti centri di produzione polifonica e di formazione per musicisti, perdono il loro primato: le principali sedi di occasioni musicali diventano ora le corti italiane ed europee. Presso le corti vengono create le cappelle musicali guidate da un maestro di cappella e nelle dimore degli aristocratici si riuniscono nobili, intellettuali e artisti per celebrare ricorrenze militari, civili, private; vengono così organizzare feste in cui i partecipanti, in qualità di esecutori o fruitori cantano Canzoni e Madrigali, danzano, ascoltano musica strumentale. Il Madrigale, composizione polifonica profana su testi di autori anche del passato, è da considerare come la forma musicale più raffinata di questo periodo.
Il prestigio sociale dei musicisti aumenta significativamente.
I più significativi centri musicali italiani furono Roma e Venezia.
La Scuola Romana ebbe in Giovanni Pierluigi da Palestrina il suo più significativo rappresentante: la sua produzione infatti rappresenta uno dei vertici di bellezza e di equilibrio a cui giunse la musica polifonica a cappella dell’epoca.
A Venezia si sviluppò invece la Scuola Veneziana: essa fu animata, soprattutto presso la Basilica di San Marco, da una fitta schiera di musicisti, alcuni di origine fiamminga, altri autenticamente veneziani, come Andrea e Giovanni Gabrieli, zio e nipote. Essi tra l’altro portarono a grande risalto la tecnica dei cori battenti o spezzati: sfruttando la particolare struttura della Basilica di S. Marco, che permetteva di disporre le voci del coro in più punti lontani tra loro, per cui si formavano effetti stereofonici e suggestivi giochi d’eco.

IL PERIODO BAROCCO

Tra il XVII secolo e la prima metà del XVIII secolo si afferma in campo artistico il Barocco, stile caratterizzato da grande elaborazione formale: la ricchezza dell’ornamentazione e la grandiosità servono per stupire il pubblico, oltre che per esaltare il prestigio delle corti e dei potenti.

In campo musicale si è soliti inquadrare l’età barocca tra l’anno 1600 e l’anno 1750. Il 1600 è l’anno in cui viene rappresentato il primo Melodramma, mentre nel 1750, con la morte di Johann Sebastian Bach si chiude definitivamente questo periodo.
Il Melodramma (o Opera lirica) rappresenta la più grande novità musicale di questo periodo: nato in Italia verso la fine del XVI secolo, è una rappresentazione teatrale di argomento profano in cui i

personaggi, invece di recitare, cantano accompagnati dall’orchestra. Il primo grande autore di melodrammi è il cremonese Claudio Monteverdi (ricordato per il suo Orfeo) che eccelle anche nella composizione di musiche sacre e madrigalistiche.
Nel corso del XVII secolo il Melodramma si diffonde in tutta Europa e nella prima metà del 700 si distinguono due filoni: quello serio, di argomento eroico e storico, e quello buffo, legato a situazioni divertenti della vita quotidiana (la prima opera buffa è La serva padrona del compositore G.B. Pergolesi).
Nelle parti vocali dell’opera lirica distinguiamo il recitativo (declamazione intonata che ha la funzione di narrare fatti e situazioni, utilizzata perciò nei dialoghi tra i vari personaggi) e l’aria (di carattere melodico, con il compito di esprimere i pensieri e i sentimenti dei personaggi).

Accanto al Melodramma va ricordato anche l’Oratorio, una sorta di melodramma sacro (i soggetti sono tratti prevalentemente dall’Antico Testamento o riguardano la vita di Santi) privo però di apporto scenico e costumi.

Legata al mondo del Melodramma, va ricordata, l’apertura del primo teatro pubblico: il San Cassiano di Venezia aperto nel 1637; la gente comune, pagando un biglietto d’ingresso può assistere a questo spettacolo, fino ad allora rappresentato solamente presso corti e riservato perciò a nobili ed aristocratici.

Un altre importante ambito compositivo riguarda lo sviluppo della musica strumentale. Tra le principali forme musicali di questo periodo ricordiamo:

1. il Concerto grosso, in cui nell’orchestra si contrappongono due nuclei fonici: un gruppo di   solisti

chiamato Concertino o Soli, e il resto dell’orchestra chiamato Ripieno o Tutti.

1. il Concerto solistico, nel quale un unico strumento, in sostituzione del Concertino, assume il ruolo di protagonista in chiave virtuosistica ed espressiva rispetto all’insieme dell’orchestra.
2. la Suite che consiste in una successione di musiche di danza.
3. la Fuga destinata a strumenti a tastiera come il clavicembalo e l’organo.
4. la Sonata per uno o più strumenti accompagnati dal clavicembalo.

Accanto al clavicembalo, va ricordato, come principale strumento musicale del periodo, il violino che in questo periodo raggiunge la sua forma attuale; ideato da Gasparo da Salò come strumento sostitutivo delle antiche viole da braccio, raggiunge la sua perfezione costruttiva formale grazie ai liutai cremonesi delle famiglie Amati, Guarneri e Stradivari.

Trai compositori più importati dell’età barocca ricordiamo gli italiani Antonio Vivaldi e Arcangelo Corelli, i tedeschi Georg Friedrich Handel e Johann Sebastian Bach e i francesi François Couperin e Jean-Baptiste Lully, quest’ultimo di origini italiane.

IL PERIODO CLASSICO

La cultura di questo periodo, compreso tra il 1760 circa e il 1830, è caratterizzata dall’Illuminismo, movimento di pensiero basato sulla convinzione che, grazie al potere “illuminante” della ragione, sia possibile vincere l’ignoranza e permettere agli esseri umani di vivere secondo giustizia, pace e uguaglianza. L’età classica viene preceduta, tra il 1730 e il 1760, da un periodo di transizione definito Stile Galante caratterizzato da una semplificazione del linguaggio musicale del Barocco.

In campo artistico, alla grandiosità e ricchezza del Barocco si contrappone ora uno stile fondato sull’equilibrio, l’essenzialità e l’armonia delle forme. Il riferimento ideale è la classicità greco-romana: tale stile viene infatti detto Neoclassicismo. In ambito musicale il corrispondente termine Classicismo non indica un ritorno ai modelli compositivi antichi, ma rimanda solamente a concetti di equilibrio e proporzione costruttiva.

Nasce la Sinfonia destinata all’organico orchestrale e caratterizzata dal dialogo fra le diverse sezioni strumentali. E’ solitamente strutturata in 4 movimenti di carattere diverso, il primo dei quali segue lo schema della Forma-Sonata (chiamato anche Sonata Bitematica-Tripartita), basato sull’Espo sizione, sullo Sviluppo e sulla Ripresa di 2 motivi musicali diversi tra loro.
Altre forme musicali assai diffuse in questo periodo sono il Quartetto d’Archi e il Concerto solistico basato sul dialogo tra uno strumento solista e l’orchestra.

Nell’età del Classicismo si afferma come strumento solista il pianoforte che per le sue risorse espressive e foniche, in pochi decenni sostituisce il vecchio clavicembalo. Per questo strumento vengono composte numerose Sonate in più movimenti e diversi Concerti solistici.

Il melodramma (opera lirica) continua ad essere apprezzato in tutta Europa. Tuttavia conosce in questo periodo, una decadenza dovuta all’abuso attuato dai cantanti, veri divi amati dal pubblico, poco attenti alle esigenze della vicenda rappresentata e attenti solamente a far emergere la loro bravura.
Questa situazione viene superato grazie alla riforma attuata dal musicista C. W. Gluck  (1714-1787). I principali concetti attuati in questa riforma possono così essere riassunti: 1) già dall’Ouverture (pezzo strumentale con cui inizia il melodramma) si deve intuire il clima nel quale si svolgerà la trama del melodramma 2) Si elimina il divario esistente tra l’Aria e il Recitativo (principali parti vocali dell’opera lirica) creando il cosiddetto Arioso 3) Si introduce l’uso del Recitativo Obbligato, accompagnato cioè da tutta l’orchestra e non dal solo clavicembalo (Recitatico Secco) 4) i cantanti hanno l’obbligo di rispettare la partitura scritta dal compositore, senza inserire abbellimenti con il solo fine di far emergere la loro bravura.
Tra i principali compositori dl periodo ricordiamo il già citato G.W. Gluck e gli austriaci F. J. Haydn (1732-1809), chiamato “Il padre della Sinfonia” perché ne compose oltre 100 e ne definì la struttura e l’equilibrio sonoro, e W.A. Mozart (1756-1791).

LA PRIMA META’ del XIX SECOLO (ROMANTICISMO)

Sul piano culturale, i primi decenni dell’800 sono caratterizzati dal Romanticismo che si basa sul l’esaltazione dell’individuo e dei suoi sentimenti e quindi sul contrasto fra passione e ragione.
Il Romanticismo affonda le sue radici in un movimento letterario tedesco nato verso il 1770: lo Sturm und Drang (tempesta e impeto). Nelle arti figurative, all’equilibrio del Classicismo si contrappongono rappresentazioni mosse e tormentate e in letteratura i poeti spesso esprimono sentimenti e idee pessimistiche e sconsolate (G. Leopardi).

La MUSICA, contrariamente al periodo precedente, viene considerata la FORMA D’ARTE IDEALE, perché meglio di altre riesce a rendere con immediatezza tutte le sfumature dei sentimenti.

Il Romanticismo valorizza anche l’idea di nazione intesa quale unità collettiva le cui radici si individuano nella storia e nelle tradizioni popolari di una determinata area geografica e culturale.

Il salotto delle case borghesi diventa un luogo dove svolgere attività musicali. In esso si riuniscono le famiglie con i loro ospiti e spesso una delle attività preferite della borghesia di quel tempo era il “fare musica”. C’è chi canta, chi suona e chi semplicemente ascolta.
Molti musicisti diventano liberi professionisti. Sono liberi di scegliere come impiegare la propria arte (insegnando, componendo, dando concerti….).

Le forme della tradizione (Sinfonie, Concerti solistici, ecc.) perdono quell’equilibrio e quella simmetria tipiche del periodo precedente e vengono adeguate alle esigenze espressive del composi tore.
Nascono nuove forme (improvvisi, notturni, ecc.) destinate al pianoforte, brevi e “libere” per esprimere in modo immediato sentimenti ed emozioni.
Nelle regioni di lingua tedesca, nasce il LIED (plurale: LIEDER): genere musicale da camera per voce e pianoforte, su testi poetici raffinati, scritti dai principale poeti del periodo. Principali autori  di Lieder sono R. Schumann, F. Schubert, J. Brahms.

Il MELODRAMMA, diventa in Italia, il genere più praticato dai principali compositori romantici come G. Rossini (che eccelle nell’opera buffa), V. Bellini, G. Donizetti.
Attraverso l’Opera Seria è però possibile esprimere non solo sentimenti individuali (attraverso intense e tormentate storie d’amore), ma anche ideali nazionalistici come quelli di indipendenza e unità nazionale. E’ Giuseppe Verdi (1813-1901) il maggiore esponente di questo genere: il suo tea tro musicale, a partire, dall’opera “Nabucco” (che contiene il celebre coro Va Pensiero sull’ali dorate)  infiamma di patriottismo intere platee.

L’orchestra si arricchisce di nuovi strumenti (fiati e percussioni) e diventa per i compositori una sorta di “tavolozza sonora”. Per quanto riguarda l’intensità, i compositori utilizzano tutta la gamma dal pianissimo al fortissimo, con cambiamenti improvvisi o con effetti di crescendo e diminuendo.

Il pianoforte diviene lo strumento simbolo del Romanticismo, grazie al suo suono ricco e pastoso e alla sua vasta gamma dinamica. Verrà utilizzato da molti compositori romantici come L. v. Beetho ven (il primo vero compositore romantico), F. Mendelssohn-Bartholdy, F. Chopin, R. Schumann e
F. Schubert. Anche il violino fa la sua parte grazie a N. Paganini che utilizza magistralmente le caratteristiche timbriche ed espressive di questo strumento.

LA SECONDA META’ DELL’OTTOCENTO

Dal punto di vista culturale, oltre al Romanticismo che continua ad esercitare la sua influenza, si afferma il Positivismo che ricerca nelle leggi scientifiche una chiave per capire la realtà naturale e quella umana.

In campo musicale, sotto la spinta del Nazionalismo, si affermano le Scuole Nazionali, ossia tutte quelle nazioni che fino ad allora non avevano avuto una identità musicale e che si erano sempre ispirate, nel comporre musica, agli stili di Italia, Francia e Germania. Ora, ispirandosi al patrimonio folcloristico della propria terra, i musicisti di queste nazioni, cercano di trovare una loro identità anche in campo musicale. Queste nazioni, che si affacciano per la prima volta sul panorama musica-

le europeo, sono: la Russia (sorta attorno al Gruppo dei Cinque, tra cui A. Borodin e M. Mussorgskij), la Boemia (B. Smetana e A. Dvorak), la Svezia (E. Grieg), la Finlandia (J. SIbelius).

I tradizionali luoghi, occasioni e modi di ascoltare musica saranno rivoluzionati dallo sviluppo dei mezzi di registrazione e diffusione della musica. Inizia così il passaggio da una dimensione “collet tiva” della musica ad un’altra più “individuale”. I musicisti sono sempre più liberi professionisti che lavorano per il pubblico borghese.

Le forme musicali, tra cui la Sinfonia (G. Mahler e A. Bruckner), si ampliano in quanto a dimensione, la durata dei brani aumenta e l’orchestra raggiunge dimensioni imponenti.
Nasce una nuova composizione per orchestra: il Poema sinfonico. Di forma libera, esso si ispira a suggestioni extra-musicali (soprattutto letterarie e naturalistiche), con l’intento di illustrarle musicalmente. F. Liszt viene considerato l’inventore di questa nuova forma che viene accompagnata dal cosiddetto programma, un breve scritto posto all’inizio della partitura nel quale viene esposto l’intento descrittivo del compositore (questo tipo di musica viene perciò detto Musica a programma). E’ la forma più utilizzata dai compositori delle nascenti Scuole Nazionali.
Altre correnti musicali sono: l’Impressionismo musicale (C. Debussy) il Balletto romantico ( P. Ciakovskij, assai famosi i suoi tre balletti: il Lago dei cigni, Lo schiaccianoci e La bella addormentata).

Il Melodramma, che rappresenta in Italia il genere più praticato, viene influenzato dal Verismo. (P. Mascagni -Cavalleria Rusticana, R. Leoncavallo -I Pagliacci e soprattutto G. Puccini-Madama Butterfly, La Bohème, Manon Lescaut, La fanciulla del West, Turandot sono le opere sue più note).

In Germania, grazie a Richard Wagner (opere più note di Wagner: l’Olandese volante, L’anello del Nibelungo, I Maestri Cantori di Norimberga, Tristano e Isotta, Lohengrin, Parsifal), si registra l’evoluzione più significativa del melodramma.

Queste sono le novità più evidenti del teatro wagneriano:

1. L’opera si sviluppa senza interruzioni, fondendo insieme musica, parola e azione (la cosiddetta, utilizzando parole di Wagner, “opera totale”).
2. La melodia deve avere un carattere di continuità (Melodia infinita, come la chiama Wagner stesso).
3. Nelle sue opere i personaggi, (ma anche gli oggetti e le situazioni) sono caratterizzati da un Leitmotiv (motivo conduttore) che li rappresenta musicalmente e che viene eseguito tutte le volte che entra in scena un determinato personaggio (o oggetto, o situazione); un po’ come avviene nella fiaba musicale di Pierino e il Lupo, dove ogni personaggio è rappresentato da uno strumento musicale.
4. Gli argomenti e le trame delle sue opere sono ispirati dalla mitologia nordica.
5. L’orchestra accresce la sua importanza e si arricchisce di nuovi strumenti (come le Wagner-Tube, inventate dallo stesso musicista).
6. Il teatro assume una fisionomia, molto diversa da quella precedente e simile all’attuale: platea degradante, luci spente in sala durante lo spettacolo, orchestra collocata nel cosiddetto Golfo Mistico, una buca posta davanti al palcoscenico e nascosta agli occhi del pubblico che, seduto in platea, può osservare la scena senza distrarsi.