PREFAZIONE
L’intento del progetto di ricerca espresso in questa tesi è di analizzare gli strumenti dell’orchestra e l’orchestrazione, ovvero l’arte della scrittura di tutte le loro parti all’interno di una colonna sonora, impiegandoli ed intrecciandoli per associarli alle sequenze del testo filmico ed ottenere, mediante opportune combinazioni, effetti di sicura presa sullo spettatore. Il periodo storico trattato riguarda la Hollywood degli ultimi quarant’anni, anche se sono presenti diversi richiami ai decenni precedenti del cinema americano ed europeo, soprattutto italiano.
Dopo un quadro storico-artistico del cinema dal 1970 ad oggi, con le differenze con il passato, diversi esempi di collaborazioni compositori-registi, le innovazioni tecnologiche e le contaminazioni degli stili, la tesi è divisa in due parti: nella prima, oltre ad un’ampia mappatura di teoria e generi in cui non solo la musica ma anche il suono risulta fondamentale per il testo filmico, vengono analizzate le sequenze di varie opere in cui l’uso di diverse tecniche ed effetti di orchestrazione è stato associato ad altrettante tecniche registiche per effetti di particolare rilievo. Si analizzano inoltre le differenze fra la musica diegetica ed extradiegetica attraverso la definizione della stessa diegesi, della concezione di suono e spazio, delle ragioni delle varie tipologie di musica all’interno del testo filmico fino ad arrivare ai significati del suono, attraverso il pensiero di diversi studiosi che, nel corso del tempo, si sono occupati del problema.
Nella seconda parte si analizzano, per ciascun strumento dell’orchestra, le sequenze di varie opere filmiche in cui il suo uso è stato di particolare rilievo, sia dal punto di vista musicale che cinematografico, anche con alcuni esempi grafici. Tali esempi derivano direttamente dalle partiture originali del film, catalogate con cura in anni di ricerche personali.
In chiusura viene trattata l’influenza che hanno esercitato, e continuano tuttora ad esercitare, i più grandi compositori della Hollywood contemporanea sul cinema italiano, sia a livello di pura
composizione sinfonica che di idee musicali associate alla regia. Il progetto di ricerca viene completato da una particolare appendice in cui vengono presentati esempi di organici orchestrali originali di alcuni film hollywoodiani particolarmente importanti per la loro concezione sinfonica.
INTRODUZIONE: IL FUTURO CON UN PIEDE NEL PASSATO
È stato ampiamente discusso e dimostrato come si possa dividere il cinema contemporaneo da quello precedente intorno alla data 1970, anche se alcune tematiche erano già vive in precedenza, e ciò riguarda, oltre alle innovazioni tecnologiche della regia, anche il concetto di fare musica per lo schermo: non più una musica pensata esclusivamente “di commento”, un sottofondo, ma una presenza vera e propria che interagisce con la regia e si sposa con essa. Ciò avviene soprattutto nel cinema hollywoodiano che, alla metà degli anni Sessanta, ha segnato con due opere memorabili l’inizio di quest’era cinematografica così singolare e rinnovata: Il laureato (The Graduate, Mike Nichols, 1967) e Easy Rider - Libertà e paura (Easy Rider, Dennis Hopper, 1969). Il primo, che valse l’Oscar alla regia per Nichols, fece scalpore, per il suo tono anticonformista e dissacrante, per il perbenismo americano degli anni Sessanta. Inoltre, il tono più da melodramma che da commedia contribuisce a renderlo una favola seria con un finale a sorpresa: il protagonista, ex amante della madre della ragazza di cui è perdutamente innamorato, strappa letteralmente dall’altare la sua bella che si sta sposando con un altro e fugge con lei, vestita da sposa, su di un autobus. Uno degli elementi maggiormente caratterizzanti di questo film, che certamente ha contribuito al suo successo, è stato la colonna sonora non originale costituita da canzoni di Paul Simon e Art Garfunkel, cantautori dallo stile che innestava moderate soluzioni rock sulla tradizione folk affrontando argomenti seri e profondi. I loro due brani maggiormente presenti nel film, The Sound of Silence e Scarborough Fair (arrangiamento in chiave moderna di una canzone popolare irlandese del XV secolo), sono diventati molto presto inni dei giovani ribelli e anticonformisti di quegli anni che avevano assorbito lo spirito del film e cercano di manifestare il proprio malcontento. Servirsi di canzoni dai temi sociali e politici già in circolazione ed inserirle in un film che ne sviluppava in immagini i contenuti costituì un uso
interessante della musica: non a caso, questa tendenza verrà ripresa ed ampliata negli anni Novanta e Duemila sempre per lungometraggi riguardanti i giovani e per alcune commedie particolarmente brillanti, non solo statunitensi.
Easy Rider - Libertà e paura, costato quattrocentomila dollari e fruttatone alla casa di distribuzione, la Columbia, diciannove milioni, ha influenzato, fin dalla sua uscita, i giovani di tutto il mondo ed anche alcuni registi emergenti in quegli anni proprio per il forte senso di youth- movie che trasmette ancor oggi. Esso non è un film dichiaratamente rivoluzionario, ma è un road- movie in cui si parla di gioventù in moto sulle strade americane, di droga liberatoria, di comuni, di rapporto con la natura e anche di una provincia implicitamente dittatoriale che alla fine ha la meglio. Negli anni della contestazione esso fu, quindi, il manifesto della cultura alternativa, proprio per il fatto che di tale cultura riuscì a coniugare certi elementi (la musica, la ribellione, la droga) con il tema del viaggio avventuroso. La colonna sonora, inoltre, diventò subito celebre dal momento che riusciva a rendere al meglio lo spirito del film contenendo brani di Bob Dylan, Jimy Hendrix e Robbie Robertson, carichi, a loro volta, di messaggi rappresentativi degli ideali del tempo. I temi di questo film, a ben vedere, non sono nuovi, ma vennero proposti in modo innovativo, tale da impressionare e coinvolgere una generazione che in quegli anni era all’attacco e cercava una propria particolare e nuova combinazione di vecchi ingredienti, soprattutto letterari e filosofici, che il conformismo degli anni Cinquanta e dei primi Sessanta aveva fatto quasi dimenticare.
Dunque il successo imprevisto e macroscopico di queste due pellicole, il cui grande uso della musica è stato quello di voler connotare un’epoca associando i temi alle immagini, ha aperto la strada a questa “nuova Hollywood”, per l’appunto, espansa organizzativamente e territorialmente: si girano, infatti, film a New York con regolarità, ma anche in molte province. Elemento da non trascurare del gruppo dei giovani registi che emerse in tale periodo, di cui si riconosce più o meno
in Francis Ford Coppola il suo maggior esponente e capofila, è il fatto di differenziarsi da quello dei registi già attivi da vari anni, che si è formato in televisione come Mulligan, Pollack o Penn o in teatro come Pakula o Newman, per via che la sua formazione è avvenuta direttamente nelle scuole di studi cinematografici e specialmente in quella della University of California at Los Angeles. Non è questa la sede per dilungarsi troppo sulle vicende biografiche dei vari registi qui trattati, tuttavia credo che sia utile citare alcuni tratti salienti delle loro vite professionali per entrare meglio nello spirito degli anni qui analizzati e comprendere il perché di tali scelte ed indirizzi.
Altri autori, invece, hanno dimostrato di saper sposare perfettamente la regia con la musica classica: un’indiretta collaborazione, quindi, con i compositori del passato. La figura di Kubrick è, dal proprio canto, espressione della “mondializzazione” di una produzione cinematografica che non può essere definita hollywoodiana. Dal 1970 Kubrick realizzò tre film fondamentali la cui preparazione minuziosa e segreta è durata ogni volta qualche anno. Il fatto che Kubrick ha sempre tenuto molto a controllare personalmente ogni fase di quell’arte profondamente collettiva ed “orchestrale” che è il cinema, ben sottolinea il ruolo del regista tradizionalmente paragonato a quello del direttore d’orchestra ed il risultato è, ovviamente, unico nel suo genere. Ogni film di Kubrick esprime una filosofia estremamente pessimista, enigmi e volute oscurità presentateci con una forte padronanza di mezzi tecnici molto importanti. Arancia meccanica (A Clockwork Orange, 1971), tratto dal romanzo omonimo di Anthony Burgess, è una sorta di favola psicologica con una stilizzazione che evidenzia la violenza e la crudeltà, sempre però mantenendole entro certi limiti. Barry Lyndon (id., 1975), uno dei capolavori del film storico, fa rivivere l’Inghilterra e la stessa Europa del Settecento con la maniacale meticolosità di un costruttore di automi perfettamente messi a punto ed una smagliantissima qualità visiva. Shining (The Shining, 1980) conferma questa estetica aggiungendovi un tocco in più di metafisica: i
personaggi appaiono come omuncoli persi in un labirinto per decisione di un’entità superiore onnipotente e misteriosa che sembra essere un alter ego del regista. Quest’ultimo lavoro appartiene dichiaratamente al genere horror ed è l’adattamento di un romanzo di Stephen King, il che prova come Kubrick, pur nel suo splendido isolamento, si sia sempre tenuto al corrente non solo delle nuove tecnologie ma anche delle mode cinematografiche. Interessante, inoltre, è evidenziare il rapporto che lega Kubrick e la musica: egli ha sempre fatto un uso assai parsimonioso della musica originale per i suoi film, relegandola a semplice commento per alcune sequenze e lasciando invece molto spazio alla musica non originale, leggera (come alcune canzoni dei Rolling Stones) e soprattutto classica. Il regista ha infatti dichiarato confermando nel corso del tempo le sue convinzioni fortemente conservatrici e in alcuni casi, per questo, anche discutibili:
“Per quanto bravi possano essere i nostri migliori compositori, non sono certo un Beethoven o un Brahms. Perché usare della musica che è meno valida quando c’è una tale quantità di grandi musiche per orchestra, del passato o della nostra stessa epoca, che si possono utilizzare?”1.
E ancora, ribadendo il suo atteggiamento nei confronti della musica da film moderna e considerando il fatto che egli ha iniziato con Il dottor Stranamore (Dr. Strangelove, 1964) ad utilizzare la musica come punto di riferimento culturale per un film:
“A meno che si voglia una musica pop, non vedo alcun motivo per non avvalersi di grandi compositori come Mozart, Beethoven o Strauss: c’è una tale scelta fra i grandi del passato! A volte la musica moderna è interessante, ma se si vuole della musica per orchestra, non saprei chi potrebbe scriverla”3.
1 Intervista a Stanley Kubrick, in M. CIMENT, Kubrick, 3° ed., Milano, Rizzoli, 2000, p. 183.
2 Intervista a Stanley Kubrick, in M. CIMENT, Kubrick, Milano, Milano Libri, 1981.
Musica da film originale, non originale, sinfonica, elettronica, specificamente di commento o anche per l’ascolto: sono questi i termini intorno a cui ruota l’evoluzione dell’arte musicale per il cinema. In questi tempi modernissimi in cui si parla di ulteriore rivoluzione tecnologica, dopo quella introdotta con gli anni Settanta ed Ottanta, di alta definizione, di apparecchiature digitali e di morte della pellicola (nella realtà odierna di Hollywood si stanno già sostituendo le sale di proiezione tradizionali con sistemi digitali mediante i quali il film arriva in sala via radio direttamente dalla casa di produzioni con un notevole risparmio di celluloide e una qualità dell’immagine superiore), è chiaro che anche tutti gli aspetti dei “mestieri del cinema” subiscano delle trasformazioni.
Dall’epoca del muto, in cui veniva impiegata principalmente per coprire il fastidioso ronzio dei proiettori con un pianoforte, la musica da film ha subito notevoli cambiamenti e molte cose sono cambiate: si è passati attraverso gli anni Settanta quando, non essendoci la possibilità di utilizzare i sintetizzatori, le orchestre venivano regolarmente impiegate per la realizzazione della colonna sonora, registrando con il tradizionale metodo che prevedeva la proiezione delle sequenze, appositamente montate a seconda delle loro lunghezze, all’orchestra che, con il suo direttore, ripeteva l’esecuzione dei brani tante volte fin quando non raggiungeva un risultato soddisfacente. Con la metà di quel decennio, e poi con gli anni Ottanta, sono arrivati i sintetizzatori, l’elettronica, la possibilità di utilizzare una vasta gamma di suoni nuovi e mai ascoltati generati dai computers e poi l’introduzione del VHS, del DAT, del cd fino al nostro tempo, in cui alta definizione, registrazioni digitali e videoclip sono all’ordine del giorno. In particolare, quest’ultimo genere di spettacolo destinato alla promozione dei cantanti e al lancio delle loro opere, reso in forma di cortometraggio digitale frequentemente con montaggio ritmico, sempre più sta prendendo piede in vari paesi, facilitato anche dalla sua natura breve e, specialmente, dalle nuove tecnologie.
Ma le “trasformazioni” non si fermano a questi segnali: le nuove tendenze produttive, in special modo quelle hollywoodiane, sono sempre più volte a coproduzioni e a relazioni con gli altri paesi e, di conseguenza, anche i registi e i compositori devono adeguarsi a ciò. Valga come esempio l’interessante e abbastanza recente collaborazione fra Brian De Palma e l’italiano Pino Donaggio, per esigenze produttive “innovative” ma non solo, come testimonia lo stesso musicista:
“Nel 1976, dopo un Festival del Cinema di Venezia, mi fu presentato un regista americano non molto conosciuto all’epoca che si chiamava Brian De Palma. Io non sapevo assolutamente chi fosse, ma, tempo dopo il Festival, lui mi telefonò dicendo che voleva una colonna sonora alla Bernard Herrmann per Carrie, lo sguardo di Satana [Carrie, Brian De Palma, 1976, N.d.R.] e, dal momento che gli era piaciuto molto ciò che avevo fatto per A Venezia… un dicembre rosso shocking [Don’t Look Now, Nicolas Roeg,1973, N.d.R.] alla fine, dopo essere stato a lungo indeciso fra me e John Williams, decise di chiamare me”2.
Dettato inizialmente più da un’esigenza propriamente musicale (il compositore di De Palma, Bernard Herrmann, era morto da poco tempo e il regista voleva qualcuno che potesse ricreare l’atmosfera sonora dei film di Hitchcock come Herrmann sapeva ben fare), lentamente la collaborazione fra i due, non esaurendosi nel citato film ma continuando negli anni, ha preso le pieghe di un’esigenza produttiva fino alla realizzazione di lavori più recenti come Omicidio a luci rosse (Body Double, Brian De Palma, 1984), di cui Donaggio ricorda:
“Per quel film volevamo, sia io che Brian, un tipo di suono differente dalla solita orchestra sinfonica. Vidi il film a New York senza prendere i tempi e, provando diverse combinazioni elettroniche, inventai il “tema del voyeur” caratterizzato dalla sussurrante voce femminile. […]
3 L. M. PALMERINI, G. MISTRETTA, Intervista a Pino Donaggio in Spaghetti Nightmares, Roma, M&P Edizioni, 1998.
Brian ha avuto molta fiducia in me e devo proprio dire che ci intendemmo alla perfezione. Lavorammo insieme per creare degli effetti che attirassero l’attenzione dello spettatore dapprima colpendolo con forza, quindi facendolo rilassare e, poi, scioccandolo nuovamente. […]
Ritengo che da Carrie, lo sguardo di Satana ad oggi la mia collaborazione con De Palma abbia fornito risultati sempre migliori e via via più stimolanti. È senza dubbio il miglior regista con il quale abbia mai lavorato”3.
E De Palma, dal canto suo:
“Pino Donaggio è sempre capace di scoprire soluzioni musicali di suspense, come nessun altro potrebbe mai fare, mantenendo tuttavia quel geniale tocco di dolcezza e lirismo così necessario ai miei film”4.
È così che i sempre più recenti casi di compositori che consigliano i registi e intervengono direttamente, partendo dalla propria arte, sulla regia, anche se sempre a loro modo, e il crescente numero di registi-compositori, come abbiamo già visto, provano in maniera evidente che il film è composto di musica, sia diegetica, extradiegetica, originale o no che sia, contro le varie tendenze sperimentali nell’isolare la musica dall’opera filmica. I personaggi, gli ambienti, l’epoca narrata in un film, le emozioni che un regista ha provato e vuol far provare anche agli spettatori attraverso la sua opera sono rappresentati dal loro tema musicale. Un film senza musica perde senza dubbio la metà delle sue valenze. Un film non è accompagnato semplicemente dalla musica, ma è fusione inscindibile con essa, così come tutti gli aspetti del cinema sono parte integrante di esso: ogni film è la sua colonna sonora.
3 Ibid.
4 Citato in inglese in L. M. PALMERINI, G. MISTRETTA, Spaghetti Nightmares, trad. di Andrea Montepaone.
“Il film appare generato dalla musica. Non è un paradosso: negli ultimi anni la musica informa sempre più intimamente la cultura dello spettacolo, e nel cinema contemporaneo appare come ribaltato il ruolo tradizionale che la relega al ruolo di accompagnamento delle immagini”5.
Sarebbe possibile anche tentare una sorta catalogazione di compositori cinematografici a seconda del proprio stile, cultura e collaborazioni professionali. In una prima categoria troveremmo certamente autori di impianto profondamente classico che non hanno rinunciato al modo esclusivamente sinfonico di intendere la musica da film e hanno tralasciato ogni possibilità di utilizzo di sintetizzatori. Alcuni esempi più rappresentativi sono costituiti da Henry Mancini, Michael Nyman, Maurice Jarre e Bernard Herrmann.
Henry Mancini (1921-1994) ha iniziato a farsi conoscere lavorando con Orson Welles per L’infernale Quinlan (Touch of Evil, 1957) e ha poi legato la sua fama a celebri composizioni come Moon River da Colazione da Tiffany (Breakfast at Tiffany’s, Blake Edwards, 1961), La pantera rosa (The Pink Panther, Blake Edwards, 1964) e Peter Gunn, 24 ore per l’assassino (Gunn, Blake Edwars, 1968): pur essendo un compositore da film immortale non ha mai, o per lo meno non in maniera dichiarata come cifra stilistica della sua produzione, fatto uso di sintetizzatori ed effettistica elettronica nelle sue musiche che, anche nei casi d’impostazione più jazzistica come La pantera rosa, mantengono sempre un sapore di “realismo di strumenti”, di complesso musicale che suona e registra dal vero e nell’insieme. Macini, nato in America ma di origini italiane, fu iniziato ai primi rudimenti musicali dal padre, che gli trasmise il tipico gusto e la grande vena melodica europea e lo seguì nella crescita artistica, lasciandogli una traccia affettiva difficilissima da sradicare. Egli stesso, nella sua biografia, ricordò le peripezie del padre:
“Mio padre si chiamava Quinto perché era nato in quell’ordine cronologico. […] All’età di tredici anni decise di emigrare. Mi sono rotto il capo per molti anni per capire il perché di quella decisione e come fece a scendere dalle grandi montagne appenniniche giù a Roma e poi a Napoli per imbarcarsi per l’America e raggiungere prima Detroit e poi Boston e lavorare in una fabbrica di calzature, e tutto questo.... da solo, negli anni 1910-1911. Oggi è davvero difficile capire come possano aver trovato la strada ragazzi adolescenti partiti dalla Russia o dall’Irlanda, eppure loro ci riuscirono e mio padre si batté sempre per l’emancipazione culturale. Quando gli altri padri italiani di West Aliquippia premevano per inserire i loro figli nelle acciaierie, lui si premurava di darmi lezioni di musica. Imparò a parlare bene l’inglese grazie all’aiuto di mia madre, figlia di abruzzesi, ma sempre come autodidatta”6.
Mancini si avvicinò alla musica cinematografica ascoltando le grandi bande nei cinema di Pittsburg: decise ben presto che quella sarebbe stata la sua professione e, dopo gli studi, entrò prima nell’orchestra di Glenn Miller come arrangiatore e pianista e, dopo alcuni anni, riuscì a farsi largo nel mondo del cinema: assunto nel dipartimento di musica degli Universal International Studios alla metà degli anni Cinquanta, egli lavorò, nei successivi sei anni, a più di cento film, compreso Glenn Miller (The Glenn Miller Story, Anthony Mann, 1953), pellicola per la quale ricevette la prima nominatrion agli Oscar. La collaborazione artistica con la Universal lasciò il posto al lavoro televisivo: Mancini riportò grandi successi nella serie Peter Gunn ed esplose letteralmente a livello popolare con la serie di La pantera rosa. Ancora oggi, infatti, il tema principale che accompagna anche i famosi cartoni animati (la cui idea è stata tratta dai disegni dei titoli di testa dell’omonimo film) rimane uno degli hit più conosciuti da milioni di persone. Accanto al successo popolare, il musicista collezionò ben diciotto nominations all’Accademy Awards, delle quali quattro si trasformarono in Oscar, e venti Grammy Awards; a
cinema hollywoodiano contemporaneo, Torino, Lindau, 1997, pp. 95-96.
6 H. MANCINI, G. LEES, Did they mention the music?, New York, Contemporany Books, 1989.
questi premi vanno aggiunti anche sette dischi d’oro, il Golden Globe dell’Associazione della stampa straniera di Hollywood e quattro dottorati d’onore. Mancini, nonostante tutto ciò, si è però sempre sentito italoamericano e non ha mai rinnegato le sue origini straniere, come invece hanno preferito fare altri autori e registi come Frank Capra: molte volte è tornato in Italia, soggiogato dai ricordi. Ha passato il resto della propria vita senza dare troppo peso alla propria popolarità e vivendo nella quiete della sua famiglia: ha lasciato parlare la sua musica, tutta costruita su semplici accordi ed orchestrazioni poco modernizzate (anche negli anni della New new Hollywood) e ha dato al grande pubblico musiche indimenticabili, una su tutte, quella canzone Moon River di struggente bellezza, tutta costruita su un elementare accompagnamento di chitarra a cui, successivamente, si uniscono gli archi, segno di una solida eredità musicale italiana nella forma di composizione che testimonia, ancora, la sua cultura europea.
Dopo Mancini, il maggiore compositore di musica da film è senz’altro Michael Nyman, autore “tremendamente” britannico che Hollywood ha adottato ormai da moltissimi anni, di solida formazione classica, ma, a volte, aperto ad insolite fusioni con generi di taglio più moderno, soprattutto negli anni della New Hollywood ed ovviamente adesso. Lo stile di Nyman, misterioso ed ipnotico, dona alle immagini quel “qualcosa in più” che non si percepisce subito, ma che riesce a creare un ben determinato equilibro all’interno di film quali I misteri del giardino di Compton House (The Draughtsman’s Contract, Peter Greenaway, 1982), Lezioni di piano (The Piano, Jane Campion, 1992) o Carrington (id., Christopher Hampton, 1995), per citare i più recenti. Diplomato alla Royal Academy of Music e al King's College di London, dopo un periodo trascorso a studiare musica folklorica romena, Nyman si conquista una reputazione come critico musicale (è lui a coniare il termine minimalismo nel 1968), componendo saltuariamente musica per teatro, cinema e conservatorio. Più tardi, grazie soprattutto al sodalizio con il regista inglese Peter Greenaway, Nyman si afferma presto nell’olimpo dei compositori neoclassici. Tale
collaborazione si rivela subito vincente, come racconta il compositore:
“Greenaway mi chiedeva un commento sonoro a una sequenza di cinque minuti ed io lo scrivevo, ma non mi ha mai detto che cosa volesse. Il nostro, in un certo senso, era un lavoro alla pari. Un regista pensa di dirigere anche il compositore e questo non va tanto bene... Con Peter Greenaway non ho mai dovuto implorare un po’ di libertà creativa, perché questa è una cosa molto normale con lui. Oggi mi rendo conto di avere avuto un grande privilegio a lavorare con un regista che mi consentiva semplicemente di farmi sedere al pianoforte e comporre la musica che volevo per accompagnare le sue immagini”7.
La prima opera del duo Greenaway-Nyman è il già citato Il mistero dei Giardini di Compton House, mirabile fusione di classicismo e modernità, pervasa da un senso arcano e magico. Chasing Sheeps is Best Left to Sheperd e’ forse il brano più importante dell’opera, che viene presto seguita da altre collaborazioni di successo: il surreale Lo zoo di Venere (A Zed & Two Noughts, 1986), il dissacrante Il cuoco, il ladro, sua moglie e l’amante (The Cook, the Thief, his Wife and her Lover, 1989) con le sue melodie vibranti ed il curatissimo L’ultima tempesta (Prospero’s Books, 1991) la cui colonna sonora è arricchita anche dalla partecipazione di ottime cantanti come Ute Lemper e che contiene il complesso brano Drowning by Numbers, una serie di variazioni sulla sinfonia concertante di Mozart per ensemble di venti strumenti, e l’incalzante filastrocca Water Dances. Tutti questi lavori, ed anche gli altri realizzati propriamente per Hollywood, sono pervasi da uno stile arioso, a tratti barocco, che si regge su travolgenti progressioni di archi, sulla ripetizione insistita di frasi elementari e su melodie antiche da adagio settecentesco, ma, soprattutto, è uno stile visionario, in grado di suscitare le stesse emozioni dei fotogrammi a cui è stato associato. Ma quella che è forse oggi l’opera più famosa di Nyman è la colonna sonora di Lezioni di piano con quasi due milioni di copie vendute: una sonata per pianoforte in forma rigorosamente classica
dominata da una struggente malinconia e da quel senso trascendente che si può cogliere anche nel film. Quella di Nyman, infatti, è anche musica apocalittica, profondamente pervasa da un senso di morte:
“Considero la Messa da requiem come la massima espressione della musica dei secoli scorsi in relazione con la morte. La sua ritualità serviva a esaltare la dimensione sacrale e spirituale. Per un compositore scrivere un requiem era un affare assai complesso. Nelle mie musiche, invece, viene meno l’aspetto religioso, perché non ho l’abitudine formale di ritualizzare attraverso la religione i contenuti delle mie composizioni sulla morte. Dal punto di vista artistico, il mio rapporto con la morte è nato in maniera del tutto casuale. Nei film di Greenaway la riflessione sulla morte è sempre molto presente e così io ho dovuto confrontarmi con essa quasi per caso. La scomparsa di alcuni miei amici poi ha mostrato quanto fosse necessaria in me una risposta dal punto di vista musicale a questi momenti tragici, perché la musica è potenza, passione, istinto, dolore”8.
Da ultimo, altri due autori che hanno giocato un ruolo centrale nella musica cinematografica hollywoodiana, che sono emersi negli anni Cinquanta ma hanno attraversato brillantemente tutti i cambiamenti sociali, politici, tecnologici ed artistici nei vari anni rimanendo saldamente ancorati alla loro scuola classica sono Maurice Jarre e Bernard Herrmann. Il primo, nato a Lione nel 1924, è stato attivissimo per il teatro ed il cinema, lavorando fra l’altro per il Théatre national populaire e la radio francese e come organizzatore di concerti di musica contemporanea. Inizialmente ha lavorato in Francia per piccoli ma interessanti film come il fantascientifico Barbarella (id., Roger Vadim, 1967). Adottato successivamente da Hollywood, ha firmato in America negli anni Sessanta i suoi più importanti lavori quali il colossale Il giorno più lungo (The Longest Day, Ken Annakin,
7 Cit. in C. FABRETTI, Michael Nyman, genio d’un minimalista, in www.ondarock.it/Nyman.html
8 Ibid.
Andrew Marton e Bernhard Wicki, 1962), cronaca dello sbarco in Normandia secondo il racconto di Cornelius Ryan, Lawrence d’Arabia (Lawrence of Arabia, David Lean, 1962) con cui vinse l’Oscar e Il dottor Zivago (Doctor Zhivago, David Lean, 1965), la cui colonna sonora, con il celebre Tema di Lara, vendette milioni di dischi in tutto il mondo. La musica di Jarre, attivo molto nelle produzioni hollywoodiane anche negli anni Ottanta come testimonia il film Un anno vissuto pericolosamente (A Year of Living Dangerously, Peter Weir, 1982) e tuttora pur se con ritmi più rallentati, individua situazioni e personaggi attraverso l’uso di timbri molto caratterizzati ed è molto vicina a quella di Herrmann. Questi, nato a New York nel 1911, anch’egli di formazione classica, è diventato molto noto per le musiche scritte per i film di Hitchcock come, ad esempio, Psycho (id., 1960), le cui sequenze più celebri, come quella che mostra il teschio della madre seduta sulla sedia girevole, la morte del detective privato, la sinistra casa Bates sempre inquadrata contro un cielo minaccioso e soprattutto l’uccisione della donna sotto la doccia, hanno creato delle vere psicosi collettive proprio grazie alle musiche per archi di Herrmann, oltre che all’ottima regia di Hitchcock, che hanno rinforzato e avvolto tutto il film di un pesante senso di incubo reale. Il compositore, inoltre, ha lavorato anche per Viaggio al centro della terra (Journey to the Center of the Earth, Henry Levin, 1959) e Fahrenheit 451 (id., François Truffaut, 1966), tratto dal celebre romanzo di Ray Bradbury: in esse il suo stile classico si mescola ad una tecnica di composizione “mista”, evocando a volte influenze jazzistiche come nel caso del più recente Taxi Driver (id., Martin Scorsese, 1976), ma comunque facendo sempre uso di strumenti reali e accantonando ogni possibilità di utilizzare apparecchiature elettroniche.
Nella categoria degli autori che hanno, invece, sposato l’elettronica possiamo senza dubbio citare in primo luogo il più grande, Vangelis, un autodidatta che si è interessato subito di musica elettronica non appena questa nuova possibilità cominciò a circolare, intuendo le grandi possibilità di cui si poteva rivestire la musica per il cinema. Vangelis, pseudonimo di Evangelos
Papathanssiou, è nato in Grecia nel 1943 ed è approdato in America nel pieno della New Hollywood mettendosi in luce come valido compositore new age. Con l’inizio degli anni Ottanta si è poi distinto proprio per il fatto di essere un interessante “sperimentatore”, all’epoca, di musica cinematografica intesa nel senso meno tradizionale possibile: già in Momenti di gloria (Chariots of Fire, Hugh Hudson, 1981) l’uso della “nuova musica cinematografica”, come è stata definita al tempo da qualcuno, dimostra come Vangelis avesse compreso in quale direzione il regista voleva indirizzare il film. Egli, pur servendosi sovente di orchestra reale,
“non rinuncia, infatti, all’epicità stemperandola contemporaneamente in una scrittura attenta a non perdere di vista l’aspetto intimo delle vicende narrate”9.
Questo film, che riesce a sfuggire a tutti i cliché del cinema “sportivo” (primo fra tutti il ralentì che spesso si rivela un’arma a doppio taglio in questo genere di film) e propone una ricerca interiore che si muove sulle gambe degli atleti ma, al tempo stesso, non si lascia prendere da ritmi inadeguati, ha portato Vangelis a vincere l’Oscar per la migliore musica, oltre a riceverne altri per il miglior film, sceneggiatura originale e costumi. Il riconoscimento aprì molte porte al musicista che, infatti, l’anno successivo fu impegnato nel progetto del celebre Blade Runner (id., Ridley Scott, 1982), primo film con musica totalmente sintetizzata di Vangelis. Il film è un’abile fusione di poliziesco e fantascienza e descrive perfettamente una società del futuro multietnica anche grazie agli effetti speciali di Douglas Trumbull e al contributo del compositore greco. Inizialmente, però, questa pellicola non fu un immediato successo commerciale, forse per la quantità di novità di cui ogni aspetto era rivestito come l’uso di sintetizzatori musicali, gli effetti speciali visivi inediti per l’epoca, l’idea registica di ambientare un giallo in una fantascientifica città del futuro… Tutto
9 G. ZAPPOLI, scheda Momenti di gloria in P. Farinotti, Dizionario di tutti i film, Milano, Mondatori, 1999.
ciò necessitava di un tempo più lungo del dovuto per essere apprezzato, ma divenne comunque in seguito un cult per i film di fantascienza, soprattutto grazie alle nuove idee contenute nella colonna sonora che amplificavano ancor di più lo scenario cyberpunk e futuristico del soggetto. Forse uno dei momenti più incisivi del film è quello delle scene finali, quando il replicante impersonato da Rutger Hauer parla all’incredulo Harrison Ford: la sequenza ha certamente un valido supporto musicale, ma forse si può notare che il contenuto principale è probabilmente legato all’uso del colpo di scena mostrando l’inumano che ha le stesse sensazioni dell’umano: ciò dimostra che la buona riuscita dell’opera non è dipesa unicamente dal lavoro di Vangelis ma anche da quello degli attori e del regista Scott che hanno creato un interessante “unisono artistico”. Anche Missing (id., Constantine Costa Gavras, 1982) è un film dotato di una colonna sonora in cui gli effetti elettronici giocano un ruolo di primo piano, anche se si tratta di un film drammatico e di denuncia: il regista greco si adatta perfettamente alle caratteristiche del cinema hollywoodiano, come già aveva fatto il compositore suo connazionale: esalta le sue già note doti di solido prosatore realizzando un film coraggioso ed efficace, rivolgendosi all’americano medio, benpensante e tendenzialmente conservatore cercando di mettergli una pulce nell’orecchio grazie anche alla grande comunicatività di una attore della forza di Jack Lemmon. Le musiche di Vangelis hanno un ruolo notevole, forse ancor più di Blade Runner, in Antarctica (id., Koreyoshi Kurahara, 1983). Questo superbo lavoro girato in Antartide, da semplice avventura e triste favola assai commovente diventa, tramite la firma del compositore, una sorta di film documentario in cui i paesaggi polari assumono un fascino particolare nella descrizione musicale di Vangelis, il quale, pur scrivendo delle melodie affascinanti di per sé e che possono essere ascoltate anche fuori dalla proiezione del film (basti pensare al brano Alpha), riesce, con l’uso del leitmotiv e con le sue intuizioni di buon artigiano, a far comprendere la solitudine provata dai cani da slitta abbandonati per causa di forza maggiore dagli scienziati giapponesi e il dramma vissuto dallo scienziato nipponico che, tornato a casa, non
riesce più a dimenticare il legame e l’amore che lo univano ai suoi cani. Vangelis, però, non utilizza esclusivamente musica elettronica: se si trova alle prese con opere il cui contenuto è di taglio più classico e storico è portato ad utilizzare l’orchestra, ma anche in questo caso riesce sempre a creare uno stile assolutamente personale in cui l’elettronica “c’è ma non si vede”. È il caso, infatti, del film in costume 1492: La conquista del paradiso (1492: The Conquest of Paradise, Ridley Scott, 1992), interpretato da Gérard Depardieu: in questa pellicola la musica ricopre una parte amplificante per la drammaticità delle scene. Un tipico esempio è il brano, più volte utilizzato in spot e servizi giornalistici, Conquest of Paradise che rafforza, con l’equilibrio musicale tra il coro e la musica sintetizzata, la bellezza della fotografia e la solennità delle scene in cui i marinai delle tre caravelle di Colombo partono alla volta del Giappone, ignari del loro destino.
Secondo a Vangelis troviamo subito Giorgio Moroder, nato in provincia di Bolzano nel 1940 e trasferitosi in Germania dove aprì i Musiclands Studios. Moroder è uno strano tipo di compositore da film: specializzatosi anch’egli in musica elettronica, si occupò dapprima di disco music, genere del quale è considerato uno dei fondatori, e solo verso la fine della New Hollywood passò alla musica per il cinema. I suoi inizi come sperimentatore elettronico risalgono al 1975, quando cominciò ad inserire i ritmi bassi della batteria nei suoi brani per marcare maggiormente il ritmo: prima di allora, infatti, le canzoni da discoteca utilizzavano esclusivamente i normali suoni della batteria e non battiti profondi ed amplificati per scandire il tempo. Lo stile di Moroder mostra di rifiutare categoricamente, più di Vangelis, ogni intervento di strumenti reali, che invece nel compositore greco sono in minima parte presenti, per prediligere totalmente l’uso dei sintetizzatori e dei campionatori. Dunque, dopo aver registrato alcuni album in questo stile sotto il semplice nome di Giorgio, Moroder realizzò un celebre brano intitolato I Feel Love, che gli permise di entrare nella grande categoria dei compositori per il cinema: Alan Parker, infatti, apprezzò il nuovo
sound creato da tale brano e contattò Moroder per la colonna sonora di Fuga di mezzanotte (Midnight Express, 1977). Il successo fu tale che il compositore ricevette l’Oscar l’anno seguente per la migliore musica e ciò gli permise di continuare con esiti assai positivi la composizione di colonne sonore: in pochi anni ha firmato le musiche di pellicole di grande qualità anche grazie a brillanti interpretazioni come American Gigolò (American Gigolo, Paul Schrader, 1980) con il debutto di Richard Gere, Cat People e Top Gun (id., Tony Scott, 1985) con Tom Cruise, la cui canzone Take my Breath Away divenne subito uno dei dischi più venduti del tempo. È bene sottolineare che questo film, campione d’incassi, fu sponsorizzato dalla marina militare americana per propagandare l’eccezionale bravura dei suoi piloti di caccia, detti appunti Top Gun, e venne girato con una scelta stilistica di regia che decise di filmare le spericolate evoluzioni aeree, i tramonti sul mare e la ferrea disciplina della vicenda con i ritmi propri del videoclip a tempo sulla musica di Moroder. Nel 1983 egli vinse il secondo Oscar per la migliore canzone grazie a What a Feeling, con la voce di Irene Cara (co-autrice del brano), per Flashdance (id., Adrian Lyne, 1983), un film interpretato da Jennifer Beals tutto incentrato sul ballo e la musica che ha avuto notevole influenza su tutte le pellicole successive che hanno affrontato tale tema e che rimane uno dei più grandi successi del compositore, pari a quello ottenuto dalla colonna sonora di La storia infinita (Die unendliche Geschichte, Wolfgang Petersen, 1984) con la celebre canzone Never Ending Story che ha fatto il giro del mondo. Moroder è sempre stato un pioniere delle più recenti tecnologie: fu il primo ad usare il classico Lynn synth drum machine, dispositivo per realizzare la più moderna musica dance. Per creare buone canzoni in quello stile, benché gli interessasse usare strumenti digitali, ha sempre utilizzato drum machines analogiche poiché fornivano, a parer suo, un suono più live rispetto a quelle digitali.
L’ultimo grande autore di musica da film in questo senso, anche se ce ne sarebbero molti altri da citare, è Angelo Badalamenti, emerso ad Hollywood in tempi ancor più recenti di Vangelis e
Moroder e dallo stile ancor più differente da essi, pur rientrando sempre nella loro categoria. Come Moroder anch’egli proviene da una famiglia italiana, con la sola differenza che è nato però a Brooklyn nel 1937 ed è emerso relativamente tardi nella musica cinematografica: prima, infatti, si era dedicato alla composizione di musiche sperimentali e da concerto. Da quando, però, Badalamenti accettò la proposta di comporre musica da film e realizzò la colonna sonora di Blue Velvet (id., David Lynch, 1985), si appassionò talmente al genere che decise di continuare a collaborare stabilmente con Lynch il quale, infatti, ha scritto di suo pugno anche qualcuno dei testi delle canzoni di Badalamenti. Questo è ciò che disse il compositore in un’intervista a proposito di tale collaborazione:
“David sente perfettamente la musica e sa quel che vuole. È uno dei pochi registi capaci di prendere la decisione definitiva. Questa è una dote preziosa per un compositore. Di lui dico che è la mia “seconda moglie”. Non interpretate male queste parole: siamo ambedue normali ed io ho una bella moglie, ma la mia opinione su di lui è il risultato della nostra vecchia e lunga amicizia. Lui guarda me, io guardo lui, lui dice una parola, io anche e noi sappiamo quello che ci passa per la mente”10.
Questa grande intesa e l’importanza, per Badalamenti, di amare soprattutto ciò che è “tragicamente bello” (per sua stessa definizione) è sfociato nell’opera maggiore del compositore, la soap opera in stile gotico di David Lynch e Mark Frost Twin Peaks; probabilmente uno dei migliori esempi di musica televisiva e, successivamente, cinematografica dal momento che da tale serie venne tratto anche un film per il grande schermo, Twin Peaks - Fuoco cammina con me (Twin Peaks - Fire Walk With Me, David Lynch, 1992) L’opera fu presentata in televisione l’8 aprile 1990 e proseguì per 29 episodi fino al 10 giugno 1991, mentre il film uscì negli Stati Uniti il 28 agosto 1992. La colonna sonora, misteriosa e dolce, fonde i due stili di Vangelis e Moroder che
abbiamo appena analizzato con profonde influenze jazz, realizzando il tutto con l’elettronica ma in maniera più tradizionale e meno sperimentale. Badalamenti, che ha utilizzato i sintetizzatori per ricreare i suoni degli strumenti veri consapevole di generare in tal modo sonorità a metà tra il reale e l’artificioso, ha detto di sé:
“Il mio mondo musicale è un po’ scuro... un po’ decentrato. Io penso a questo mondo come a qualcosa di tragicamente bello. Questo, infatti, è il modo in cui descriverei quel che amo di più: tragicamente bello. In una città come Twin Peaks nessuno è innocente: ciascuno è un peccatore e ha dei segreti... La musica e la trama sono per me colpi di genio; tutti i confini sono attraversati: nessun limite è lasciato intatto”11.
La musica di Badalamenti riesce per questi motivi a catturare l'oscurità, la paura che l’avvilimento morale unito alla sublime espressione dell’innocenza, della bellezza e della fragilità dell’amore e della giovinezza, tutti elementi che, trasferiti in musica dal singolare uso che il compositore fa della musica elettronica ed associati alla forza delle immagini di Lynch, si accentrano intorno al mistero della morte del personaggio di Laura Palmer ed alle potenze del male che si manifestano nella foresta di notte.
Nell’ultima categoria, che è quella che abbraccia il maggior numero di musicisti cinematografici, rientrano tutti quegli autori che, in maniera del tutto innovativa, lavorano realizzando l’impiantistica, la base, l’intelaiatura della colonna sonora con l’elettronica (cioè tappeti di sottofondo o effetti acustici particolari come martellate o colpi inaspettati per le scene d’azione) sovrapponendovi poi l’orchestra o gli strumenti tradizionali. È la tendenza più diffusa oggi con i compositori dell’ultima generazione e, sebbene essa comporti delle spese superiori rispetto al lavoro svolto esclusivamente con i sintetizzatori, permette una più ampia gamma di
10 Cit. in J.A. REVILLA, Pianeti Alati: Nesso, in http://web.genie.it/utenti/a/astrologica/Alati_Nesso.htm
11 Ibid.
possibilità, avendo a disposizione una doppia fonte timbrica sonora. Bisogna però tenere conto che non sempre l’utilizzo dell’orchestra supportata dall’elettronica è un’idea del compositore e scaturisce dalla sua formazione: a volte la presenza di un’intera orchestra o la realizzazione di una colonna sonora totalmente sintetizzata dipendono dal budget previsto per un film, quindi non è raro trovarsi davanti a compositori portati ad operare in un determinato modo piuttosto che in un altro a causa di precise scelte produttive. Citare comunque tutti questi autori del cinema hollywoodiano è impossibile, ma ci si può limitare a fare i nomi di John Williams, Jerry Goldsmith, John Barry, Bill Conti e James Horner per dare una chiara idea. Analizzeremo i primi due più avanti in dettaglio: per il momento sarà sufficiente fare un analisi delle personalità di Barry, Conti ed Horner e cercare di capire il loro lavoro descrivendo alcuni dei film a cui hanno partecipato.
John Barry è un autore la cui fortuna ha subito una strana sorte: diventato celebre per aver composto i temi della serie 007, ha visto alcune volte i suoi dischi trattati con leggerezza o addirittura persi dalle case produttrici. L’incubo di tutti i produttori discografici che vogliono ristampare rare colonne sonore del passato è, infatti, quello di scoprire con orrore che talvolta i master tapes con le musiche registrate si sono persi per sempre per l’incuria del tempo e, perché no, degli uomini. Allora che fare? L’unica soluzione è quella di registrare nuovamente la colonna sonora affidandosi alla bravura di un orchestratore e di un copista e alla performance di un’orchestra che riesegua in digitale il commento perduto: è quello che è accaduto recentemente al prolifico produttore James Fitzpatrick in occasione della pubblicazione di Raise The Titanic, una delle migliori partiture di John Barry per il grande schermo. Erano molti anni che i fans di Barry richiedevano un disco di tale film, ma a parte un misterioso singolo pubblicato in Giappone negli anni Ottanta, tutti i passaggi orchestrali drammatici erano rimasti completamente inediti. La Silva Screen è riuscita finalmente a far avverare questo sogno pubblicando in prima assoluta la
colonna sonora completa tratta da questo film. Per capire al meglio lo stile di questo versatile compositore di musica classica, elettronica, pop e jazz è necessario analizzare brevemente alcune tracce contenute in questo importante disco, che si apre con un tema eroico e romantico (Prelude) dove dominano epicamente i corni su un’esotica sezione di fiati. Lo stile di Barry dal sapore “bondiano” ritorna nel brano Main Title: The Mine Shaft. Lo score poi include passaggi molto dark e misteriosi (The Sicilian Project) che si alternano ad altri molto ariosi e avventurosi (We’re in Business, The Titanic Uncovered, Rise the Titanic) e melodici (Memories of the Titanic). Ma limitarsi a parlare di Barry senza citare i celebri film col personaggio di James Bond sarebbe riduttivo: nonostante le frequenti “disavventure” discografiche, Barry ha sempre offerto al cinema partiture ed incisione di ottimo livello, come testimoniano, fra le altre, anche quelle scritte per Robin e Marian (Robin and Marian, Richard Lester, 1976) e Cotton Club (The Cotton Club, Francis Ford Coppola, 1984). Nick Raine, collaboratore del compositore per la direzione d’orchestra, ha diretto quasi tutte le sue partiture spesso servendosi dell’ottima City of Prague Philarmonic e realizzando con essa i lavori i importanti di Barry quali James Bond 007 Octopussy (Octopussy, John Glen, 1983), 007 Bersaglio mobile (A View to Kill, John Glen, 1985) e 007 Zona pericolo (The Living Day Lights, John Glen, 1987). Stilisticamente, com’è proprio della versatilità di questo compositore ad usare l’orchestra supportata da una solida intelaiatura elettronica, troviamo atmosfere orientali che caratterizzano il commento per James Bond 007 Octopussy, dove emergono variazioni del celebre James Bond Theme e riprese del Love Theme come nelle inedite selezioni Slow Boat e Nick Nack. Il tema d’amore di 007 Bersaglio mobile viene ripreso in forma di solenne fanfara per grande orchestra per la scena in cui Bond salva la bella Stacey da un museo in fiamme nell’inedito Fanfare, appunto. Da ultimo è possibile cogliere un altro inedito elemento, ancora a testimoniare il grande spirito poliedrico di Barry, nella versione film del tema Tank drive around St. Petersburg (nella versione originale arrangiata da
John Altman) da 007 Goldeneye (GlodenEye, Martin Campbell, 1996).
Altro autore per certi versi simile a John Barry, per lo meno per quanto riguarda lo spirito eclettico, è Bill Conti, compositore prediletto del cinema d’autore dallo stile fortemente evocativo. In particolare ha dimostrato di trovarsi a proprio agio particolarmente con le musiche solenni e trionfali per prodotti d’avventura e d’azione. Ciò lo possiamo notare nella sua colonna sonora più famosa, Rocky (id., John G. Avildsen, 1976), film rappresentativo di un certo periodo sociale e produttivo della New Hollywood la cui fanfara per strumenti reali con base elettronica fornisce un chiaro esempio delle nuove tecnologie. La vicenda del pugile Rocky Balboa, impersonato da Sylvester Stallone, che vive alla giornata disputando qualche piccolo incontro come pugile dilettante e che poi per una forte somma, grazie anche all'aiuto di un saggio allenatore e all’amore di una ragazza, accetta la sfida di un campione di pesi massimi proponendosi non di vincere ma di arrivare alla quindicesima ripresa, si rivelò un grande investimento per le produzioni hollywoodiane del tempo: un film a basso costo che venne premiato con tre Oscar (miglior regia, film e montaggio), sei altre nominations e un vasto successo internazionale. L’importanza di questo film e di qualcuno dei seguenti quattro episodi particolarmente riuscito, sta nel fatto che ha segnato, sulla scia lontana dell’ottimismo di Frank Capra, il ritorno ai grandi miti istituzionali: chiunque in America abbia abbastanza cuore e buone ragioni può fare l'impossibile. Inoltre alcune sequenze, proprio mediante l’epica musica di Conti, l’interpretazione di Stallone, la regia e l’accorto montaggio, sono davvero notevoli, come quella dell’allenamento in esterni che valse il riconoscimento ai due montatori. Il quasi esordiente Stallone, anche autore della sceneggiatura, divenne una superstar e Bill Conti si aggiunse al numero crescente in quegli anni dei grandi compositori da film hollywoodiani.
Uno degli ultimi musicisti “classicamente innovativi” usciti dalla fucina hollywoodiana è James Horner, che, dopo esser diventato popolare a livello mondiale con l’Oscar per Titanic (id.,
James Cameron, 1998), è ora uno degli autori più richiesti della Hollywood odierna. Negli ultimi anni, tuttavia, il suo nome si è evidenziato anche grazie ad una serie di pellicole di riguardo per le quali egli ha eretto pregevoli costruzioni sinfoniche: tra le più note troviamo Apollo 13 (id., Ron Howard, 1995), Braveheart (id., Mel Gibson, 1995), L’uomo bicentenario (Bicentennial Man, Chris Columbus, 1999) e La tempesta perfetta (The Perfect Storm, Wolfgang Petersen, 2000). Ma la carriera di questo colto musicista ha origine con la New New Hollywood con Star Trek II - L’ira di Khan (Star Trek: The Wrath of Khan, Nicholas Meyer, 1982), secondo capitolo della fortunata saga, e con Cocoon - L’energia dell’universo (Cocoon, Ron Howard, 1985), lavori che hanno rappresentato per lui un invidiabile trampolino di lancio. Caratteristica tipica della musica di Horner è l’amalgamare spesso con assoluta disinvoltura influenze etniche e folkloristiche e le proprie melodie con quelle più o meno note di altri autori classici e contemporanei e di fondere il tutto con elettronica messa in bella vista ed orchestra sinfonica: peculiarità che è stata non poche volte oggetto di accese controversie tra gli estimatori della musica da film, ma che non ha impedito ad Horner di realizzare corpose ed efficaci partiture sinfoniche, non solo adeguate ai film cui sono destinate (come prima di tutto deve saper essere ogni colonna sonora, visto che è scritta in adempimento di una precisa commissione), ma capaci di offrire piacere d’ascolto anche fuori dalle scene e di suscitare giudizi soddisfatti da parte degli ammiratori. In Star Trek II - L’ira di Khan, perfetto esempio dell’opera di Horner, troviamo la completa fusione di quattro elementi fondamentali in un unico lavoro: orchestra sinfonica, cori maschili e femminili molto pieni, sintetizzatori elettronici e un insieme di strumenti esotici non comuni. Sull’uso di tali strumenti, poi, c’è da dire che probabilmente lo scopo del compositore era quello di creare un effetto di lontananza e di dare allo spettatore, sorprendendolo con sonorità sconosciute, l’illusione di una storia mistica in un luogo remoto. Questa musica, per tali motivi, rimane secondo alcuni estimatori una delle più efficaci scritte nella storia contemporanea di Hollywood: basta
considerare il fatto che il tema eroico, presentato dagli ottoni ed impiegato durante una fuga ed un inseguimento di malvagi soldati, è usualmente considerato un classico, soprattutto per la funzione in questo caso prevalentemente ritmica e trascinante del leitmotiv.
PRIMA PARTE
Teoria, generi ed esempi rilevanti di uso di particolari tecniche orchestrali associate alle tecniche cinematografiche
CAPITOLO 1: TEORIA E GENERI
1. Diegesi, suono e spazio.
Tutto quello che riguarda il suono del film, compresi dialoghi, musica e rumori, tutto quello che si sente senza vedersi fisicamente, al contrario delle immagini anche se su di esse è presente, è stato oggetto da sempre di studi e di attente analisi da parte della teoria cinematografica, proprio perché, non essendo giudicabile sulla base di osservazione visibile, ha costituito un misterioso fattore dell’opera filmica, già dall’avvento del sonoro e, quindi, meritevole di studi particolari. Anche alcuni registi particolarmente attenti a ciò hanno dedicato opere cinematografiche giocate sul rapporto suono-immagine: un film fra molti, La conversazione (The Conversation, Francis Ford Coppola, 1974), è un lavoro che riassume emblematicamente questo rapporto presentandoci la storia di una “spia telefonica”, interpretata da Gene Hackman, specializzata nel captare le conversazioni di uomini politici, industriali e divi famosi con le sue avveniristiche apparecchiature. Egli è talmente immerso nel suo mondo di microfoni e di nastri registrati da non vedere e non capire altro di ciò che lo circonda che il suo lavoro. Un giorno intercetta i colloqui di due giovani amanti e si convince che il marito di lei, un industriale, voglia ucciderli: mentre si chiede se non è meglio avvertire la coppia, essa elimina proprio il marito, avendo anche scoperto la spia e tenendola sotto l’incubo di una rappresaglia. Questo film, uscito contemporaneamente allo scoppio dello scandalo americano del Watergate, costituisce dunque un documento feroce e ghignante contro le assurdità del progresso tecnico che annichilisce la personalità dell’uomo senza per questo garantirgli una maggiore efficienza.
Se, a livello di registi, i casi di attenta analisi del suono non mancano, anche la teoria e la critica non sono da meno: uno dei maggiori studiosi del suono al cinema è stato senza dubbio il celebre Michel Chion, figura di studioso-autore abituato di certo a trattare il suono e la musica in tutte le
loro parti. La principale divisione che, dal punto di vista della teoria, ha accompagnato la riflessione sul suono è quella tra suono diegetico ed extradiegetico: la prima espressione indica un suono che proviene direttamente dalla diegesi del film, cioè la narrazione, la scena e il profilmico come la voce di un personaggio che parla con un interlocutore, il fischio di un treno che passa o la musica di un’orchestra che sta eseguendo un brano in un concerto. Al contrario, la seconda espressione rappresenta tutti quei suoni che possono ascoltare solo gli spettatori del film e non i personaggi della diegesi: è il caso della musica di commento al film, che ricopre un buon novanta percento dei casi cinematografici per cui tale musica è scritta. Ovviamente questa semplice ed iniziale divisione si dirama in varie altre sottocategorie, molto più complesse che in questa sede, per ragioni di spazio, non è possibile citare, ma basterà ricordare che, a volte, tramite abili giochi di regia ciò che è extradiegetico diventa dietetico e viceversa. Questo fatto costituisce un chiaro esempio di come il suono, rivestendo lo spazio, può essere manipolato a piacimento e, di conseguenza, anche lo spazio, le voci, il carattere di alcuni personaggi fino all’intera diegesi, oltre ad affermare il potere del regista-autore-creatore dell’opera che è l’unico a decidere cosa si deve vedere e come. A tal proposito scrivono chiaramente i due critici Gianni Rondolino e Dario Tomasi nel loro Manuale del film:
“La distinzione fra suoni diegetici e suoni extradiegetici è solitamente determinata in modo chiaro e lo spettatore non ha dubbi nel capire, ad esempio, qual è la musica che sentono anche i personaggi e qual è invece quella che sente solo lui. Tuttavia in alcuni casi i confini fra questi due spazi possono farsi assai labili e un film può giocare sul loro confondersi. È il caso di certe musiche che iniziano come diegetiche – le ascoltiamo ad esempio nel corso di una rappresentazione a un teatro d’opera – e si trasformano poi in extradiegetiche quando continuiamo a sentirle in una scena successiva a quella del teatro che si svolge in un altro luogo”.
Ciò, però, non riguarda solo la musica, ma, ovviamente, anche i suoni del parlato, della voce di personaggi o di un narratore. Continuano infatti Rondolino e Tomasi:
“In alcuni casi, come in L’orgoglio degli Amberson (The Magnificent Ambersons, Orson Welles, 1947), il gioco si fa ancora più ambiguo. Un narratore chiaramente extradiegetico – nella versione originale del film la voce è dello stesso Welles – riassume la storia della famiglia protagonista, ma , a un certo punto, una delle sue frasi è direttamente commentata da uno dei personaggi della finzione. Il dialogo che si instaura fra una voce extradiegetica e una diegetica dà così vita a una situazione perlomeno paradossale”.
Chion, inoltre, cita fra le varie distinzioni del suono anche il caso di quello cosiddetto acusmatico. Questa parola, di origine greca, indica un suono che si sente senza vederne la fonte che lo genera, come, ad esempio, un disco o un telefono. L’opposto di tale suono è quello visualizzato: Chion, nella sua teorizzazione, ha analizzato con grande cura il rapporto che c’è tra acusma, voce, musica e gli altri tipi di suono. Un chiaro esempio della manipolazione del suono e dello spazio nella diegesi egli ce lo fornisce indicandoci Jacques Tati come maestro dell’uso espressivo del rumore e, in particolare, il suo film Play Time - Tempo di divertimento (Playtime, 1967). Anche se ci discostiamo per un momento dal periodo storico e dalla nazionalità del cinema trattato in questa sede, credo che sia utile analizzare brevemente questo film, per capire le ragioni di tale teoria. Il personaggio protagonista, Hulot, interpretato dallo stesso regista, è un individuo che non parla quasi mai e il cui rapporto con la realtà che lo circonda è basato sull’incapacità di adeguarsi ad essa: un precursore dei più moderni Benny Hill e Mister Bean, diventati celebri tramite le serie televisive degli anni Novanta. In una società cibernetica che dovrebbe rendere più facile e bella la vita umana ma che provoca solo frastuono e rumore, Hulot stenta ad ambientarsi e a convivere con la gente, cercando di farsi capire come può per la sua
natura. Una sequenza emblematica è quella in cui il personaggio arriva in un modernissimo complesso di uffici, dove egli ha un appuntamento e viene accolto da un custode che avverte del suo arrivo un impiegato tramite una centralina, assai moderna per l’epoca. Come illustrano Rondolino e Tomasi a questo proposito
“il dialogo dell’uomo con la centralina non è dei più semplici. Questa si esprime attraverso un serrato gioco di luci e suoni che impongono all’anziano custode un ritmo per lui troppo veloce. Il rumore diventa così sin da subito un elemento che caratterizza la società moderna e la difficoltà del custode di rapportarsi ad esso anticipa quello che sarà il disagio di Hulot. Una volta messosi in contatto con l’impiegato, l’uomo fa accomodare Hulot su di una poltroncina nell’atrio del palazzo. Inizia qui il secondo segmento della nostra scena”.
L’inquadratura mostra dunque il personaggio di Hulot seduto sulla sinistra, davanti a un ascensore. Il custode è in piedi vicino a lui. Sulla destra, in profondità di campo, un lungo corridoio, la cui vista è però impedita a Hulot. L’arrivo dell’impiegato è preceduto e accompagnato dall’amplificato suono dei suoi passi. Il punto d’ascolto su cui il piano è costruito fa sì che noi sentiamo ciò anche Hulot sente.
“Ma questa comunanza è poi negata dal punto di vista che fa sì che noi vediamo quel che Hulot non può vedere. Così succede che, sentendo questo forte rumore di passi, Hulot creda che l’impiegato sia ormai per arrivare – mentre in realtà è ancora molto lontano – e faccia più volte per alzarsi, fermato però dal solerte custode che, come noi, può vedere il corridoio in tutta la sua estensione”12.
L’estraneità del personaggio alla moderna società, quindi, è reso abilmente dalla disgregazione tra significato suggerito da un suono e realtà spaziale e fisica.
2. Le ragioni della musica diegetica ed extradiegetica.
L’esempio proposto è solo un caso tra i tanti possibili. Esso però prevede anche un caso a sé, che è la musica: questa, proprio per la sua natura facilmente adattabile a qualsiasi situazione filmica, è stata oggetto di un lunghissimo studio teorico e di analisi da parte di alcuni importanti critici, fra cui Chion e Christian Metz. Tra suono e musica, la seconda, essendo più complessa del primo, ha ottenuto maggiori sistematizzazioni teoriche, a volte anche molto complesse, mentre il suono e la voce, pur essendo temi importanti per la teoria cinematografica, sono stati risolti con “minore difficoltà” da parte degli studiosi. Infatti già dal 1895, anno di nascita del cinema, ci si è incominciati a porre il problema del collocamento della musica all’interno dell’opera filmica, problema che si è complicato nel 1927, quando il cinema è diventato sonoro. E se nelle sale cinematografiche degli anni Dieci, ai temi del muto, erano spesso presenti orchestrine, o almeno un pianoforte, che improvvisavano un accompagnamento utilizzando un repertorio di effetti descrittivi e brani musicali d’occasione di cui si stampavano antologie e manuali, già a quell’epoca si commissionavano a volte vere e proprie musiche originali a compositori celebri. Ad esempio a Charles-Camille Saint-Saens per uno dei primi esempi di film storico, L’assassinat du duc de Guise (1908), ad Ildebrando Pizzetti per Cabiria (Giovanni Pastrone, 1914), a Pietro Mascagni per Rapsodia satanica (1914) con Lyda Borelli e ancora a Dmitrij Sostakovic e Hanns Eisler che, in collaborazione con Theodor Adorno, scrisse nel 1947 il libro Comporre per film. La musica di Erik Satie per Entr’acte (id., René Clair, 1924) che fa parte del balletto Relàche
dello stesso anno è uno tra i primi esempi di stretta relazione tra ritmo visivo e ritmo musicale.
Fin dalle origini si tentò anche di abbinare il film a registrazioni su disco costruendo apparecchi per la sincronizzazione, poi, con l’avvento del sonoro, alla musica si posero naturalmente dei nuovi problemi, perché essa venne ad interferire in una trama sonora formata anche da voci e rumori. Assai varie possono essere le funzioni della musica in un film: essa può incarnare emblematicamente uno stato d’animo o anche un personaggio, come il diavolo in La bellezza del diavolo (La beauté du diable, René Clair, 1950), può imprimere un dato ritmo a una scena, specie in certi film comici, può avere carattere narrativo: si configura comunque, nella maggior parte dei casi a seconda dell’uso che ne fanno i registi e come vogliono intenderla nel montaggio, come commento musicale, necessariamente subordinato al taglio delle sequenze filmiche. Di qui una delle maggiori difficoltà per il compositore da film, la cui invenzione deve adeguarsi ai tempi delle scene, rinunciando per lo più a sviluppi personali di vasto respiro. Raramente quindi la musica da film composta per commento ad alcune particolari scene, senza un tema ben determinato ma di carattere “fluttuante” – come spesso avviene nella Hollywood contemporanea
– può essere trasferita in sede concertistica senza sostanziali rielaborazioni ed arrangiamenti. Un caso di musiche perfettamente funzionali agli sviluppi del film e insieme fornite di valore autonomo sono quelle composte da Sergej Prokof’ev per Aleksandr Nevski (Aleksandr Nevskij, Sergej Eisenstein, 1938) e per Ivan il terribile (Ivan Groznij, Sergej Eisenstein, 1944), nate da una stretta collaborazione con il regista.
3. I significati del suono.
“Nel cinema parlato raramente si pensa alla voce: si parla piuttosto della colonna sonora. Termine generico e ingannevole, poiché presuppone che gli elementi sonori riuniti su un unico supporto di registrazione (la pista ottica del film) si presentino effettivamente allo spettatore come una sorta di blocco
compatto di fronte a una non meno fittizia “colonna visiva”.
Tuttavia si sa per esperienza che non succede nulla di tutto ciò. Gli elementi sonori del film (emessi nella maggior parte dei casi da un unico altoparlante) non sono presi in un blocco autonomo; tali elementi sonori vengono immediatamente analizzati e ripartiti nella percezione dello spettatore in base al rapporto che stabiliscono con le immagini viste via via da quello spettatore. E, prima di tutto, a seconda che sia visibile o meno, nell’immagine, la fonte attribuita al suono, e dunque, nel caso delle parole, la persona che parla”.
Dopo averci presentato alcune riflessioni sull’uso e la sistematizzazione del suono, Chion afferma che proprio la musica fa eccezione, perché tutti gli elementi che costituiscono fonti di suono e che sono temporaneamente fuori campo, possono entrare nell’inquadratura in qualsiasi momento, rivelandosi. La musica, a meno che non sia diegetica, ma di questo caso parleremo più avanti, costituisce un caso a sé ed è paragonabile a quella che si ascolta in teatro durante un’opera lirica eseguita da un’orchestra fisicamente presente sotto il proscenio, ma, impiegando una definizione assai provocatoria, “ideologicamente assente nell’opera”. Ovviamente ciò si riferisce alla narrazione, intendendo comunque che l’orchestra presente sotto il palcoscenico fa parte integrante dell’opera lirica (che per sua natura è insieme di musica-testo-scene indivisibile), ma non appartiene alla diegesi della vicenda narrata dal soggetto dell’opera, salvo eccezioni. Chion, dunque, continua paragonando il proscenio cinematografico alla buca dell’orchestra teatrale:
“Se si tratta dell’orchestra invisibile che esegue la musica del film, tale proscenio è simile a una buca dell’orchestra come quella del teatro d’opera o del music hall (ai tempi del muto, nelle grandi sale cinematografiche la buca dell’orchestra era reale); se invece si tratta della voce del commentatore, questo proscenio corrisponde a una sorta di tribuna o al tavolino del conferenziere, posto sotto lo schermo o al suo fianco (tavoli e tribune diventano reali nel caso di proiezioni commentate dal vivo).
Questi distinti orientamenti, a partire dai suoni che vengono emessi da un’unica sorgente reale,
l’altoparlante, sulla base del semplice criterio che a ogni suono corrisponde, momenti per momento, un’immagine, provano già a sufficienza che la colonna sonora non esiste – per dirla in modo provocatorio”13.
Chion inoltre, nella sua dichiarata provocazione, sottolinea che un conto è la musica che viene inserita in un’opera e un conto è il suo effetto:
“Solamente coloro che hanno creato il suono del film – fonico, rumorista, addetto al missaggio, regista – sanno bene che spostando o eliminando questo o quel suono, l’immagine non sembra più la stessa. In compenso, i suoni di proscenio, pur ai margini del campo, della scena visiva, risaltano più facilmente in quanto, di necessità, meglio concepiti nella loro singolarità, più facilmente isolabili. Per questa ragione si è scritto molto di più sulla musica per film e sulle voci di commento che sui cosiddetti suoni sincroni, spesso trascurati perché ritenuti “ridondanti”, magari senza aver colto il loro meccanismo specifico, che non è così semplice come si dice”.
Un buon esempio di divergenze tra significati associabili al suono si ha nel film Al di là delle nuvole (Michelangelo Antonioni, Wim Wenders, 1995), dove da un paesaggio marino, con il rumore del mare, si passa ad un interno cittadino, un appartamento ad un piano alto. Il rumore di fondo rimane lo stesso, siamo noi poi a dargli un’altra rappresentazione, quella del traffico in lontananza. In questo caso il suono ha una valenza insolita, predominante, e noi lo pieghiamo e adattiamo all’immagine. Chion osserva:
“Non c’è predominanza, si è per forza in un rapporto. Perché il suono ci fa immaginare delle cose diverse rispetto all'immagine? Perché il suo valore figurativo è più sfumato. È anche vero che certe volte in certi
film il suono arriva prima dell’immagine di una scena, ed è un po’ il riflesso di quello che succede nella nostra vita di tutti i giorni: noi abbiamo sentito prima di aver visto. Prima di nascere, e subito dopo la nascita per un po’ siamo stati ciechi. Ci sono molti film americani recenti - come Rain Man - L’uomo della pioggia [Rain Man, Barry Levinson, 1988, N.d.R.] - in cui i primi suoni del film non sono una musica, ma rumori sul nero, ed è solo dopo che ci si colloca nello spazio. E’ un effetto molto poetico che parla a tutti perché è così che accade nella vita”.
CAPITOLO 2: LO ZOOM E IL CRESCENDO
In fotografia un obiettivo zoom (in origine denominato trasfocatore, oggi semplicemente zoom) è un obiettivo complesso la cui lunghezza focale può variare, a differenza di quanto avviene negli obiettivi primari. Gli zoom sono usati, oltre che come obiettivi per fotocamere, anche per telecamere, binocoli, telescopi e altri strumenti ottici. Spesso ci si riferisce agli zoom indicando il rapporto fra la focale massima e la minima: per esempio, un obiettivo con lunghezza focale variabile da 100 mm a 400 mm può essere indicato come zoom “4x”. Il termine iperzoom viene talvolta usato per indicare zoom con un rapporto di focale molto esteso, solitamente compreso fra “5x” e “10x” (per esempio, da 35 a 350 mm) o addirittura “12x”. A seconda del range di lunghezze focali previste, uno zoom si può collocare nella fascia delle lunghezze focali dei teleobiettivi (sopra i 50 mm), dei grandangoli (sotto i 35 mm), o in una fascia mista (per esempio, da 28 mm a 80 mm). Le macchine digitali (foto o videocamere) utilizzano spesso, in aggiunta allo zoom ottico, un ulteriore meccanismo di zoom digitale, ma la qualità dello zoom digitale (che semplicemente ridimensiona l’immagine in modo analogo a quanto fanno i programmi di elaborazione delle immagini) è generalmente inferiore. Poiché nei modelli moderni di zoom la messa a fuoco rimane stabile anche quando si modifica la lunghezza focale, e la messa a fuoco può essere “bloccata” lo zoom può facilitare una messa a fuoco di precisione. Il fotografo o l’operatore alla macchina, infatti, può “zoomare” sul dettaglio più rilevante (per esempio, gli occhi per un ritratto), mettere a fuoco e bloccare il fuoco, e poi ricomporre (per esempio allargando l’inquadratura fino a includere tutto il soggetto).
In musica il crescendo è un’indicazione dinamica che prevede l’aumento graduale dell’intesità del suono. È il contrario del diminuendo e può essere usato in concomitanza con esso per creare determinati effetti. Viene indicato con l’abbreviazione cresc. oppure con il segno
grafico <. Queste due tecniche (lo zoom per il cinema ed il crescendo per la musica) sono state a volte combinate insieme per determinate sequenze, raggiungendo ottimo risultati di adesione immagini / suono. L’esempio migliore del massimo adattamento di regia alla partitura della colonna sonora si trova in E.T. L’extra-terrestre (E.T. the Extra-Terrestrial, Steven Spielberg, 1982). Distribuito dalla Universal Pictures, questo film divenne un successo al botteghino, superando, all’epoca, Guerre stellari (Star Wars, George Lucas, 1977) dal punto di vista degli incassi. Il film è uscito l’11 giugno 1982 negli Stati Uniti e il 3 dicembre dello stesso anno in Italia, fu poi ridistribuito nel 1985 e nel 2002, con l’aggiunta di nuove scene ed effetti speciali migliorati. La pellicola affronta temi cari a Spielberg, come quello della crescita, del rispetto e della tolleranza. Per il regista, quest’opera aprì la strada ad un nuovo genere di film: pellicole più personali, incentrate sulle emozioni e sulle condizioni umane dei protagonisti, come Schindler’s List (id., Steven Spielberg, 1993) e Amistad (id., Steven Spielberg, 1997). La colonna sonora è stata composta da John Williams, collaboratore abituale di Spielberg, che ricevette per questo lavoro il suo quarto Oscar. Per il musicista scrivere la musica della pellicola fu particolarmente complesso, in quanto dovette comporre commenti musicali per scene che non poteva vedere, o di cui visionava la versione provvisoria, senza effetti speciali o suoni. Inoltre dovette creare una composizione che rendesse simpatico un essere all’apparenza brutto come E.T. Altre difficoltà si ebbero nel far aderire la musica alla lunga sequenza finale: Spielberg permise al compositore di scriverla come meglio credeva e solo in seguito, a registrazione avvenuta, rimontò le scene, in modo che combaciassero con la musica. In tale sequenza si trovano parecchi tratti di adattamento di zoom al crescendo musicale, ma non solo: diminuendi e crescendi sulle panoramiche della macchina da presa, montaggio ritmico, fino all’ultima inquadratura del film che termina con un lento zoom sul viso del protagonista accompagnato dal crescendo orchestrale, rallentato dalle precise note dei timpani. Tale celebre sequenza inizia con un movimento rapido di note ai legni,
in un tempo molto mosso, a sottolineare il moto energico delle biciclette dei ragazzi protagonisti del film:
J. Williams, Adventures on Earth da E.T. L’extra-terrestre (E.T. the Extra-Terrestrial, Steven Spielberg, 1982), batt. 1-6.
Su questo disegno di legni accompagnati dagli archi si inseriscono le trombe con un tema squillante ed eroico proseguendo fino all’impiego di tutta la sezione ottoni con grandi sonorità come nel passo seguente:
J. Williams, Adventures on Earth da E.T. L’extra-terrestre, batt. 43-47.
L’orchestra continua ad andare avanti fino all’esposizione, ad organico pieno, del tema principale del film, che qui si ripresenta arricchito di archi ed ottoni:
CAPITOLO 3: IL MONTAGGIO RITMICO
Il montaggio non si riduce ad una banale operazione di “taglia e incolla”, ma, soprattutto in sequenze musicali, svolge la funzione di riunificare musica e immagini in un flusso audiovisivo compatto, coinvolgente, in grado di contagiare lo spettatore, rendendolo partecipe emotivamente. Il montaggio costituisce l’arma segreta soprattutto dei videoclip, ciò accade perché queste forme brevi hanno rielaborato alcune istanze che affondano le radici nelle avanguardie del secolo scorso, attualizzandole grazie alle moderne tecnologie del digitale nella post-produzione. Le origini del montaggio affondano sulle riflessioni fatte tra l’unione di suoni e immagini, l’autore che più d’ogni altro ha studiato l’interazione audiovisiva è stato Sergej Ejzenstejn. Nel 1937 il cineasta russo dedica al montaggio un’opera fondamentale, Teoria generale del montaggio, dove propone di distinguere innanzitutto tra rappresentazione e immagine. Mentre la rappresentazione costituisce un atto semplicemente riproduttivo, l’immagine, configura un procedimento di smontaggio e rimontaggio dei dati reali, creando un’interpretazione personale di quest’ultima. Se l’immagine è un intervento espressivo che rivela la natura creativa della rappresentazione, allora lo scopo dell’arte cinematografica sarà innanzitutto quello di rendere percepibile questo processo immaginativo, dandogli un tempo e una forma.
Il montaggio, quindi, è stato sempre considerato l’elemento specifico del linguaggio cinematografico, la sua quintessenza. Ne esistono diverse forme di montaggio, di cui la più diffusa, conosciuta ed applicata è la formula del découpage classico; ma ad esso si affiancano almeno altri tre modelli: il montaggio connotativo, quello formale ed il montaggio discontinuo. A noi interessa il montaggio connotativo, che è il tipico montaggio ejzenstejniano (che parte dalla nozione fondamentale del montaggio che è “l’effetto Kulesov”, ovvero quell’effetto mediante il quale due inquadrature unite l’una all’altra acquistano un significato diverso, o un senso diverso,
da quello che produrrebbero prese ognuna di per sé): per Ejzenstejn il montaggio produce senso. La riproduzione filmica della realtà fenomenica non è, per Ejzenstejn, un evento particolarmente interessante. Ciò che conta è il senso che riusciamo ad estrarne attraverso una sua interpretazione. Il cinema non deve limitarsi a riprodurre: il cinema deve, innanzitutto, produrre; ed il cinema produce senso. Il mezzo per produrre senso attraverso una interpretazione della realtà è il montaggio, e questa caratteristica peculiare della quintessenza del cinema è presente fin dai primi scritti di Ejzenstejn. Alla base dell’intera concezione ejzenstejniana del montaggio cinematografico c’è il conflitto, la collisione tra due inquadrature che si trovano l’una accanto all’altra. Tali conflitti si possono ottenere non solo nel passaggio da un piano all’altro ma anche all’interno della medesima inquadratura. Come si vedrà in seguito, ci sono diversi tipi di conflitto, che portano Ejzenstejn alla formulazione del suo montaggio “intellettuale”. In questa riflessione il montaggio si configura dunque come l’insieme delle procedure necessarie a qualificare il tempo dell’immaginare. Egli distingue tre diverse modalità del montaggio. Il primo è chiamato compositivo. Visibile compiutamente nelle arti figurative, esso trova realizzazione nel cinema, nella composizione plastica delle singole inquadrature, dove il tempo si fa presente nel percorso dell’occhio dello spettatore. La seconda modalità è il montaggio sequenziale che rende percepibile la scansione delle sequenze marcando l’alternanza degli stacchi tra le inquadrature. La terza modalità è definita da Ejzenstejn montaggio audiovisivo ed è caratterizzata innanzitutto dalla presenza del sonoro, scaturita dall’associazione tra elementi visivi ed elementi sonori. Nel montaggio audiovisivo il rapporto tra suoni immagini non privilegia la dimensione della sequenzialità, ma piuttosto nella simultanea sovrapposizione di due sistemi indipendenti. La teoria di Ejzenstejn ha influenzato le diverse forme di testualità audiovisiva, avviando una sperimentazione videoartistica che va oltre i tradizionali canoni cinematografici. È su questa prospettiva che si fondano le soluzioni ritmiche delle forme brevi di comunicazione
contemporanee, in particolare dei videoclip. Nei video musicali il sincretismo di suoni e immagini risponde a una logica che in parte si distingue da quella cinematografica. In questi micro - testi audiovisivi non c’è quasi mai una narrazione sostenuta dal dialogo e la musica costituisce una componente autonoma poiché è sempre preesistente rispetto alle immagini. Di conseguenza le sequenze visive sono parzialmente slegate dalla linearità imposta dal suono. Nei videoclip le combinazioni tra suoni e immagini non sono il prodotto di una semplice giustapposizione di sostanze differenti, ma l’effetto di una sincresi, termine che esprime la saldatura inevitabile e spontanea che si realizza tra un fenomeno visivo e uno sonoro. In una sequenza audiovisiva i punti in cui si realizza compitamente l’unione tra elementi sonori e visivi sono definiti punti di sincronizzazione. Nei videoclip esiste un rapporto elementare tra colonna audio e colonna video che si riduce alla presenza puntuale di punti di sincronizzazione in cui l’immagine interviene a “mimare” la produzione del suono. Il montaggio quindi sarà fatto non sulle immagini ma sulla musica. Questa costituisce il punto di partenza e di arrivo di un video musicale. I punti di sincronizzazione iscrivono nel testo audiovisivo dei punti di forza, suscitando nello spettatore una specifica disposizione percettiva in cui lo sguardo e la vista si influenzano reciprocamente e contribuiscono a trasformarsi. Nei videoclip un punto di sincronizzazione diffuso è costituito dai raccordi a stacco del suono e dell’immagine. In cui il ritmo frenetico imposto alle immagini dei numerosi tagli di montaggio, e si aggancia, rilanciandolo, al ritmo dei brani musicali e ai gesti dei performer. Tra le figure della sincronizzazione audiovisiva è possibile individuare innanzitutto quelle fondate sulla manipolazione della sostanza visiva, realizzate prevalentemente nella fase di post-produzione. Uno dei primi espedienti visivi utilizzato nei videoclip per marcare il ritmo del brano musicale è stato l’alternanza tra il bianco e nero e il colore. Un altro tipo di manipolazione dell’immagine molto frequente nella realizzazione della sincresi audiovisiva è lo sfocato, che si rivela uno strumento efficace di
valorizzazione del suono. Nei video l’uso dello sfocato si combina con un altro tipo di manipolazione che interviene sulla sostanza visiva che consiste nell’intervenire sulla grana delle immagini, alternando alta e bassa definizione. Un intervento estremo di manipolazione delle immagini è il morphing. Il morphing è un effetto digitale che consiste nella trasformazione fluida tra immagini diverse, questo permette di tradurre in modo efficace la definizione del suono e la sua durata. Questi tipi di manipolazione agiscono sulle immagini. Esistono tutta una serie di interventi che mirano a saldare il legame tra suono e immagini manipolando il tempo visivo. Tra questi gli effetti di velocizzazione o ralenti che intervengono direttamente sulla dimensione ritmica del brano musicale. Due interventi ampiamente utilizzati nella costruzione del ritmo audiovisivo sono il congelamento dell’immagine (freeze - frame), accurato effetto di sincronizzazione che consiste nel bloccare temporaneamente il movimento della macchina da presa per marcare una pausa efficace nel flusso sonoro. Il risultato di quest’intervento saranno una serie di fotogrammi che giustapposti l’uno dopo l’altro restituiscono l’effetto di movimento “a scatti”. L’altra tecnica è il frazionamento dello schermo in quadri (split screen) che permette di modulare in modo flessibile i tempi di ingresso delle immagini sui suoni. Una figura rappresentativa del ritmo audiovisivo è il loop. Il Loop è la ripetizione della stessa sequenza di immagini utilizzata soprattutto per i video realizzati per la musica dance in cui le ritmiche generate dagli strumenti elettronici sono caratterizzate dalle ripetizioni ossessive di poche battute. Nella costruzione del ritmo audiovisivo infine svolgono un ruolo importante le figure di avvicinamento, come gli stacchi sull’asse e gli zoom.
Il montaggio ritmico (quello, quindi, basato sull’andamento regolare dei cambi di inquadratura e sugli accenti della musica) è stato frequentemente impiegato per descrivere alcuni momenti all’interno del film dove la musica ricompre un ruolo particolarmente importante. In Troy (id., Wolfgang Petersen, 2004) abbiamo un valido esempio di sincrono tra azioni di combattimento ed
accenti orchestrali. Ovviamente, a questo punto, entra in ballo il discorso sull’inquadratura: detto in modo semplicistico, le inquadrature – incollate l’una all’altra – formano il montaggio. Con un parallelo tra il cinema contemporaneo di Wolfgang Petersen e la teoria di Ejzenstejn, possiamo arrivare a specificare cos’è che caratterizza il montaggio e, di conseguenza, anche l’inquadratura: il conflitto, la collisione. Il montaggio è sempre conflitto e l’inquadratura è una cellula di montaggio. La concatenazione di pezzi-inquadrature (come se fossero “mattoncini” secondo la teoria di Kulesov e Pudovkin) è un caso parziale per cui i mattoni posti l’uno accanto all’altro espongono un pensiero. Ejzenstejn contrappone il suo punto di vista sul montaggio come collisione: il luogo deve vengono a collisione due dati è il luogo in cui si produce un pensiero (e quel luogo è il montaggio). Quindi occorre esaminare l’inquadratura dal punto di vista del conflitto. Ejzenstejn propone un confronto per chiarire il concetto: come avviene nella musica, anche nel cinema può esserci contrappunto, ossia l’arte di disporre note diverse insieme, legate in più linee di esecuzione simultanea. Tutto ciò, nel testo filmico, porta quindi ad un importante principio generale del conflitto: il principio del contrappunto ottico. Ejzenstejn ci ricorda che il fenomeno del movimento al cinema consiste nel fatto che due immagini immobili di un corpo in movimento, succedendosi l’un l’altra, si fondono in un movimento quando vengono mostrate secondo una certa velocità di successione (fenomeno PHI o di permanenza ottica dell’immagine). Questa definizione volgare di ciò che accade – la fusione, appunto – ha portato ad una definizione volgare del montaggio, secondo il regista russo. Due immagini mobili, poste l’una accanto all’altra, producono un’illusione di movimento. Ma sulla pellicola sono disposte in modo successivo l’una all’altra: nel nostro cervello, invece, esse vengono ordinate l’una sopra all’altra, proprio grazie al fenomeno di permanenza ottica dell’immagine. Tutto nasce dalla non- corrispondenza tra la prima immagine impressa nella retina e la seconda immagine percepita: il conflitto tra le due fa nascere la sensazione di movimento. Lo stesso avviene in una singola
inquadratura: in cosa consiste l’effetto dinamico in una inquadratura? Ejzenstejn afferma che l’occhio segue la direzione di un elemento. Ne conserva un’impressione visiva che poi si scontra con l’impressione derivata dal seguire la direzione di un altro elemento. Il conflitto tra i due forma un effetto dinamico nella percezione dell’Intero.
Questa lunga sintesi teorica è necessaria per arrivare a definire l’impiego del montaggio ritmico e, di conseguenza, anche di quello tonale. Nel montaggio ritmico ciò che conta è da considerarsi il contenuto interno dell’inquadratura, che definisce la lunghezza dei pezzi. La tensione formale di accelerazione si ottiene scorciando i pezzi non solo secondo la formula dello schema principale ma anche violando questo principio. Un esempio viene da La corazzata Potëmkin (Bronenosec Potëmkin, Sergej Ejzenstejn, 1925) nella scena della scalinata di Odessa: il tamburo “ritmico” dei piedi dei soldati che scendono è una perfetta violazione della norma metrica della sequenza; esso non coincide mai con gli intervalli prescritti dal metro, ed ogni volta appare in una diversa soluzione d’inquadratura. Il punto più alto della tensione si ottiene tramite una “conversione” del ritmo dei passi dei soldati che scendono la scalinata: la carrozzina che ruzzola giù per i gradini. Qui la carrozzina, in rapporto ai piedi, funge da acceleratore: la discesa dei piedi si converte nel ruzzolone della carrozzina.
Il montaggio tonale, invece, è lo stadio successivo rispetto al montaggio ritmico. Nel montaggio ritmico il movimento interno all’inquadratura era inteso nel senso dell’effettivo spostamento materiale (dell’oggetto nell’inquadratura o dell’occhio in movimento lungo le linee dell’oggetto immobile); ora, invece, nel montaggio tonale intendiamo il movimento in un’accezione più ampia: comprende tutti i tipi di vibrazione che il pezzo sprigiona. Ed il montaggio si pone sotto il segno della “sonorità emotiva” del pezzo stesso della sua “sonorità dominante”. È necessario, dice Ejzenstejn, che sia colto il tono generale del pezzo. Come si vede, dunque, questo tipo di montaggio si basa sulla risonanza emotiva dominante del
pezzo; un esempio potrebbe essere la sequenza della nebbia nel porto di Odessa (che precede la scena del lutto per la morte di Vakulincuk nel Potemkin): qui il montaggio è costruito esclusivamente sulla risonanza emotiva dei singoli pezzi, e cioè indipendentemente dal movimento inteso come spostamento spaziale.
Come esempio grafico, infine, possiamo prendere una sequenza di montaggio ritmico del cinema hollywoodiano contemporaneo, contenuta in La tempesta perfetta (The Perfect Storm, Wolfgang Petersen, 2000): si notano chiaramente gli accenti musicali che, in proiezione, costituiscono un ottimo sincrono tra sequenze d’azione e soluzioni orchestrali:
J. Horner, Yours Forever da La tempesta perfetta (The Perfect Storm, Wolfgang Petersen, 2000), batt.
1-6.
CAPITOLO 4: I MODELLI HOLLYWOODIANI E LA LORO INFLUENZA IN ITALIA
Le soluzioni sinfoniche introdotte da compositori del cinema hollywoodiano come John Williams, James Horner o Danny Elfman hanno avuto, logicamente, un’efficacissima influenza anche sullo stile di musicisti cinematografici europei ed italiano in particolare. Gli esempi principali si possono riassumere nel parallelo che c’è tra il pensiero sinfonico di John Williams con lo sperimentalismo timbrico di Ennio Morricone, nelle atmosfere intimiste di James Horner sfruttate principalmente da Ron Howard che si ritrovano in Marco Frisina o nella semplicità melodica e armonica di Rachel Portman che ha influenzato Nicola Piovani.
Sarebbe troppo semplice, ad ogni modo, limitarsi alla colonna sonora di Guerre stellari (Star Wars, George Lucas, 1977) come esempio principale del concetto musicale del cinema hollywoodiano contemporaneo: occorre invece pensare a questo modello oltre se stesso, immaginare una storia fuori canone che possa a buon diritto rientrare in esso, quale tessera di un mosaico che si definisce poco a poco e che forse non troverà mai una sua definitiva completezza, capolavoro in fieri quant’altri mai. Non si può affatto pensare Guerre stellari senza un universo musicale parallelo, e anche altri film, ispirati o meno che siano ad opere letterarie, hanno il loro mondo musicale. Se infatti riflettiamo sui legami che vengono ad instaurarsi tra musica ed immagine da una parte, e tra musica e parola scritta dall’altra, ci accorgiamo che gli esiti possono risultare sensibilmente dissimili, in quanto viene a mutare la fonte prima d’ispirazione. Nel caso della composizione a commento di un’azione drammatica, sia essa cinematografica o teatrale, il compositore è legato direttamente allo svolgimento degli eventi scenici ed è inevitabile che il discorso musicale assolva una funzione principalmente imitativa, assumendo l’aspetto di un dramma senza parole, in cui l’icasticità delle frasi sonore ripete la gestualità dell’evento rappresentato sul palcoscenico oppure sullo schermo. La funzionalità imitativa, dunque,
innanzitutto per la musica lirica, di balletto, per la colonna sonora sinfonica, per le musiche di scena di un’opera in prosa. Ma quale mimesis può esistere nella composizione a commento della pagina scritta? La risposta è: nessuna. Nessuna, dal momento che il suo autore illustra certamente una scena narrata, ma descrive non ciò che oggettivamente è scritto, bensì quanto egli soggettivamente ha letto. Sta tutta qui la differenza tra qualsiasi composizione musicale e il cosiddetto “poema sinfonico”, che è libera rielaborazione di emozioni ed immagini suggerite dalla parola, ma filtrate dall'interiorità e dalla sensibilità del fruitore dell’opera letteraria. Valga, a titolo esemplificativo, il caso di Cajkovskij, che reinterpreta in modo personale sia il Canto V dell’Inferno dantesco nel poema sinfonico Francesca da Rimini sia i drammi shakespeariani Amleto e La Tempesta senza attenersi minimamente all’andamento logico-narrativo delle opere musicalmente descritte. Il risultato ottenuto assume la vaghezza delle libere associazioni mentali che, gravitando attorno al tema svolto, ne propongono le atmosfere senza però vincolarsi ad un preciso contesto, alla funzionalità imitativa di cui dicevamo sopra.
John Williams, con le sue innovazioni musicali derivate dal sinfonismo tardoromantico classico, ha aperto le porte a possibilità ricche di sviluppi forse mai tentate prima di allora. Siamo stati abituati a vedere legato il nome di Williams all’universo di Guerre stellari e pochi hanno immaginato che qualche altro musicista potesse ottenere risultati altrettanto eccellenti, pur seguendo vie diverse, nella rinarrazione musicale di personaggi, cose ed avvenimenti rappresentati. Eppure l’impensabile si è avverato ed ora noi possediamo un meraviglioso poema sinfonico (ma non una vera e propria musica di scena, per le ragioni che abbiamo appena esposto) che può a tutti gli effetti venir considerato un suggerimento di musica diversa da Guerre stellari, un’alternativa al linguaggio williamsiano, una proposta di reinterpretazione dell’idea musicale che sta alla base della Saga e questo mediante le collaborazioni con i differenti registi che hanno scelto Williams per la musica dei loro film ma anche per i musicisti che si sono lasciati
influenzare dalla sua opera. È noto infatti che Williams ha adottato la tecnica wagneriana dei motivi ricorrenti per creare un tessuto sonoro assolutamente parallelo all’azione scenica, mai asservito a questa e mai preponderante, bensì suo esatto complemento. Personaggi e situazioni sono rispettivamente rappresentati o illustrati da una melodia o da un semplice accordo che, nell'arco della composizione, ritorneranno adeguatamente trasformati, eppure sempre (o quasi sempre) riconoscibili a seconda del contesto: l’arcaica nobiltà del Tema della Forza, ad esempio - motivo tra l'altro associato anche alla Spada, al vecchio Obi-Wan, ai Cavalieri Jedi - risuonerà ora colma di pathos, ora sommessamente discreta, ora spiccatamente eroica quando le esigenze sceniche lo richiederanno. È chiaro dunque che per attenersi ad un simile progetto musicale è necessario disporre di una tecnica compositiva delle più raffinate, oltreché di una genialità che solo a pochi è dato possedere. Wagner era riuscito nell’esperimento, lui prima di molti altri. John Williams ha ripercorso la strada dell’autore dell'Anello, perché essa offriva la possibilità di infondere l'esatto afflato epico ad una saga che della Tetralogia wagneriana è discendente diretta. E ha compiuto un lavoro impressionante, sebbene lontano dalla monolitica compattezza wagneriana. L’impiego dell’universo del leit-motiv è infatti meno denso e meno capillare nell'autore statunitense, rispetto il musicista tedesco. La duttilità melodico-armonica delle singole cellule tematiche non viene spinta da Williams al limite delle possibilità e ben di rado un motivo ricorrente che appartiene a Guerre stellari apparirà distorto ed irriconoscibile come spesso invece accade nell’Anello. Con questo, sia chiaro, non si intende affatto diminuire l’opera di Williams, confinandola nella troppo facile ghettizzazione in cui snobisticamente si tendono a relegare gli autori di musica per film. Williams è un grandissimo compositore e ha infuso la propria personalità negli impasti sonori della Trilogia proprio come Wagner aveva fatto con quelli del suo Anello. I risultati sono simili pur nella loro diversità, e così doveva, deve essere: se infatti Williams avesse adottato in toto i criteri compositivi del tedesco, non avrebbe fatto altro che
replicare in modo piattamente banale uno schema predefinito.
Questa lunga digressione per far comprendere quali siano le reali possibilità che si presentano ad un musicista che voglia ipoteticamente affrontare una riscrittura della musica di Guerre stellari. Le vie sono due: tentare la strada tracciata da Wagner - ma dopo Williams sussiste il rischio che gli esiti sfocino nel manierismo, a meno che il compositore non affronti l'ostacolo con piena consapevolezza tecnica ed artistica; oppure rovesciare completamente la concezione musicale adottata da ventitré anni a questa parte, dimenticando - e superando - il wagnerismo, tralasciando ogni intento narrativo nella costruzione del testo musicale.
Nel 1996 si riaccese in modo particolare l’interesse per l’universo di Guerre Stellari da parte dei fan grazie al il progetto multimediale L’ombra dell’Impero (Shadows of the Empire), ambientato tra L’Impero colpisce ancora e Il ritorno del Jedi e composto dall’omonimo romanzo di Steve Perry, un videogioco, una serie a fumetti e una colonna sonora composta da Joel McNeely. Questi, dovendo scrivere un poema sinfonico tratto da un romanzo come Shadows - dunque da un lavoro collaterale all’Esalogia -, ha optato per questa seconda via, con risultati davvero sorprendenti. Non solo: ha dimenticato persino il romanticismo tedesco per muovere da stilemi russi dell'Otto e del Novecento. È vero, tuttavia, che anche in Williams c’è molto Prokofiev e soprattutto Shostakovich (in particolare nell’impiego dei fiati), ma in McNeely le ascendenze risultano molto più palesi, più esplorate e più dettagliatamente analizzate. Mentre Williams è un eclettico che opera un grandioso lavoro di sintesi, attingendo a questa o a quella scuola, McNeely è più spiccatamente riconoscibile nelle dichiararsi erede di Prokofiev, più omogeneo nel dosaggio delle masse sonore, sebbene meno ardito nelle scelte d'orchestrazione.
Quella di McNeely, a conti fatti, si è rivelata la scelta migliore perché, proprio come Shadows è un episodio non esalogico, così la composizione ad esso ispirata rimanda all'universo musicale della Saga soltanto in virtù di rari temi (Darth Vader, Forza, Amore) utilizzati come semplici
richiami al mondo mitico starwarsiano e non già come reali coprotagonisti dell'evento scenico. La proporzione è dunque la seguente: Shadows non sta all’esalogica come la musica di Shadows non sta al wagnerismo esalogico. Uno degli elementi maggiormente innovativi introdotti da McNeely è l'impiego del coro, che aumenta la drammaticità del discorso musicale. Williams avrebbe tentato il medesimo percorso con EpI, dagli esiti ben noti: l'incomparabile corale Duel of Fates. Ma McNeely si spinge oltre, creando un brano conclusivo che innanzitutto è narrazione dentro la narrazione e che costituisce il culmine della partitura di Shadows. McNeely non trova dunque il suo punto di forza nell'impiego del leit-motiv, bensì in quello delle atmosfere esotiche suggerite dalle scale pentafoniche e soprattutto dall'impiego di ritmi di danza che Williams non considera, quali il walzer e la tarantella, e che infondono un'atmosfera desueta all'universo musicale starwarsiano, tanto operistico e così poco coreutico. Quali sono, dunque, le proposte musicali di McNeely per Shadows? Lungi dallo stilare una guida all'ascolto, sottolineiamo piuttosto gli elementi rilevanti dei brani, evidenziando in particolar modo le impronte dei compositori di cui McNeely è erede. Ci soffermeremo ampiamente, invece, sul finale - La distruzione del palazzo di Xizor - che è il pezzo più significativo dell’intera partitura. Il primo brano, posto a mo' di introduzione, riprende l'incipit williamsiano del tema di Luke, e cita gran parte della scena della camera di congelamento in Empire: siamo infatti al momento del sogno di Leia, la quale rivive il momento del distacco da Han, descritto da ampie citazioni del motivo dell’Amore. Quasi senza soluzione di continuità, siamo introdotti alla Battaglia di Gall, che dal punto di vista stilistico e tecnico molto ancora deve a Williams: si ascoltino i tamburi militari, la frase in fugato che rimanda alle scene di Hoth. Poi, però, McNeely abbandona la strada tracciata dal collega, doverosamente percorsa dovendo lavorare su una materia preesistente, e afferma la propria fisionomia di compositore autonomo, dotato d'un linguaggio suo proprio. Questa caratteristica traspare dal brano dedicato ad Imperial
City, introdotto da sonorità che rimandano ai Pini di Roma di Respighi e in genere alla scuola italiana del primo Novecento. Un coro femminile si leva su una melodia pentafonica, seguito da una frase scultorea intonata dagli ottoni e sottolineata dal coro misto. Chiudono il brano una sezione cantabile e la ripresa della melodia iniziale in pianissimo. È un brano da concerto, con una sua struttura precisa (ABA), e soprattutto un poema sinfonico alla maniera romantica, in quanto descrive un luogo e le suggestioni da esso suscitate nell’animo del compositore. Si pensi a certi lavori di Smetana (il ciclo Má Vlast [La mia patria], composto tra il 1874 e il 1879, di cui fa parte il celeberrimo Vltava [Moldava]) o di Sibelius (Finlandia, 1899). Per la disavventura di Luke a Beggar’s Canyon, il compositore ricorre allo scherzo, con la felice trovata di un ritmo di tarantella, mentre la descrizione dei sotterranei della città è introdotta da una frase che cita alla lettera un tema di Romeo e Giulietta di Prokofiev (1936). Complessa e significativa è la proposta sonora per il principe Xizor: e più che un semplice tema essa si pone come un ritratto musicale dettagliato. Introdotto da sibili che richiamano il serpente a sonagli - non dimentichiamo che il principe è un alieno dai tratti di rettile - il brano è per lo più all'insegna di Stravinsky (La sagra della primavera, del 1913), mentre il magnifico inserto corale, ricco di pathos drammatico, deriva da certe atmosfere dell'opera russa. Subentra infine una sezione sottolineata da percussioni (tam tam in particolar modo) in cui si inserisce una frase orientaleggiante che non può non ricordare Schelomo di Ernst Bloch (1916). La seduzione di Leia da parte del principe è condotta sulle note di un walzer “alla Prokofiev”, dal tessuto melodico-armonico assai simile a quello del walzer di Cenerentola (1945). Questo ritmo di danza dal tempo ternario, in origine considerato “sconveniente” dalla società perbenista del primo Ottocento, ben suggerisce l’idea di smarrimento turbinoso che coglie Leia in presenza dell'alieno: la danza, dunque, come espressione dell'irrazionalità, poiché dove cessa la parola inizia il movimento. Tuttavia, tra tutti questi brani pur notevoli dal punto di vista artistico e
tecnico, spicca il finale, cui facevamo cenno poc’anzi. Si tratta di uno sfolgorante omaggio all’Aleksandr Nevsky (1938) di Eisenstein/Prokofiev, un film che, supportato da una colonna sonora che è limitativo definire tale, rappresenta uno dei capisaldi della cinematografia di tutti i tempi. Prima di passare alla trattazione del finale di Shadows, è necessario introdurre il capolavoro del cineasta russo onde creare la base su cui condurre il nostro discorso. La vicenda, ambientata nella Russia del XIII secolo, narra del principe Aleksandr il quale, già distintosi nella guerra contro gli svedesi, si trova a dover affrontare l'invasione dei Cavalieri Teutonici. Egli arruola un vasto esercito popolare e con esso affronta i nemici sul lago ghiacciato Peipus, presso Novgorod. I russi, armati alla leggera, sarebbero teoricamente svantaggiati rispetto gli invasori che, invece, indossano pesanti armature sotto tuniche bianche: ma ciò che per questi ultimi dovrebbe rappresentare un punto di forza, un mezzo sicuro di vittoria, si ritorce contro di loro. Il ghiaccio, infatti, si spezza e i teutoni affogano assieme ai propri cavalli.
Non ci soffermeremo, poiché non è questa la sede, sulla perfezione estetica della pellicola; sull’equilibrio tra il tempo dell'immagine e il tempo musicale; sulla contrapposizione iconografica tra le due forze nemiche, giocata tutta sull’evidente semplicità dei russi e sull'algida, spietata efficienza dei cavalieri invasori. Ci basterà dire che tutto il film, inscindibile dalla meravigliosa musica di scena, è una preparazione alla scena madre, quella della battaglia. In questo caso si può dire che Prokofiev superi se stesso. Il brano inizia in pianissimo, mentre noi vediamo stagliarsi contro un cielo nordico due guerrieri su un picco roccioso. Si attendono i nemici, l'atmosfera è tesa. All'improvviso, essi appaiono all'orizzonte e il loro avanzare è descritto da effetti musicali insoliti: gli archi suonano accanto al ponticello, ottenendo delle sonorità stridenti; un ritmo staccato che riproduce il rumore dei carri armati, perché, paradossalmente, tali sono gli invasori e i loro cavalli dalle gualdrappe di stoffa e metallo. Le forze nemiche in conflitto sono descritte musicalmente dal corale dei teutoni (Peregrinus
expectavi, pedes meos in cymbalis), il quale interagisce con le melodie popolari russe (e qui non si può non rilevare quanto lo stesso Williams, nelle sue pagine di battaglia, debba alla lezione di Prokofiev, soprattutto nell'uso degli ottoni). Al momento della rottura del ghiaccio, un grandioso affresco sonoro sottolinea la tragicità degli eventi, prima che l’orchestra concluda il brano in pianissimo. Una musica potentemente descrittiva, dunque, che di per sé gode di vita autonoma anche al di là del fatto scenico: un vero poema sinfonico. McNeely parte dallo stesso assunto, per il gran finale di Shadows: uno scontro tra i protagonisti della vicenda; la soluzione del conflitto tra Xizor e Vader, certo. Ma anche e soprattutto, quale metanarrazione, l’esposizione di un poema in lingua aliena, intonato dal coro. Di che cosa si tratta? Se leggiamo le note riportate nel libretto allegato al disco, scopriamo di essere in presenza di una singolare finzione letteraria che adombra il finale del Nevskij. Il coro intona i versi in lingua aliena di un poema epico, Dha Werda Verda, vecchio di migliaia di anni, conservato nel cristallo delle Roonstones e scoperto dal mercante ed esploratore Mungo Baobab. Esso narra di un’epica lotta tra i guerrieri Taungs e l'Esercito di Zhell, il cui scontro finale viene deciso da una formidabile eruzione vulcanica che non soltanto distrugge gli Zhell, ma che proietta nel cielo una cortina di polveri destinata ad oscurare per due anni le terre dei Taungs. Questi saranno ricordati come i “Dha Werda Verda”, i Guerrieri dell'Ombra, e sul luogo della battaglia sorgerà, migliaia di anni dopo, Imperial City. Dal punto di vista della struttura narrativa, i due brani a confronto suggeriscono le seguenti similarità: Da tener presente, quindi, che il finale di Shadows narra contemporaneamente due situazioni sovrapposte: il destino di Xizor e il tramonto del suo potere, nonché la vicenda dei due popoli guerrieri, argomento del poema epico. Dal punto di vista della struttura musicale, notiamo che entrambi i lavori si aprono su una sezione in pianissimo, con la presenza del coro nel brano starwarsiano, seguita da un episodio dal ritmo staccato che conduce al grande pieno orchestrale. Sia in Nevskij che in Shadows ascoltiamo degli interventi corali nella sezione centrale, poco
prima della vasta sezione conclusiva che, al pari di una ventata liberatoria, chiude le due pagine in modo trionfale. McNeely non poteva lavorare meglio su un progetto ambizioso e certamente non facile come quello di Shadows. Possiamo dire che la sua partitura è un capolavoro assoluto tanto quanto la musica di scena per la Trilogia (siamo in attesa di ascoltare l’Esalogia completa), soprattutto perché redatto, come dicevamo all'inizio di questo saggio, con un linguaggio autonomo ed originale. Ci auguriamo che possa essere pubblicato nuovamente, dopo l’ormai esaurita edizione di Varèse Sarabande, e che possa entrare a buon diritto nel repertorio concertistico delle grandi orchestre, proprio come le pagine williamsiane. Prova, quest’ultima, che Guerre stellari è entrato a tutti gli effetti nell’Olimpo dei classici.
SECONDA PARTE
Esempi rilevanti di uso di tutti gli strumenti dell’orchestra in determinate sequenze
CAPITOLO 5: LEGNI
1. Flauto.
Ognuno dei legni ha un proprio suono caratteristico, che lo rende insostituibile nel presentare un certo materiale melodico. In questo ruolo ogni strumento mostra una particolare personalità che, insieme ad ogni segmento della sua estensione, è diventata uno stereotipo per molti compositori cinematografici.
Il flauto è l’unico dei legni dotato di un’eccezionale agilità e prontezza quasi tale da associarlo al violino e, anche se tutti gli altri strumenti della sezione hanno sviluppato notevole tecnica, nessuno riesce ad eguagliarlo. Il flauto traverso è, oggi, lo strumento più utilizzato in orchestra, anche se nella musica cinematografica non mancano caratteristici impieghi degli altri tipi di flauti come il flauto dolce o diritto che è stato il flauto in uso in Occidente dal Medioevo fino alla metà del 1700. Strumento dal timbro molto espressivo, anche se piuttosto uniforme, è stato molto usato nel cinema, specie italiano, per sottolineare vicende intimiste o rurali, in particolar modo da Ennio Morricone (come nei titoli di testa di Il prato di Paolo e Vittorio Taviani del 1979 o in Il ladrone di Pasquale Festa Campanile del 1980) e da Nicola Piovani. Quest’ultimo ne ha fatto una delle sue cifre stilistiche, impiegandolo in molte delle sue musiche cinematografiche e teatrali come in La vita è bella (Roberto Benigni, 1997).
Il whistle, detto anche tin whistle o pennywhistle, è un flauto a fischietto usato nella musica popolare irlandese e delle isole britanniche e appartiene alla stessa famiglia del flauto dolce. Per il suo suono chiaro e pulito e il virtuosismo simile a quello del flauto traverso, il whistle ha influenzato diversi compositori che lo hanno utilizzato, con efficaci risultati, principalmente per film che hanno un collegamento con l’Irlanda e i suoi dintorni. Esempi importanti si trovano ad opera di James Horner in Titanic (id., James Cameron, 1998), dove è impiegato frequentemente
anche nella canzone ivi contenuta, My Heart Will Go On, e in Braveheart (id., Mel Gibson, 1995). John Williams lo usa dichiaratamente in Cuori ribelli (Far and Away, Ron Howard, 1992) per mantenere durante tutto il film un continuo riferimento all’Irlanda:
J. Williams, The Fighting Donelly’s da Cuori ribelli (Ron Howard, 1992), batt. 35-42.
Citiamo in queste sede anche il flauto di Pan, detto anche siringa, è un tipo particolare di flauto, costituito da più canne, il cui numero può variare da tre a nove, di lunghezza decrescente, legate o incollate tra loro in modo che le imboccature siano a pari livello e intonate secondo una scala. È un tipico strumento della musica greca, asiatica e sudamericana, il suo timbro è inconfondibile ed evoca in modo suggestivo la natura selvaggia, adattandosi bene a descrivere atmosfere di mistero. Proprio per questo Ennio Morricone ne ha fatto un uso magistrale nel brano Cockeye’s Song all’interno di C’era una volta in America (Once Upon a Time in America, Sergio Leone, 1984), interpretata da Gheorghe Zamfir, uno dei più grandi esecutori viventi di flauto di Pan. Nessun altro strumento avrebbe potuto immergere lo spettatore in una situazione di tensione già dall’attacco di quattro note del tema:
E. Morricone, Cockeye’s Song da C’era una volta in America (Sergio Leone, 1984), batt. 1-4.
Tornando però al flauto traverso, è fondamentale notare che il suo timbro cambia decisamente a seconda del registro. In quello grave che abbraccia la prima ottava (qualche flauto riesce a
scendere anche al si sotto il do indicato nell’estensione, ma si tratta di suoni difficili da intonare), il timbro è caldo e misterioso, molto sfruttata dai compositori moderni come Respighi e Pizzetti. Man mano che si sale verso la seconda ottava (registro medio) e la terza (registro acuto), il timbro si fa sempre più chiaro e trasparente.
Data la sua agilità, il flauto trova molto spazio nel cinema. Dal legato agli effetti comici e ironici dello staccato e del trillo usati nei cartoni animati (Tom and Jerry in primo luogo), alle scale, agli arpeggi, alle note ribattute, il flauto può addirittura raggiungere quasi l’agilità del violino. Diamo di seguito alcuni semplici esempi di uso di determinati effetti del flauto nel cinema contemporaneo.
Il legato, specie nel registro acuto, può avere una grande contabilità, ideale per l’esposizione dei temi:
J. Williams, Princess Leia’s Theme da Guerre stellari (Star Wars, George Lucas, 1977), batt. 1-2.
Ecco un esempio di staccato e tremolo che il virtuosismo dello strumento può affrontare senza particolari problemi.
J. Williams, Harry’s Wondrous World da Harry Potter e la pietra filosofale (Harry Potter and the Sorcerer’s Stone, Chris Columbus, 2001), batt. 54-56.
Uso caratteristico delle note ribattute in un tempo di marcia:
J. Williams, The Imperial March da L’impero colpisce ancora (The Empire Strikes Back, Irvin Kershner, 1980), batt. 21-22.
L’ottavino, detto piccolo nella terminologia anglosassone, è un flauto traverso di dimensioni ridotte. La sua tessitura corrisponde a quella del flauto all’ottava superiore ed è lo strumento più acuto dell’orchestra. Può essere considerato strumento traspositore, in quanto l’effetto dei suoni risulta un’ottava sopra delle note scritte. La sua estensione è la seguente:
Effetto:
Il miglior timbro si ottiene utilizzando i registri medio e acuto, in quanto il grave risulta debole ed è fortemente consigliato sostituirlo con il flauto, molto più deciso. Gli altri due registri, invece, sono brillanti e, in alcuni contesti, le note dell’ultima ottava, specie se rapide, possono essere di sonorità particolarmente penetrante e violenta. Come il flauto è strumento di grande agilità e virtuosismo e come esso ha la stessa meccanica che gli consente di realizzare trilli, tremoli ed effetti di legato e staccato.
Nel cinema viene usato principalmente per effetti colorati e vivaci, per situazioni comiche o energiche e soprattutto nell’effetto della cosiddetta volata, la rapida esecuzione di un gruppo di note in scala, unito ai flauti, di cui molto spesso raddoppia le note all’ottava superiore. In quest’ultimo caso basta notare il frequente uso che ne fa John Williams, in particolare nelle sue composizioni dal carattere di marcia, come ornamento ritmico. Tali volate possono essere sia ad intervalli di ottave fra ottavino e flauto che all’unisono come nei seguenti esempi:
J. Williams, Raiders March da I predatori dell’arca perduta (Raiders of the Lost Ark, Steven Spielberg, 1981), batt. 41-42.
J. Williams, The Flight to Neverland da Hook - Capitan Uncino (Hook, Steven Spielberg, 1991), batt.
21.
2. Oboe.
Inventato nel primo Barocco per sostituire in ambienti chiusi il suono delle trombe, troppo squillante, l’oboe divenne presto, come il flauto, uno degli strumenti solisti indispensabili in orchestra, a cui affidare più le parti cantabili che il virtuosismo tecnico. Molti hanno descritto questo strumento come la primadonna della sezione dei legni, non tanto per una posizione di comando quanto per il fatto che è uno strumento “temperamentale”, ovvero soggetto a cambiamenti di intonazione dovuti a condizioni ambientali e climatiche.
Il timbro di questo strumento è penetrante e un po’ nasale, simile a quello della cornamusa, ma più dolce ed espressivo. Per questo, nella musica da concerto come in quella cinematografica, gli sono quasi sempre state affidate parti di cantabilità malinconica: è ideale per esprimere sentimenti meditativi e seri. Bisogna tener presente che tutte le note comprese tra il si bemolle grave e il mi risultano piuttosto difficili da attaccare e sostenere nel piano: d’altro canto tale registro può essere tranquillamente sostituito con quello del clarinetto, molto più preciso. La migliore sonorità dell’oboe parte dal fa nel primo spazio e arriva al re sopra il rigo. Oltre tale nota il timbro comincia a modificarsi e il suono diventa sempre più povero.
Uno degli esempi migliori di impiego dell’oboe nel cinema è l’esposizione del tema di Anonimo veneziano (Enrico Maria Salerno, 1970), nella cui ambientazione veneziana riflette tutta la sua eredità barocca:
S. Cipriani, Anonimo veneziano dal film omonimo (Enrico Maria Salerno, 1970), batt. 6-13.
Ma l’oboe è adatto anche ad esprimere sentimenti di positività e persino allegria, come i molti passi dei concerti di Albinoni e di Vivaldi. Come già detto, l’oboe non ha mai perso la sua funzione di strumento cantabile; tuttavia, nel campo cinematografico, ha sviluppato in tempi recenti la sua agilità specie nel genere fantasy ad opera di Danny Elfman e John Williams. Quest’ultimo, in alcuni passi dei suoi film, lo tratta allo stesso modo di un flauto o di un clarinetto, spingendolo a raggiungere il loro virtuosismo:
J. Williams, Harry’s Wondrous World da Harry Potter e la pietra filosofale, batt. 150-153.
Il fa sopracuto, come si è detto, rientra nella tessitura in cui i suoni si assottigliano perdendo l’intensità di espressione, ma l’esecuzione è possibile poiché il passo è raddoppiato da flauti e clarinetti che compensano le incertezze di intonazione dei tre oboi e il tempo non è rapidissimo (9/8, poi 12/8, in tempo 116 alla semiminima puntata).
Il legato dell’oboe è di ottimo effetto, specie nei passi cantabili. In quelli rapidi è più comodo il procedimento in volate congiunte mentre risulta complicato lo staccato, più preciso nell’andamento moderato. Per queste ragioni, sia nel legato che nello staccato veloce, è bene che si evitino passi rapidi troppo lunghi.
Analizziamo ora anche i due altri tipi di oboe in uso oggi: il corno inglese e l’oboe d’amore. Il primo è l’oboe contralto, derivato dall’oboe da caccia (usato molto spesso nella musica sacra di Bach) ed intonato una quinta sotto l’oboe ordinario. Il suo timbro è leggermente più velato
rispetto a quello dell’oboe. Il registro grave del primo ha una potenza di suono non indifferente
ed è ottimo per rinforzare o addirittura sostituire il registro grave del secondo, anche se la sua tecnica è meno agile di quella dell’oboe per cui soprattutto lo staccato rapido risulta poco agevole. In sede di orchestrazione cinematografica si tende ad affidare al corno inglese il raddoppio della parte del secondo oboe, come rinforzo, o costituire la nota più grave della triade nella formazione di accordi con i due oboi. Bisogna tener presente inoltre che, per praticità, la parte del corno inglese è spesso affidata in orchestra ad un esecutore specializzato, in quanto il secondo oboista, a cui potrebbe essere preposta anche la parte del corno inglese, preferisce evitare il passaggio fra i due strumenti.
L’oboe d’amore si differenzia dall’oboe ordinario per il timbro più morbido e patetico, ancor di più adatto alle espressioni cantabili e per l’accordatura di una terza minore più bassa. Poiché questo strumento, come il corno inglese, è dotato di una campana a bulbo, le sue note basse risultano piene, scure e belle. Nel registro acuto è piuttosto esile e senza carattere, anche se nella musica classica la sua estensione è stata portata molto in alto (ad es. nella Sinfonia domestica di Richard Strauss). La sua tecnica è la stessa dell’oboe ordinario e il suo uso nel cinema è però limitato e riservato quasi esclusivamente a sottolineare scene delicate e sentimentali.
3. Clarinetto.
Strumento costruito alla fine del XVII secolo, fu presto largamente impiegato in orchestra per la sua capacità di amalgamarsi con gli altri strumenti (sia per intensificare il suono che per conferire ai singoli timbri una particolare colorazione), anche se continuò ad essere perfezionato nella tecnica. Con Mozart e successivamente con Weber, Debussy e Ravel giunse a possedere una vasta letteratura come solista. Né si può dimenticare il ruolo di principale strumento
melodico che ricopre nelle formazioni jazz e nelle bande.
La tecnica, altamente virtuosistica, consente vigorosi glissandi, vibrato notevole e numerosi abbellimenti giocati sul contrasto tra il registro grave e quello acuto.
La sua estensione, nella tonalità di Si bemolle (la più diffusa, anche se ne esistono altri tipi) è la seguente:
Effetto:
Grazie alle grandi doti espressive e tecniche, il clarinetto è presente in vari e, di conseguenza, anche nel cinema. Come nella musica classica, anche in quella cinematografica svolge un ruolo di sostegno agli archi e spesso gli vengono affidate parti soliste. Ecco un esempio di clarinetto solo, espressamente indicato, che si intreccia, nella partitura originale, con le linee di flauti e corno inglese:
J. Williams, Theme From “Schindler’s List” da Schindler’s List (id., Steven Spielberg, 1993), batt. 26- 27.
Il clarinetto è molto usato nelle bande in cui riveste un ruolo paragonabile per importanza a
quello della sezione dei violini in orchestra. Anche nel jazz è utilizzato come strumento solista e deve la sua fama principalmente al genio di Benny Goodman. Data la sua grande versatilità, la tecnica che possiede lo rende ideale anche ad usi di accompagnamento in passi in cui il ritmo richiede una grande precisione. Valga come esempio cinematografico il seguente passaggio di marcia, di chiara derivazione bandistica anche se l’idea di base è qui adattata all’orchestra:
J. Williams, Raiders March da I predatori dell’arca perduta, batt. 107-108.
4. Fagotto e controfagotto.
Da sempre il basso del gruppo dei legni, il fagotto è uno strumento dalle notevoli capacità musicali, in grado di estendersi per tre ottave e mezzo. Utilizzato dal periodo barocco fino ad oggi da compositori come Vivaldi, Mozart, Weber che gli dedicarono concerti, sonate e romanze. Il suo timbro particolare è dato dall'ancia doppia e dalla lunghezza e corposità del legno che lo compone. Molti compositori lo utilizzano in orchestra sia per concerti sinfonici che per opere liriche e addirittura nel jazz e nel rock come l’uso che ne fa Rino Vernizzi in alcune sue composizioni. Il fagotto è l’unico strumento dei legni ad avere configurazioni di strumento basso, quindi resta quasi imprescindibile nella scrittura orchestrale fino alla metà del ’900. Celebri sono i passi della quarta sinfonia di Beethoven, di Pierino e il lupo di Prokof’ev e della Sagra della Primavera di Stravinskij. Altri autori hanno trattato il fagotto come il “clown dell’orchestra” e gli hanno affidato passaggi staccati che suonano realmente un po’ goffi e pieni di humour.
Come strumento solista il fagotto è magnifico in tutti i suoi registri, ma quando è accompagnato tende ad essere assorbito dal suono degli altri strumenti, soprattutto nel registro acuto. La tessitura grave offre un basso solido e nobile all’intera orchestra ed è anche il registro migliore per raddoppiare i violoncelli ed i contrabbassi. In questa combinazione, utilizzata molto frequentemente anche nel cinema, la sezione dei violoncelli predomina ma i fagotti sono particolarmente importanti per dare più corpo al suono. Ecco un tipico esempio di accompagnamento, staccato e uniforme:
R. Portman, Passage of Time da Chocolat (id., Lasse Hallström, 2000), batt. 22-24.
Il controfagotto deriva ovviamente dal fagotto di cui è, in un certo senso, un ampliamento e ne condivide l’intero sistema di chiavi e di posizioni, tanto che a suonare questo strumento sono solitamente i fagottisti. Lo strumento è traspositore d’ottava verso il basso, vale a dire che le note scritte suonano d’effetto un’ottava sotto. La sua estensione costituisce il basso di tutta l’orchestra, insieme alla tuba e ai contrabbassi. Prima degli inizi del ’900, a causa di alcune imperfezioni costruttive, al controfagotto veniva preferito il sarrussofono, pur rimanendo il termine “controfagotto” scritto in partitura, ma dalla fine del XIX secolo in poi il suo posto in orchestra è diventato stabile ed indispensabile. Anche se già Beethoven lo usò mirabilmente nel finale della nona sinfonia, il controfagotto si distingue in orchestra, anche in assolo, in lavori come l’Apprendista stregone di Paul Dukas, dove il suo timbro pigro e cavernoso lo rende inconfondibile. Naturalmente anche nella musica cinematografica non sono mancati diversi
utilizzi, proprio per sfruttare al meglio le sue risorse scure e particolari. Di seguito indichiamo un
esempio di intreccio di fagotti con il controfagotto, che raddoppia nel grave la parte del secondo fagotto per poi costituire un basso fisso mentre i due fagotti, nelle tessiture superiori, suonano altre note marcate:
J. Williams, Hedwig’s Theme da Harry Potter e la pietra filosofale, batt. 151-155.
CAPITOLO 6: OTTONI
1. Corno.
Il corno è uno strumento agile quanto qualsiasi altro membro della famiglia degli ottoni, ed è tanto eccellente come solista quanto efficace nel tenere le note fisse di armonia. Il suo timbro è soffice e profondo e, anche se è più pastoso rispetto a quello della tromba, è abbastanza brillante e potente nel “forte” da riuscire a sovrastare quasi ogni combinazione di strumenti. Grazie al suo suono vellutato, soprattutto nel registro medio, il gruppo dei corni (normalmente in numero di quattro in orchestra sinfonica) è impiegato in maniera frequentissima per accompagnare un solista e sorreggere le armonie. Un particolare effetto del corno è detto chiuso: l’esecutore “chiude” infatti il suono del corno inserendo la mano destra il più internamente possibile nel padiglione, bloccando così parte del suono. Il risultato è un suono ridotto, omogeneo e in una certa misura nasale.
Inizialmente il corno non poteva emettere tutti i suoni: gli unici possibili erano quelli corrispondenti ai suoni armonici che il tubo emetteva variando la pressione dell’aria e la tensione del labbro. In seguito i corni attirarono l’interesse dei compositori come Mozart e Beethoven e furono usati per evocare atmosfere campestri ed immagini di caccia. Con l’introduzione dei pistoni, intorno al 1815, il corno assunse una nuova forma rendendolo completo nella sua estensione.
Nel cinema, un uso particolarmente efficace di accompagnamento virtuosistico lo troviamo ad opera di John Williams in L’impero colpisce ancora (The Empire Strikes Back, Irvin Kershner, 1980), dove le note ribattute dei quattro corni rinforzano il disegno ritmico degli archi in questo modo:
J. Williams, The Imperial March da L’impero colpisce ancora, batt. 1-4.
E, ancora, ecco invece un uso di corni solisti e legati per esporre un tema:
J. Williams, Yoda’s Theme da L’impero colpisce ancora, batt. 1-5.
2. Tromba.
La tromba, il soprano della famiglia degli ottoni, è lo strumento più agile della sezione ed è sovente chiamata ad eseguire non solo passaggi molto acuti ma anche passi che utilizzano la sua intera estensione a vari livelli dinamici. Il suono viene prodotto insufflando aria nello strumento per mezzo delle labbra a contatto con il bocchino, in modo che vibrando esse producano un fine ronzio. Essendo infatti un labiofono, non è la vibrazione di un’ancia ad emettere il suono, bensì quella delle due labbra del musicista. I pistoni permettono di modificare il percorso dell’aria nello strumento, alterandone la lunghezza e quindi variando la tonalità emessa. Con i soli tre tasti della
tromba standard in Si bemolle, un trombettista può suonare in ogni chiave. La tromba infatti è uno strumento prodotto in molte tonalità: la più diffusa è la tromba in Si bemolle, seguita da quelle in Do e in Mi bemolle. L’estensione della tromba in Si bemolle parte dalla nota scritta Fa diesis grave al di sotto del pentagramma e sale cromaticamente, passando per il Do centrale, fino a due ottave e mezza in alto: la nota più alta solitamente consentita è scritta come Do, sebbene si possano ottenere note più alte. In alcuni dischi jazz è possibile ascoltare trombettisti che eseguono note estremamente alte, per questo strumento.
La tromba piccola (o trombino) è solitamente in Si bemolle e La, e la sua tonalità è chiara e metallica. Molti di questi strumenti hanno quattro valvole, invece che le solite tre: lo strumento ha una nota fondamentale bassa, e con la valvola aggiuntiva esso può raggiungere note che sarebbero impossibili con tre valvole.
La tromba bassa lavora a frequenze simili a quelle del trombone, per questo motivo sono spesso i trombonisti a suonare questo strumento.
Al cinema la tromba, inserita in momenti sia lenti sia rapidi, è stata lo strumento preferito da molti compositori per l’espressione di sentimenti di speranza, di gioia, di tensione o addirittura di effetti tragici, come avviene in Il padrino (The Godfather, Francis Ford Coppola, 1972), musicato da Nino Rota. In tale opera filmica sono riuniti gli aspetti più innovativi nell’utilizzo della tromba al cinema: dall’effetto nostalgico a quello di tristezza, affidato alla tromba solista.
Nell’orchestra sinfonica, di norma, sono presenti due trombe, ma, per effetti di particolare grandiosità come in Guerre stellari (Star Wars, George Lucas, 1977) se ne impiegano tre, per rendere la maestosità dell’universo. Ecco un esempio di virtuosismo della tromba: le prime due suonano una figurazione di note molto rapida e legata, ad intervalli ravvicinati, la terza, invece, sostiene l’effetto con note tenute e rinforza la struttura ritmica:
J. Williams, Main Title da Guerre stellari, batt. 45-49.
Ecco invece un classico utilizzo delle tre trombe in orchestra sinfonica per effetti eroici e solenni:
J. Williams, Throne Room & End Title da Guerre stellari, batt. 6-10.
3. Trombone.
L’estensione dello strumento dipende dalle conformazioni fisiche del trombonista e dalla sua tecnica. In prima posizione la nota più bassa è il “pedale” Si bemolle1, mentre allungando la coulisse (il tubo che scorre in avanti e indietro e che permette di cambiare i suoni) nell’ultima posizione si può ottenere un Mi 1 (ovvero il Mi più basso suonabile con un pianoforte). Andando verso l’alto si possono ottenere note molto acute, come ad esempio il Re bemolle5 in seconda posizione (nota toccata nell’assolo di trombone del Bolero di Ravel).
Nel jazz i limiti sono dati semplicemente dalle capacità degli strumentisti, alcuni dei quali riescono a suonare anche oltre il Si bemolle6 (ad esempio Bill Watrous nel brano Floor Walk Up
dell’album Manhattan Wildlife Refuge tocca un altissimo Mi bemolle 6).
Nel cinema il trombone, per i suoi differenti colori (da quello scuro e minaccioso a quello luminoso ed eroico) è sempre impiegato in tutte le sequenze d’azione, grandioso ma anche nelle atmosfere drammatiche e di tensione. Un esempio di effetto maestoso lo si ha in Le cronache di Narnia: il leone, la strega e l’armadio (The Chronicles of Narnia: The Lion, the Witch and the Wardrobe, Andrew Adamson, 2005) dove la grandezza del mondo fantastico descritto è data abilmente dalla combinazione dei tre tromboni presenti nell’orchestra (due tenori e un basso). Sono frequenti anche le esposizioni di un tema per tromboni soli, soprattutto se si tratta di una melodia grandiosa come nel celebre tema seguente di John Williams:
J. Williams, The Imperial March da L’impero colpisce ancora, batt. 5-8.
4. Tuba.
La tuba è lo strumento più grave dell’intera famiglia degli ottoni. Esistono quattro tipi di tube: le tube basse in Fa o Mi bemolle e le tube contrabbasse in Do o Si bemolle. Un tipo particolare di tuba è la tuba wagneriana in Si bemolle, che Wagner fece costruire appositamente per L’anello del Nibelungo e che si differenzia per il bocchino da corno. Le tube col registro più grave sono generalmente utilizzate nelle bande e nelle orchestre sinfoniche classiche; in genere la tradizione americana predilige le tube in Do mentre quella europea quelle in Si bemolle. Nelle bande italiane è molto usata la tuba in Si bemolle.
La maggior parte del repertorio per tuba è scritto in chiave di basso con note reali. In alcune tradizioni bandistiche (come quella britannica) le partiture per tuba sono scritte in chiave di
violino: la tuba in Si bemolle è scritta due ottave ed un tono più alta mentre quella in Mi bemolle
un’ottava ed una sesta maggiore più in alto. In questo modo vengono utilizzati come strumenti traspositori ed i musicisti possono passare da uno strumento basso ad uno contrabbasso (e viceversa) senza dover cambiare la diteggiatura.
La tuba è stata utilizzata nelle orchestre a partire dal 1836, ha avuto una propria letteratura solistica (Ralph Vaughan Williams, Gordon Jacob, Alexej Lebedjew) ed è entrata a far parte delle “brass band” (come i quintetti di ottoni) e jazz (in sostituzione del contrabbasso). Nel cinema viene usata principalmente per rinforzare i suoni gravi dell’orchestra come i contrabbassi o il trombone basso in ottava inferiore, in passi che richiedono l’esecuzione di tutti gli esecutori o, comunque, quando è richiesto l’uso di tutta la sezione ottoni. Ma sono frequenti anche passaggi virtuosistici con la tuba solista, il cui suono grave rende al meglio effetti di comicità e curiosità:
J. Williams, The Flight to Neverland da Hook - Capitan Uncino (Hook, Steven Spielberg, 1991), batt.
82-85.
CAPITOLO 7: PERCUSSIONI
Percussioni a suono determinato
1. Timpani.
Gli strumenti a percussione hanno accompagnato l’uomo fin dagli albori della civiltà, ma solo nel secolo scorso i compositori hanno acquistato coscienza del loto potenziale espressivo. Ogni cultura musicale ha prodotto strumenti propri, con grandi differenze ma anche sorprendenti tratti in comune. Le percussioni più utilizzate nell’orchestra sinfonica, e di conseguenza anche in quella cinematografica, sono di due tipi: a suono determinato (possono cioè produrre note a varie altezze come qualsiasi altro strumento) ed indeterminato (sono in grado di produrre un unico suono, non classificabile non nessuna altezza di notazione musicale).
Le percussioni a suono determinato più frequentemente impiegate in orchestra sono i timpani, strumenti appartenenti alla classe dei membranofoni che consistono in una membrana, chiamata pelle, tesa su un grande fusto chiamato caldaia solitamente in rame, in altre leghe metalliche o in materiali plastici. Vengono suonati per mezzo di due battenti, generalmente a punta morbida (feltro o altro materiale). In orchestra sono sempre presenti in coppia (da cui il nome plurale), a volte in set comprendenti tre, quattro o più strumenti. L’intonazione dei timpani viene resa dalla tensione della pelle: ogni strumento ha un’estensione che varia da una quinta ad un’ottava cromatica. La modifica dell’altezza viene effettuata oggi per mezzo di un pedale che agisce contemporaneamente su tutte le viti di tensione della pelle. Anticamente queste venivano avvitate o svitate manualmente una ad una, obbligando il timpanista (ed il compositore) a mantenere la stessa intonazione durante tutto un brano. L’uso del pedale e di un apposito quadrante graduato permettono una rapida intonazione dello strumento ed effetti di glissato. Anche nei timpani provvisti di pedale sono comunque presenti viti che permettono di mantenere la tensione della
membrana equilibrata in tutti i punti.
I suoni vengono oggi notati in altezza reale in chiave di basso (talvolta senza accidenti in chiave). Anticamente si utilizzava una notazione convenzionale in cui il Do rappresentava la tonica ed il Sol la dominante del pezzo: la reale intonazione era indicata a chiare lettere all'inizio del brano.
Ecco di seguito un particolare effetto di grandiosità nel finale del film Cuori ribelli (Far and Away, Ron Howard, 1992). Si nota chiaramente l’uso di quattro timpani (serie di quattro note rapide di seguito, altrimenti non eseguibili):
J. Williams, Suite from Far and Away da Cuori ribelli (Ron Howard, 1992), batt. 278-280.
2. Campane.
Le campane tubolari sono uno strumento musicale idiofono a percussione. Si tratta di una serie di campane, lunghe barre metalliche cave (solitamente tubi di ottone a altro appesi verticalmente a circa due metri di altezza), che si accordano modificando la lunghezza. Sono normalmente suonate colpendole con un martello speciale, a testa di cuoio grezzo o di plastica, nella parte alta del tubo, il che può rendere necessaria una piattaforma per il percussionista. Nelle orchestre sinfoniche simulano il suono delle campane da chiesa e, al cinema, espressioni di solennità o anche di tensione, in particolari casi, come nel brano Tubular Bells di Mike Oldfield impiegato come colonna sonora di L’esorcista (The Exorcist, William Friedkin, 1973). Possiamo trovare invece un buon esempio di effetto solenne e luminoso in Troy (id., Wolfgang Petersen, 2004), musica di James Horner.
3. Glockenspiel.
Il termine glockenspiel è una parola tedesca che significa letteralmente “suono delle campane” ed è uno strumento che esiste in diverse forme. La forma più diffusa consiste in due file di lamelle metalliche ordinate orizzontalmente come una tastiera di pianoforte che si estende da un’ottava fino a tre. Ci sono anche forme con una disposizione verticale per l’uso nelle bande militari. Lo strumento è suonato mediante due o raramente più bacchette di consistenza dura che battendo le lamelle metalliche producono un suono molto chiaro simile a delle campanelle. Il suono è molto acuto e generalmente nel pentagramma è segnato due ottave più in basso rispetto al suono prodotto. L’utilizzo di questo strumento avviene soprattutto per evocare immagini luminose e scintillanti: uno dei più celebri esempi per l’utilizzo del glockenspiel si trova in Il flauto magico di Mozart. Nel cinema hollywoodiano contemporaneo è stato frequentemente impiegato soprattutto da Danny Elfman per rendere atmosfere delicate ed intime come la descrizione della neve in Edward Mani di forbice (Edward Scissorshands, Tim Burton, 1990):
D. Elfman, Introduction (Titles) da Edward Mani di forbice (Edward Scissorshands, Tim Burton, 1990), batt. 1-4.
4. Xilofono.
Lo xilofono è costituito da due file di barrette di legno disposte come la tastiera di un pianoforte, cioè le note naturali nella fila inferiore e quelle alterate nella fila sopra. Questo per quanto riguarda la versione moderna dello strumento, perché in passato era dotato di una sola fila. Al di sotto delle barrette, in corrispondenza di ciascuna di esse vi sono dei tubi aperti che fanno da cassa di risonanza, cioè filtrano il suono. L’altezza delle note dipende dalla lunghezza delle barrette: più sono lunghe e più il loro suono è grave e viceversa. Il suono prodotto dallo xilofono è penetrante, ma non brillante come quello del glockenspiel pee via della sua costruzione in legno. Per evocare lo scricchiolio delle ossa di uno scheletro, Danny Elfman, in La sposa cadavere (Tim Burton’s Corpse Bride, Tim Burton, Mike Johnson, 2005), lo impiega in modo virtuosistico come segue:
D. Elfman, Remains of the Day da La sposa cadavere (Tim Burton’s Corpse Bride, Tim Burton, Mike Johnson, 2005), batt. 1-3.
Percussioni a suono indeterminato
5. Triangolo.
Gli strumenti a suoni indeterminato usati nell’orchestra cinematografica sono moltissimi, soprattutto quelli etnici impiegati per effetti caratteristici in film d’azione o d’avventura. Ci limiteremo in questa sede a trattare quelli di impiego più frequente. Il triangolo è uno strumento musicale a percussione della famiglia degli idiofoni. È costituito da una barretta di metallo, di solito acciaio per gli strumenti moderni, piegata a forma di triangolo. Uno degli angoli rimane aperto, con le estremità della barretta che non si toccano, quindi il tono dello strumento non è definito. Normalmente questo viene sospeso da uno degli altri angoli con un pezzo di gomma o un filo sottile di nylon, lasciandolo libero di vibrare e viene percosso con una piccola bacchetta di metallo, emettendo così un suono dal tono alto, squillante. Il tono può essere variato smorzando con la mano le vibrazioni con forza e in punti variabili in base all’effetto desiderato. Nell’attacco del celebre tema di Guerre stellari (Star Wars, George Lucas, 1977), John Williams impiega il triangolo in effetto di tremolo per rendere un’atmosfera scintillante prolungata mentre il resto dell’orchestra, in fortissimo, espone l’introduzione del brano:
J. Williams, Main Title da Guerre stellari (Star Wars, George Lucas, 1977), batt. 1-3.
6. Piatti.
Il piatto è uno strumento costituito da una lamina concava di metallo fissata al foro centrale, libera di vibrare alle estremità. I piatti sono usati in tutti i generi di musica; sono usati tanto nella
tradizionale orchestra sinfonica quanto nella moderna batteria blues, jazz o rock. Frequentemente si possono distinguere due impieghi, nell’orchestra per il cinema: a mano (la coppia di piatti percossi uno contro l’altro) e sospeso (un unico piatto tenuto in sospensione per mezzo di un’asta e lasciato vibrare per effetto di tremolo).
Un classico esempio di piatti a mano (con indicazione l.v. che significa lasciar vibrare) è il seguente:
J. Williams, Main Title da Guerre stellari, batt. 1-3.
Il piatto sospeso si usa di solito, invece, facendolo tremolare per mezzo di un rullo eseguito con le bacchetta da timpani e prepara l’attacco di un tema o la ripresa di esso:
J. Horner, Vento di passioni (Legends of the Fall, Edward Zwick, 1994), batt. 39-41.
7. Tamburo, tamburino e tamburello.
Tamburo è un termine generico per definire uno strumento a percussione della famiglia dei membranofoni. Organologicamente si definisce tamburo uno strumento di forma tubolare cavo in
cui il suono è prodotto percuotendo o raschiando una pelle tesa attraverso una delle due estremità del fusto. I tamburi più comunemente usati sono il rullante, il tamburino e il tamburello. Il rullante viene spesso conosciuto come componente della batteria, in cui è posizionato al centro, ma viene anche utilizzato in contesti bandistici e, naturalmente, orchestrali. Ha un suono secco e preciso, può facilmente eseguire figurazioni ritmiche lente o molto veloci come le rullate, che ben si adattano a situazioni marziali come nel seguente esempio:
J. Williams, Raiders March da I predatori dell’arca perduta (Raiders of the Lost Ark, Steven Spielberg, 1981), batt. 46-49.
Il tamburino è molto simile al tamburello, anche se i due strumenti non devono essere confusi. Entrambi sono diffusi in tutto il Mediterraneo meridionale, in Italia si trova specialmente nelle regioni centro-meridionali. Sono costituito da una corona di legno sulla quale è tesa una membrana di pelle. Nel telaio sono presenti delle fessure in cui sono applicati dei cimbalini (sonaglietti) che ad ogni percussione arricchiscono il suono col loro tintinnare. Il tamburino invece consiste nella stessa corona di legno o plastica del tamburello, con gli stessi sonagli, ma senza la membrana di pelle. Il tamburello può essere suonato semplicemente battendolo con la mano o scuotendolo per muovere i cimbalini, mentre l’impiego migliore del tamburino è agitandolo. L’effetto del tamburino è più metallico, quello del tamburello più pieno. Ecco un esempio di accompagnamento di tamburello:
D. Elfman, Theme da I Simpson (The Simpsons, 1989), batt. 8-10.
8. Grancassa
La grancassa è il tamburo di dimensioni maggiori dell’orchestra sinfonica, di una banda o anche di una batteria. In quest’ultimo caso viene generalmente chiamata soltanto “cassa”. È composta da una struttura generalmente in legno di forma cilindrica e cava, alle sue estremità sono poste e tese grazie a dei tiranti due membrane che possono essere di pelle animale o materiale sintetico. Si usa smorzarne il suono con l’ausilio di feltri, appositi cuscini di spugna o gommapiuma che attenuano la vibrazione della pelle e contrastano la consistente propagazione del suono all’interno della cassa. La realizzazione di un foro sulla pelle risonante permette al microfono di essere posizionato all’interno dello strumento, ma diminuisce la risonanza delle pelli accorciandone la durata. Ecco un esempio di uso di grancassa in un organico orchestrale cinematografico che prevede tre percussioni, tra cui i piatti:
J. Williams, The Flight to Neverland da Hook - Capitan Uncino (Hook, Steven Spielberg, 1991), batt.
97.
9. Batteria.
La batteria è uno strumento musicale composto da tamburi, piatti e altri strumenti a percussione disposti in modo da essere suonati da un solo musicista. I tamburi che compongono una batteria completa sono la grancassa, il rullante, uno o più tom e un timpano. I piatti invece sono: il ride, il
charleston e il crash. Esiste una vasta gamma di modelli di piatti ognuno disponibile in vari diametri, spessori, profili e forme per poter personalizzare il suono del musicista e della musica che si vuole comporre. Per personalizzare la propria batteria, il musicista può aggiungere uno o più piatti splash, crash o un numero maggiore di tom. Nel cinema la batteria è usata frequentemente per accompagnare sequenze d’azione o, comunque, movimentate. Molto spesso è unita all’orchestra sinfonica: un buon esempio si trova in Mamma ho perso l’aereo (Home Alone, Chris Columbus, 1990) con musica di John Williams.
CAPITOLO 8: TASTIERA
1. Pianoforte.
Gli strumenti a tastiera fanno parte dell’orchestra fin da quando essa è nata, anche se le loro funzioni al suo interno si sono modificate nel corso del tempo. A partire dalla fine del diciannovesimo secolo in particolare strumenti come il pianoforte e la celesta cominciarono ad essere usati come regolari membri dell’orchestra sinfonica e le loro parti ad intrecciarsi nel tessuto musicale allo stesso modo di quelle assegnate agli archi, ai legni, agli ottoni o alle percussioni.
Nel cinema gli strumenti a tastiera sono usati molto di frequente per produrre gli effetti più diversi. Il pianoforte è probabilmente lo strumento meglio conosciuto e più versatile oggi in uso nella musica da film, tanto che alcune colonne sonore sono quasi interamente composte per pianoforte solo. Esso è uno strumento in grado di produrre un suono grazie a corde che vengono percosse per mezzo di martelletti azionati da una tastiera: fa parte, quindi, dei cordofoni a corde percosse. L’origine della parola pianoforte è italiana (Bartolomeo Cristofori) ed è riferita alla possibilità che lo strumento offre di suonare note a volumi diversi in base al tocco, ovvero alla forza applicata dalle dita del pianista sui tasti, possibilità negata invece da strumenti precedenti quali il clavicembalo. Anche mediante l’intervento sui pedali, che azionano particolari meccanismi, l’esecutore può modificare il suono risultante. Lo strumento dispone generalmente di 88 tasti (sette ottave e una terza minore), 52 bianchi e 36 neri, disposti nella classica successione che intervalla gruppi di due e tre tasti neri. Esistono invece alcuni pianoforti (pochi modelli) che si estendono anche di 9 tasti oltre i normali 88, andando verso il basso. Come punto di riferimento centrale della tastiera viene preso il tasto Do, chiamato per questo “Do centrale”. La nota Do, a partire dalla quale è possibile eseguire la scala di do maggiore, priva di alterazioni,
è il tasto bianco situato esattamente prima di ogni successione di due tasti neri. Questi ultimi, in genere, in considerazione della tonalità della melodia da eseguire, vengono chiamati bemolle o diesis (più generalmente alterazioni) a seconda del caso in cui si riferiscano alla nota che li precede o a quella che li segue. Nei due casi, comunque, essi producono un suono che risulterà più basso o più alto di mezzo tono rispetto ai tasti bianchi contigui. Ad esempio il tasto nero immediatamente successivo al Do si chiama do diesis; lo stesso tasto nero, considerato come tasto immediatamente precedente il re, si chiama re bemolle. Ai pianoforti elettronici si possono eseguire suoni anche di altri strumenti (flauto, chitarra, corno, batteria, xilofono, violino…), si possono registrare brani eseguiti ed anche ascoltare dei brani “demo”. Alcuni hanno metronomi incorporati. Quando si preme un tasto del pianoforte, che è una leva imperniata su un bilanciere, la sua parte posteriore (coda) si alza e il perno, al quale è incernierato, fa muovere il cavalletto (due leve libere di muoversi, incernierate sul retro, verso la coda del pianoforte). Il cavalletto, così liberato dal tasto, si solleva, trascinando con sé il bastone dello scappamento (un oggetto a forma di L). Lo scappamento mette in funzione un rullino in feltro che è fissato all'asta del martelletto che di conseguenza si solleva. L’asta superiore del cavalletto va verso l’alto fin quando la sua estremità non tocca il bottoncino di regolazione. Il martelletto continua la sua corsa colpendo le corde e separandosi dal bastone di scappamento e dallo stesso cavalletto. Anche lo spingitore si alza e rimane sospeso fino a quando il tasto non viene rilasciato. Dopo aver percosso la corda, a tasto ancora abbassato, il martelletto ricade anche se non completamente; infatti viene fermato dal rullino dell’asta del martelletto che si adagia sull’asta superiore del cavalletto ancora sollevata.
Al cinema il pianoforte è stato il diretto protagonista di film i cui registi hanno voluto dedicare particolare attenzione sia alla sua tecnica che alle notevoli sfumature che esso può offrire: da Truffaut con Tirate sul pianista (Tirez sur le pianiste, François Truffaut, 1960) il pianoforte è
diventato anche il simbolo di rapporto e di comunicazione fra le persone come in Madame Sousatzka (id., John Schlesinger, 1988), film sul rapporto tra insegnante e allievo, o il sentimentale Lezioni di piano (The Piano, Jane Campion, 1993), con musiche di Michael Nyman, dove il titolo originale fa proprio riferimento alla volontà di mettere il pianoforte al centro della vicenda. Trentadue piccoli film su Glenn Gould (Thirty Two Short Films About Glenn Gould, François Girard, 1993) è invece ispirato alla storia del celebre pianista Glenn Gould come la figura di David Helfgott è protagonista di Shine (id., Scott Hicks, 1996). Il pianista (The Pianist, Roman Polanski, 2002) è invece tratto dal romanzo autobiografico omonimo di Wladyslaw Szpilman.
L’uso cinematografico del pianoforte come solista o come accompagnatore è larghissimo. Per avere un esempio si può citare l’effetto lugubre che ne fa David Shire in La conversazione (The Conversation, Francis Ford Coppola, 1974) e quello invece poetico e romantico di Rachel Portman per Le regole della casa del sidro (The Cider House Rules, Lasse Hallström, 1999), dove il pianoforte diventa lo strumento principale della colonna sonora. Un ottimo esempio di sonorità tesa e angosciante, quasi un senso di claustrofobia, lo si trova in Presunto innocente (Presumed Innocent, Alan J. Pakula, 1990), dove John Williams usa un piccolo organico orchestrale, quasi cameristico, insolito per il suo stile che quasi sempre fa impiego di grandi sonorità sinfoniche. Come si può notare dal seguente frammento della partitura autografa di John Neufeld, orchestratore di John Williams, il tempo “rubato” (ovvero non rigidamente metronomico, ma più interpretato) favorisce il clima di tensione che domina tutto il film:
J. Williams, Presunto innocente (Presumed Innocent, Alan J. Pakula, 1990), batt. 1-4.
Un altro uso solistico del pianoforte, di ispirazione introduttiva e d’atmosfera più sognante, lo si ha all’inizio del brano The Portrait in Titanic (id., James Cameron, 1998):
J. Horner, Titanic (id., James Cameron, 1998), batt. 1-3.
2. Organo.
L’organo è uno strumento della famiglia degli aerofoni, viene suonato per mezzo di una o più tastiere dette manuali e di una pedaliera. Il suono viene emesso da un sistema di canne, metalliche o di legno, di grandezza, lunghezza e fattura variabile a seconda della nota e del timbro che la canna riproduce. L’organo ha conservato tuttora un ruolo di primo piano nella musica sacra, genere in cui fu largamente impiegato fin dal periodo barocco. Mantenne comunque una posizione nel teatro d’opera dove veniva usato per illustrare scene o sentimenti religiosi. Nel cinema, ugualmente, è stato spesso usato per evocare atmosfere sacre, ma, grazie allo sperimentalismo di alcuni autori dagli anni Sessanta ad oggi, è stato protagonista di efficacissimi effetti di tensione o addirittura horror. Con Ennio Morricone l’organo fa il primo ingresso nella musica da film per sottolineare momenti di tensione in Per qualche dollaro in più (id., Sergio Leone, 1965), in cui si richiama evidentemente lo stile della Toccata BWV 565 di Bach. Nel corso degli anni Settanta, poi, sono state introdotte importanti derivazioni dall’organo,
realizzate soprattutto per ridurne l’ingombro e i costi, tra cui l'harmonium e l'organo Hammond. In particolare, con l’avanzare della tecnologia, si è preferito sostituire i complicati meccanismi che componevano l’organo con circuiti elettronici e altoparlanti. In particolare l’organo Hammond è un organo elettrico, progettato e costruito da Laurens Hammond, che ha trovato largo uso nella musica leggera e, di conseguenza, anche nel cinema. Nonostante esso fosse in origine destinato alle chiese in alternativa ai più costosi organi a canne, trovò grande impiego nel jazz, nel blues, nella musica gospel e, in misura inizialmente minore ma poi sempre crescente, nel rock e nel pop. L’invenzione del poliedrico ingegnere Hammond fu svelata al pubblico nell’aprile 1935 e il primo modello, il Model A, fu disponibile nel giugno dello stesso anno. È stato anche ampiamente utilizzato nelle cappelle militari statunitensi durante e dopo la Seconda Guerra Mondiale. La stessa familiarità dei soldati con lo strumento può aver contribuito in qualche misura alla popolarità crescente dell'organo nel periodo post bellico. Il suono dell’Hammond, così spinto e caratteristico, divenne ancor più popolare quando artisti rock del calibro di Keith Emerson, Al Kooper, Billy Preston e Ian McLagan lo utilizzarono per i loro pezzi. Oggi la sua popolarità è in continua crescita grazie al “ritorno” del suono analogico e ad alcuni giovani ma già grandi musicisti che lo hanno eletto come strumento di riferimento nonostante non sia in produzione da decenni. Anche in Italia furono molti gli artisti impegnati nell’ambito del progressive rock che usarono l’organo Hammond nei loro brani: ad esempio, Flavio Premoli, tastierista della Premiata Forneria Marconi in quasi tutte le canzoni oppure è suonato da Franco Battiato nell’album Pollution.
Un ottimo impiego dell’organo per descrivere atmosfere cupe e di grandezza gotica lo si può trovare ad opera di Danny Elfman nel brano Up the Cathedral da Batman (id., Tim Burton, 1989).
3. Clavicembalo.
Il clavicembalo genera il suono pizzicando una corda e non colpendola, come avviene nel pianoforte, è quindi un tipo di suono metallico e molto evocativo di atmosfere antiche e misteriose. La pubblicazione della prima musica scritta specificamente per clavicembalo solo risale intorno alla metà del XVI secolo. Dopo la diffusione del pianoforte, il confronto tra i due strumenti fu inevitabile: al clavicembalo erano quindi attribuiti alcuni vantaggi, ma anche svantaggi. Oltre alle opere per strumento solista, il clavicembalo è molto adatto per l’accompagnamento con lo stile a basso continuo (un ruolo mantenuto nell’opera lirica fino al XIX secolo) e di cui un impiego cinematografico lo si trova in La sposa cadavere (Tim Burton’s Corpse Bride, Tim Burton, Mike Johnson, 2005) con musica di Danny Elfman: l’effetto di sostegno al recitativo cantato nel brano According to Plan, di derivazione operistica, è chiaro. Durante il XIX secolo il clavicembalo fu pressoché ignorato dai compositori, sostituito dal pianoforte. Tuttavia, nel XX secolo, con il crescente interesse per la musica antica e la ricerca di diverse sonorità, alcuni pezzi sono stati nuovamente scritti per questo strumento. Un primo recupero del clavicembalo e del suo repertorio si ebbe soprattutto per iniziativa della grande clavicembalista polacca Wanda Landowska (1879-1959). La Landowska utilizzava un clavicembalo costruito da Pleyel, del tipo somigliante ad un pianoforte, come indicato più in alto. Strumenti come questo, anche se adesso considerati non appropriati per la musica del XVII e del XVIII secolo, conservano un'importanza per la musica che è stata composta, nella prima metà del Novecento e fino agli anni ’60, appositamente per quel tipo di clavicembalo. La vera “svolta” si ebbe con la nascita, in Europa e nel Nordamerica, di un nuovo orientamento in ambito musicale: il movimento “filologico”, che considera gli strumenti d’epoca (o le copie di strumenti originali) elementi irrinunciabili per una corretta prassi esecutiva della musica del passato. Da allora, grazie
soprattutto alla riscoperta ed al restauro di preziosi clavicembali dei secoli XVII e XVIII, la
musica per clavicembalo ha potuto rivivere in tutta la sua straordinaria bellezza ed è oggi eseguita con rinnovata coscienza e con maggiore fedeltà (anche grazie ad uno studio sistematico delle fonti dell’epoca). I primi strumenti realizzati secondo le tecniche costruttive antiche e copiando fedelmente strumenti originali si ebbero grazie alla pionieristiche iniziative di costruttori del mondo anglosassone come Frank Hubbard e William Dowd. Da ricordare anche il contributo che ha dato Ennio Morricone scrivendo, all’inizio degli anni ’70, dei brani per clavicembalo e orchestra e l’impiego nel cinema horror americano con Danny Elfman, di cui un ottimo esempio lo si nota nel tema principale di Racconti dalla tomba (Tales from the Crypt, Richard Donner, Walter Hill, Robert Zemeckis, 1989):
D. Elfman, Racconti dalla tomba (Tales from the Crypt, Richard Donner, Walter Hill, Robert Zemeckis, 1989), batt. 1-4.
4. Celesta.
La celesta è uno strumento musicale idiofono, ossia che produce il suono mediante il materiale stesso di cui è composto senza l’ausilio di parti poste in tensione: nel caso specifico si tratta di uno strumento idiofono a percussione. Costruita e brevettata nel 1886 dal francese Auguste Mustel, la celesta fece il suo primo ingresso nel mondo musicale nel 1892 con il balletto Lo Schiaccianoci di Piotr Ilič Čaikovskij (episodio Danza della Fata Confetto). In quanto varianti
dello xilofono, con lamelle di metallo al posto di quelle di legno, la celesta (come il glockenspiel)
è classificata tra i metallofoni. Il suono, dal caratteristico timbro simile a quello del carillon, viene prodotto da alcune lamelle di metallo sospese tramite un sistema di martelletti e comandate da una tastiera (lo stesso sistema viene applicato al pianoforte) e da una pedaliera; è molto dolce e delicato, ma al tempo stesso penetrante a causa delle frequenze acute del suo timbro.
Al cinema la celesta è stata usata molto spesso sia in linee melodiche principali che in accordi e arpeggi d’accompagnamento. A parte i passaggi solistici, lo strumento dà il meglio di sé quando raddoppia combinazioni varie di archi, arpa, pianoforte e legni leggeri, alla cui sonorità aggiunge una luce argentina. Proprio per le sue sonorità scintillanti e luminose, lo strumento è stato di frequente impiegato in film di taglio fantastico, avventuroso e magico. Un celebre impiego si trova all’inizio del tema principale di Harry Potter e la pietra filosofale (Harry Potter and the Sorcerer’s Stone, Chris Columbus, 2001), in cui l’esposizione della celesta sola ben introduce al clima di mistero di tutto il film:
J. Williams, Hedwig’s Theme da Harry Potter e la pietra filosofale (Harry Potter and the Sorcerer’s Stone, Chris Columbus, 2001), batt. 1-10.
5. Sintetizzatore.
Il sintetizzatore (abbreviato anche synth dal termine in inglese) è uno strumento musicale che appartiene alla famiglia degli elettrofoni. È un apparato in grado di generare autonomamente segnali audio, sotto il controllo di un musicista o di un sequencer. Si tratta di strumenti che
possono generare imitazioni di strumenti musicali reali o creare suoni non esistenti in natura. Il sintetizzatore è generalmente controllato per mezzo di una tastiera simile a quella del pianoforte, ma non mancano realizzazioni destinate ad essere gestite mediante il fiato, la pressione, le corde di una chitarra o altri tipi di controller come sensori a raggi infrarossi. Agli inizi del Novecento il piano sonoro era stato molto sfruttato: si era arrivati ad un punto in cui i suoni e le combinazioni di questi erano state totalmente utilizzate. Infatti il sistema temperato, che divide la scala in 12 semitoni, era giunto in saturazione. Grazie anche alla letteratura (Proust) e soprattutto alla allora nascente psicoanalisi (Freud) si avvertì l’esigenza di scoprire nuove forme che dovevano rappresentare l’inconscio cercando l’inaudito (mai sentito). Il limite, se si pensa che siamo agli inizi del Novecento, era l’utopia di questa nuova forma che non poteva essere concretizzata. Furono due musicisti come Claude Debussy e Bela Bartok che si accostarono a loro volta a questo argomento, in modi diversi, ma sicuramente con ottimi risultati, tali da far interessare anche la musica cosiddetta colta. Il cinema ebbe un’influenza notevole sullo sviluppo della musica elettronica, ma il primo strumento elettronico efficiente si ha solo nei primi anni ’50 con il sintetizzatore di Belar-Olson realizzato negli studi della RCA frutto di una collaborazione fra scienziati e musicisti. Tra i primi compositori di musica elettronica ci fu Milton Babbitt che imitò i suoni dell’orchestra usando strumenti elettronici. Particolare importanza ebbe la città tedesca di Darmstadt sede di riunioni di musicisti dal 1956 al 1961 in cui si tennero dei corsi di fondamentale importanza per il futuro, tra i partecipanti ricordiamo: Luigi Nono, Bruno Maderna, Luciano Berio, Pierre Boulez, Karlheinz Stockhausen, John Cage, Edgar Varèse. Nascono così le prime composizioni che non imitano più il suono di strumenti esistenti, ma bensì fanno del timbro il parametro principale della musica : “noi possiamo comporre il suono”; si utilizzano così le componenti microscopiche delle onde sonore a differenza di prima che si componeva su timbri preesistenti. Un passo avanti si è verificato negli anni Sessanta, con l’introduzione di versioni
ridotte di sintetizzatori, destinati alla creazione di timbriche inusuali, in alcuni gruppi di musica progressive; ad esempio i Van der Graaf Generator ed i Pink Floyd. Verso la fine degli anni Sessanta, poi, comparvero i primi esemplari di sintetizzatori portatili, fabbricati in piccole serie per impiego nella musica dal vivo; precursori di questa generazione furono Robert Albert Moog e Alan R. Pearlman, rispettivamente fondatori delle più note Case produttrici di questi strumenti: Moog Inc. e ARP Instruments.
L’uso del sintetizzatore nel cinema è stato molto ampio, soprattutto per quel che riguarda produzioni di ambientazione gotica e fantastica, ma anche film drammatici e di guerra come Apocalypse Now (id., Francis Ford Coppola, 1979). In esso si riscontra un notevole esempio di atmosfera di follia tramite l’uso degli accordi tenuti.
CAPITOLO 9: CORDA
1. Arpa.
Anche solo l’arpa appartiene a pieno titolo alla moderna orchestra sinfonica cinematografica, gli altri sono presenti sempre più spesso, soprattutto nei film che hanno per base le contaminazioni di stili.
L’arpa ha una storia molto antica e diverse culture e geografie hanno tra i propri strumenti qualche variante di arpa: si ha così l’arpa celtica, le varie arpe africane, indiane, ed altre ancora. In ambito occidentale, il termine arpa non altrimenti specificato si riferisce quasi sempre all’arpa da concerto a pedali, che è dotata di 47 corde tese tra la cassa di risonanza e una mensola detta “modiglione”, con un’estensione di 6 ottave e mezza e intonato in do bemolle maggiore. I suoni estranei a questa tonalità si possono ottenere agendo su 7 pedali a doppia tacca; ogni corda è in grado di produrre tre note diverse ed è possibile costruire una scala cromatica. Con l’aggiunta di varie modifiche tecniche, l’arpa, nel corso dei secoli, conquistò sempre più posto nell’orchestra: in Francia la scuola d’arpa fu particolarmente brillante nella seconda metà del XVIII secolo dove furono fabbricate arpe decorate in modo sfarzoso. Furono due liutai parigini, i Cousineau, nel 1760, a perfezionare il meccanismo dei pedali, applicando il sistema a uncinetto, che si rivelò molto più pratico dei precedenti e che si basava sull’azione del pedale su un tirante, che tramite una serie di leve esercitava una azione di attrazione sugli uncinetti e grazie a questi ultimi la corda veniva trascinata sui capotasti supplementari. È proprio in Francia che possiamo annoverare una grande diffusione di composizioni per l’arpa, tra le quali Danses arpa di Debussy e Introduction et allegro di Ravel.
Il timbro dell’arpa è scuro, cupo e sonoro nelle due ottave più gravi e diventa più luminoso man mano che si sale di registro. È uno strumento che consente di effettuare svariati effetti sonori:
accordi di vari suoni, passi anche molto rapidi e, naturalmente, il caratteristico glissando. Proprio per la sua grande potenzialità espressiva e per il suo suono che evoca atmosfere sfumate e sognanti l’arpa ha sempre trovato un grande impiego nel cinema, soprattutto per l’effetto del glissando, oltre che per i passi solistici. Ecco un classico impiego di glissando a piacere in un finale ad orchestra sinfonica piena:
J. Williams, Suite From Far and Away da Cuori ribelli (Far and Away, Ron Howard, 1992), batt. 178- 280.
2. Chitarra.
La chitarra è uno strumento musicale cordofono che viene suonato con i polpastrelli, con le unghie o con un plettro. Il suono è generato dalla vibrazione delle corde, che sono tese al di sopra del piano armonico che, a sua volta, poggia sulla cassa armonica che amplifica il suono. Le corde sono tese tra il tiracorde, fissato sul ponticello, ed il capotasto, essendo fissate tra il ponticello e le meccaniche poste sulla paletta. Sul manico, la tastiera consente di accorciare la lunghezza della parte di corda vibrante, così da suonare le note desiderate.
La chitarra ha avuto una storia evolutiva totalmente differente dal liuto, al contrario di quanto si suppone erroneamente. La chitarra di tipo spagnolo o andaluso ha sei corde, ma spesso esistono delle variazioni, ad esempio la chitarra a dodici corde, che porta la medesima accordatura replicata in ottava da corde accoppiate più sottili.
Tecnicamente di solito la mano sinistra preme le corde sul manico, mentre la destra pizzica le corde facendole vibrare. Esistono tuttavia esempi di chitarristi che tengono il manico con la mano destra; alcuni di questi scelgono di non invertire nemmeno l’ordine delle corde.
Nel cinema la chitarra ha trovato largo impiego, soprattutto da quando la musica folk, il rock e il jazz sono diventati generi di enorme popolarità. Sembrerebbe oggi che chiunque suoni la chitarra ed infatti la possiamo trovare suonata sia diegeticamente nella narrazione cinematografica sia utilizzata in modo extradiegetico. Un buon esempio di accompagnamento jazz lo si trova in molte parti della colonna sonora di La sposa cadavere (Tim Burton’s Corpse Bride, Tim Burton, Mike Johnson, 2005) con musica di Danny Elfman.
3. Basso elettrico.
Sempre nel film appena citato, La sposa cadavere, si può notare anche un grande impiego del basso elettrico, che accompagna le parti di chitarra. Il basso elettrico è uno strumento musicale della famiglia dei cordofoni, simile alla chitarra elettrica come meccanismo. L’accordatura standard del basso elettrico è identica a quella del contrabbasso, cioè un’ottava sotto alle quattro corde più gravi della chitarra. Con l’evoluzione della musica il basso ha assunto un ruolo leader in alcuni generi come jazz, funk, blues, rock, ska reggae, metal, anche se ormai viene utilizzato in quasi tutti i generi musicali. Il primo basso elettrico prodotto in serie fu sviluppato da un innovatore e costruttore di chitarre elettriche, Leo Fender all’inizio degli anni Cinquanta. Il basso elettrico verticale esisteva già dalla metà degli anni trenta, ma era goffo ed inoltre la cassa acustica di cui era dotato ne rendeva difficile l’amplificazione, in quanto il segnale poteva
innescare il feedback quando si superava un certo volume. Sembra tuttavia che nello stesso
periodo furono venduti anche un esiguo numero di bassi elettrici solid body realizzati da altri costruttori. Il basso elettrico rappresenta una radicale svolta nel panorama musicale, fornendo alla sezione accompagnamento dei complessi uno strumento facilmente trasportabile, amplificabile e più semplice da suonare rispetto al contrabbasso: l’aggiunta al basso elettrico dei tasti ha permesso allo strumento di diventare molto più facile da suonare e, soprattutto, più precisa l’intonazione della nota emessa. L’uso di un pickup associato al corpo solido ha reso più efficace l’amplificazione dello strumento, che si è evoluta in seguito fino alla produzione di amplificatori capaci di erogare potenze di svariate centinaia di Watt. Seguendo le orme di Leo Fender, altre industrie di strumenti musicali, quali Gibson, Danelectro e molte altre, iniziarono la produzione di versioni personalizzate di basso elettrico. Il contrabbasso divenne così obsoleto in molti generi musicali, lasciando spazio al più compatto basso elettrico, che permetteva al bassista una migliore agilità sul palco, e risolveva i problemi di amplificazione.
CAPITOLO 10: VOCE
1. Voce solista.
In musica la voce è lo “strumento musicale” più istintivo. Essa ha ispirato fin dalle origini le prime forme artistiche e la creazione di numerosi strumenti musicali: termini tecnici come “contabilità” e “cantando” vengono spesso utilizzati anche nella pratica strumentale per indicare comportamenti timbrici e di fraseggio analoghi a quelli impiegati nella pratica vocale. Il canto è, dunque, la produzione di note musicali mediante la voce umana, suono generato dalla vibrazione delle corde vocali per effetto dell’aria espirata dai polmoni mediante occlusione della glottide. Nell’uso canoro il suono della voce è caratterizzato dalle risonanze della trachea, della faringe e della bocca, ed eventualmente delle altre cavità facciali e craniali; i timbri vocali che si ottengono dipendono anche dal meccanismo di produzione della voce. A seconda del modo in cui la voce viene prodotta si possono distinguere tre tipi fondamentali di emissione: la voce di gola, la voce impostata e il falsetto. La voce di gola è il modo in cui si emette il suono quando si parla, affidando la variazione della tonalità alla maggiore o minore tensione delle corde vocali (maggiore o minore sforzo adduttivo delle aritenoidi). Durante il canto, la tensione delle corde vocali e la forte vibrazione che devono sostenere porta rapidamente all'affaticamento del cantante e a lesioni delle corde stesse (edemi, noduli ecc.). Il suono della voce di gola è rigido e piatto, simile ad un grido: questa somiglianza è evidente soprattutto negli acuti e nei fortissimi. Il timbro cambia a seconda della potenza e dell’altezza.
Il concetto di voce impostata, invece, è un concetto storico-estetico sviluppatosi nel Barocco per far fronte alle crescenti difficoltà tecniche richieste ai cantanti dai coevi repertori vocali. È impossibile dare una definizione univoca di quale sia una voce impostata e del corretto training fisico-artistico richiesto dall’impostazione. Cantando con una voce impostata secondo i dettami
classici (affermati in una lunga serie di trattati musicali) si acquisisce un controllo muscolare che consente di produrre suoni timbricamente più omogenei, di controllare il volume e di cantare senza sottoporre le corde vocali ad uno sforzo eccessivo, che in genere si determina a causa della pressione mal indirizzata del fiato (cantare “sforzando” o “spingendo”). L’impostazione classica vede la compresenza di tecnica del fiato, dell’emissione e dell’articolazione. I dettami di queste tecniche non possono essere disgiunti: non si può, per esempio, emettere un buon suono senza articolarlo o senza aver respirato in modo corretto. La respirazione è in genere diaframmatica (ma illustri maestri di canto, anche viventi, consigliano di alternarla ad una respirazione costale e a volte ad una respirazione completa diaframmatico-costale). Non esiste trattazione che curi la potenza del suono. Spesso si collega la voce impostata con la voce sonora, se non stentorea, ma in realtà la potenza vocale è solo una conseguenza, non un fine dello studio vocale. I repertori tardo ottocenteschi e contemporanei richiedono molto spesso voci potenti che riescano ad “oltrepassare” l’orchestra, “proiettandosi” in sala, ma in sede di studio non esistono vere tecniche della proiezione.
Il falsetto è una tecnica vocale che coinvolge in minor modo la muscolatura, così permettendo di riprodurre un suono con uno sforzo minore rispetto alla voce piena e di conseguenza di raggiungere con più facilità le note acute. È per questo che, rispetto alla voce piena, il suono del falsetto risulterà più leggero e qualche volta fiatato (questo dipende molto spesso dalla massa cordale del soggetto e dallo studio della tecnica vocale). Durante l’emissione in falsetto il piano delle corde vocali è inclinato.
Questi tre principali tipi di emissione vocali costituiscono la base non solo della composizione musicale classica, ma anche, ovviamente, di quella cinematografica. La voce solista, proprio per i suoi differenti colori ed aspetti, è stata usata frequentemente al cinema (escludendo in questa sede le colonne sonore composte quasi interamente da brani cantanti,
argomento che meriterebbe uno studio a sé). In Titanic (id., James Cameron, 1998), con musica di James Horner, l’uso di voce sola, senza parole, vocalizzata, ricopre buona parte del film: per evocare le profondità degli abissi marini e la grandezza dell’oceano il compositore ha utilizzato la voce della cantante norvegese Sissel Kyrkjeboe, considerata una dei principali soprani versatili del mondo, per alcuni effetti vocalizzati, senza parole da cantare, come, ad esempio, nel brano Never an Absolution: dopo un’introduzione con la cornamusa scozzese, la voce espone il tema principale accompagnata leggermente dai corni e sostenuta da piccoli interventi di bassi orchestrali:
J. Horner, Never an Absolution da Titanic (id., James Cameron, 1998), batt. 12-15.
La voce è utilizzata anche per esporre il secondo tema principale del film, che in alcuni tratti si incrocia e si contrappunta con il primo, oltre che, naturalmente, per i titoli di coda, dove si trasforma in canzone grazie all’aggiunta del testo composto da Will Jennings e all’interpretazione di Céline Dion:
J. Horner, My Heart Will Go On da Titanic, batt. 177-180.
Anche in La sirenetta (The Little Mermaid, John Muskere, Ron Clements, 1989) si può notare un ottimo effetto di uso vocalizzato. Il film contiene sette canzoni originali composte da Alan Menken con testi di Howard Ashman e, in alcuni tratti, il tema principale viene esposto
localmente per sottolineare al meglio la vicenda. Nella sequenza che mostra Ursula, la strega del
mare che pensa di approfittare della situazione in cui si trova la protagonista Ariel, è possibile notare l’impiego della voce solista. Fingendo infatti di volere aiutare la protagonista e grazie alle sue doti magiche, propone ad Ariel un patto: in cambio della sua stupenda voce la trasformerà in un’umana, anche se solo per tre giorni, così che Ariel avrà modo di conquistare il cuore del suo amato e ottenere un suo bacio. Durante la scena del patto l’esposizione del tema principale in forma vocalizzato è chiara:
A. Menken, The Little Mermaid, batt. 4-8.
Per un uso di voce cantante con parole, invece, gli esempi sarebbero particolarmente numerosi. Valga, uno dei tanti, il seguente passo di Nightmare Before Christmas (Tim Burton’s The Nightmare Before Christmas, Tim Burton, 1994), la cui colonna sonora è stata composta e cantata in originale da Danny Elfman, nell’edizione italiana da Renato Zero:
D. Elfman, What’s This? da Nightmare Before Christmas (Tim Burton’s The Nightmare Before Christmas, Tim Burton, 1994), batt. 13-17.
2. Coro.
Un gruppo musicale composto principalmente da cantanti (che in questo caso si dicono più propriamente “cantori”) viene definito coro; quando il coro esegue musica senza la presenza di accompagnamento strumentale si parla di canto a cappella. Esiste anche un coro formato esclusivamente da voci di bambini prima della pubertà, che sono chiamate voci bianche. È buona regola che i bambini prima della pubertà non cantino brani con estensione superiore ad un’ottava; inoltre i ragazzi dai dodici ai sedici anni, o comunque nel periodo della muta vocale conseguente
alla pubertà, devono prestare molta attenzione a non sottoporre a stress eccessivi le corde vocali poiché potrebbero ledersi con danni permanenti.
Il coro classico affonda le sue radici nel passato, si attribuisce l’invenzione di questa pratica musicale agli antichi greci, i quali la utilizzavano nel teatro, durante lo svolgimento delle tragedie, come voce narrante esterna alle scene. Le composizioni corali possono prevedere organici per una sola voce (coro all’unisono) o per due o più voci (alcune composizioni possono arrivare ad una divisione fino a 40 o più parti reali. La pratica più comune è quella che vede il coro dividersi in quattro, cinque parti, fino al doppio coro ad otto voci.
Nel cinema il coro, per la sua versatilità di impiego, è stato utilizzato in numerosi film. Un esempio di ottimo effetto di atmosfera religiosa si trova ad opera di John Williams in L’impero del sole (Empire of the Sun, Steven Spielberg, 1987), mentre, con musica di Danny Elfman, notevole effetto delicato si può trovare in Edward Mani di forbice (Edward Scissorshands, Tim Burton, 1990). In particolare in questo film il coro svolge un ruolo particolarmente importante. Il compositore stesso, infatti, descrive tre temi che appaiono nel film: il primo è il tema Principale (con ciò che lui chiama lo stile del libro di storie). L’emozionale (o secondo tema) è caratterizzato dal personaggio di Kim nonna mentre racconta alla sua nipotina la favola prima di andare a letto. Elfman affermò che questo era l’originale Tema di Edward così come una possibile musica per il tema principale, ma sia il regista che il musicista decisero di abbandonare l’idea. Ice Dance, la composizione più riconoscibile, conclude il terzo ed ultimo tema.
Altro grandioso esempio di utilizzo corale si trova in Amistad (id., Seven Spielberg, 1997), in cui John Williams utilizza il doppio coro: polifonico a quattro voci più coro di bambini, che, come si nota nel seguente passo, sono associati in unisono alle parti femminili di soprano e contralto, lasciando a sé i registri maschili (tenori e bassi):
J. Williams, Dry Your Tears, Afrika da Amistad (id., Steven Spielberg, 1997, batt. 100-104.
Infine non si può non citare l’impiego del coro per effetti oscuri e drammatici nella trilogia di Il signore degli anelli, soprattutto nel primo film La compagnia dell’anello (Lord of the Rings: The Fellowship of Ring, Peter Jackson, 2000), in cui il compositore Howard Shore riesce a rendere una perfetta atmosfera cupa e misteriosa, ma anche grandiosa in alcuni passaggi, con l’unione di coro ed orchestra sinfonica.
CAPITOLO 11: ARCHI
1. Violino.
Gli strumenti ad arco (più semplicemente chiamati archi) sono strumenti della famiglia dei cordofoni, nei quali la vibrazione delle corde è sollecitata da un archetto su cui viene teso un fascio di crini di cavallo. Lo sfregamento o la percussione dell’archetto sulla corda genera un suono di frequenza inversamente proporzionale alla lunghezza ed allo spessore del segmento di corda interessato. La cassa armonica ha una speciale rientranza su entrambi i lati, che consente al musicista di azionare agevolmente l’archetto sulle corde. La sezione degli archi, in orchestra, è stata la prima ad essere pienamente sviluppata ed utilizzata dai compositori nel corso dei secoli e, tuttora, riveste un ruolo di primo piano in qualsiasi composizione sinfonica, anche, quindi, destinata al cinema. Alcune ragioni della preferenza nutrita dai compositori per gli archi sono la straordinaria estensione, che copre sette ottave tra i contrabbassi e i violini; il colore timbrico omogeneo su tutta l’estensione; l’ampia gamma dinamica che va da un pianissimo quasi inudibile ad un consistente fortissimo; la versatilità degli effetti (con arco, pizzicato, staccato ecc.); la capacità di mantenere il suono a lungo, con una continuità non ostacolata dalla necessità dell’esecutore di respirare, a differenza degli strumenti a fiato. Violino, viola, violoncello e contrabbasso costituiscono la base della moderna orchestra sinfonica e sono così suddivisi: violini primi (da 12 a 18 esecutori, a seconda del tipo di sonorità che si vuole ottenere), violini secondi (da 10 a 16 esecutori), viole (da 8 a 12), violoncelli (da 6 a 10), contrabbassi (da 4 a 10).
Il violino è lo più piccolo tra i membri della famiglia degli archi, capace di realizzare note più acute rispetto agli altri strumenti che la costituiscono. La corda più bassa (e quindi la nota più bassa ottenibile) è il Sol subito sotto al Do centrale (Do3); le altre corde sono, in ordine crescente, il Re3, il La3 e il Mi4. Le parti per violino utilizzano sempre la chiave di Sol, detta comunemente
chiave di violino. Quando devono essere eseguite note e passaggi particolarmente acuti si usa un’apposita indicazione che avvisa di trasportare le note interessate un’ottava sopra.
Come per tutti gli altri archi, timbri ed effetti particolari posso essere ottenuti impiegando il violino in differenti modi. Un risultato particolare è quello ricavato dal suono della cosiddetta corda vuota, ossia della corda senza che vi si trovi alcun dito della mano sinistra. La corda vuota dà il suono della nota corrispondente (Sol, Re, La, Mi), con una determinata connotazione, derivante dall’assenza dell’azione di smorzamento di un dito e dal fatto che non è possibile l’azione del suono vibrato. Un effetto abbastanza singolare che viene ottenuto per mezzo della corda vuota è il barriolage. Per realizzarlo, il violinista esegue la stessa nota di una delle corde vuote (necessariamente il Re, il La o il Mi) sulla corda immediatamente più bassa, quindi sposta l’archetto con un movimento rapido ondeggiante, a mo’ di serpente, provocando alternativamente la vibrazione della corda vuota e di quella che riporta la pressione del dito della mano sinistra. Il suono ottenuto ha la stessa altezza, ma il timbro della corda vuota rispetto a quella dove si trova il dito risulta diverso. Il suono simultaneo di due corde vuote produce un suono simile a quello della cornamusa, spesso utilizzato dai compositori nella musica folk.
Il violino e tutti gli altri archi possono anche effettuare due o più suoni insieme, cosiddetti corde doppie. Le corde doppie si ottengono suonando due corde simultaneamente, eseguendo quindi un bicordo. Per realizzare un raddoppio è necessaria una grande coordinazione di movimenti e un’elevata precisione nella posizione della mano sinistra e della relativa diteggiatura: l’azione di più di un dito della mano sinistra richiede uno sforzo maggiore e grande esattezza per evitare di produrre un suono stonato. A volte è necessario spostarsi su una posizione più alta, per poter posizionare correttamente le dita sulle corde. È possibile anche suonare su tre o su tutte e quattro le corde suonando l’accordo a mo’ di arpeggio.
Il pizzicato, invece, è un effetto che si realizza quando sulla parte da suonare viene indicata l’abbreviazione pizz. sopra una o più note: il violinista, quindi, non utilizza più l’archetto ma “pizzica” la corda col polpastrello di un dito della mano destra (solitamente l’indice o il medio), in direzione parallela al ponticello, come l’arco, ma circa a metà della lunghezza della corda, ovvero al di sopra della tastiera. Il pizzicato comporta l’ottenimento di un suono ben diverso da quello prodotto con l’archetto, breve e rapido, non sostenuto. Sulla parte, il ritorno all’uso dell’archetto viene indicato con la parola arco. Talvolta il pizzicato può essere eseguito con la mano sinistra. In tal caso si indica con una crocetta sopra la nota. È possibile anche combinare il pizzicato con la mano sinistra e quello con la mano destra o eseguire il pizzicato mentre si suona con l’arco dando origine ad effetti particolari.
Il vibrato è ciò che dà “vita” al suono del violino: senza vibrato il suono risulta molto “acido” e inespressivo. È un accorgimento utilizzato praticamente costantemente dai violinisti e consiste nella variazione molto rapida, ma contenuta, dell’altezza del suono attorno alla frequenza esatta per esprimere la nota desiderata. Ciò viene ottenuto oscillando leggermente, in avanti e indietro (lungo la direzione della tastiera), il dito che preme sulla corda. Si tratta quindi di una voluta, rapidissima, successione di “stonature”. Non esiste un unico tipo di vibrato: esso è innanzitutto molto personale, dato che si tratta di un qualcosa di prevalentemente istintivo; inoltre il vibrato deve adattarsi al tipo di musica che si sta eseguendo. Se per la musica romantica è richiesto un vibrato abbondante ed energico, per la musica del classicismo è necessario contenersi e trovare un vibrato continuo ma equilibrato. Alcuni generi musicali richiedono un uso limitato del vibrato, se non addirittura da escluderlo del tutto: fino a non molto tempo fa si riteneva che dovesse essere insegnato come qualcosa di necessario e dato per assunto a meno che la notazione musica non richiedesse espressamente il contrario; con l’avvento di uno studio più critico e filologico della musica del periodo barocco ci si è resi conti che il vibrato anticamente era un effetto, un
vero e proprio abbellimento che la prassi esecutiva dell’epoca indicava di eseguire in casi ben specifici e non indiscriminatamente su di un intero brano musicale. Il vibrato viene anche considerato come un’impronta digitale dei grandi interpreti, proprio per la singolarità fisico/corporea di ogni esecutore che rende il suono personalissimo.
Il suono del violino può anche essere alterato per mezzo della “sordina”, un piccolo blocchetto che può essere in gomma, in legno o in metallo, e che viene agganciato al ponticello, di solito in mezzo alle due corde del Re e del La. Smorzando le vibrazioni del ponticello stesso, provoca l’emissione di un suono più dolce e delicato, con minori armoniche sopra ogni nota che viene suonata. Viene spesso utilizzato anche per studiare con un suono di volume più basso, ma anche nelle esecuzioni, dove sia richiesto un suono più smorzato. Naturalmente il violino emette un suono più forte quando l’esecutore sposta l’archetto più velocemente o esercita una maggiore pressione sulla corda. I due metodi non sono equivalenti, dal momento che producono suoni con timbri diversi: la pressione sulle corde tende a provocare un suono più aspro e più intenso. Anche la posizione in cui l’archetto mette in vibrazione la corda influenza molto il timbro. Suonando vicino al ponticello (con indicazione sul ponticello nella partitura) si ottiene un suono più intenso del solito, con un’enfasi sulle armoniche più alte; suonando invece spostandosi con l’archetto verso la parte opposta, in direzione del manico, fino al limite o sopra la tastiera (sul tasto) produce un suono più etereo e delicato, con un’enfasi sulla fondamentale.
Vediamo ora, una per una, le tecniche sopra descritte come sono state usate nell’ambito della composizione cinematografica. Grandi sonorità sono ottenute con l’impiego del tema disposto e raddoppiato su varie ottave a tutta la sezione degli archi, mentre il resto dell’orchestra sostiene le armonie necessarie. Nel seguente esempio si può notare come John Williams impiega questo procedimento nel finale di in Cuori ribelli (Far and Away, Ron Howard, 1992), dove è anche indicato per i primi violini, alla battuta 273, l’avviso di trasportare le note interessate un’ottava
sopra (se la parte fosse scritta con note reali risulterebbe troppo in alto e quindi, a livello grafico, di difficile lettura):
J. Williams, Suite From Far and Away da Cuori ribelli (Ron Howard, 1992), batt. 268-274.
Per determinati effetti lirici, nel cinema è stato frequentemente impiegato anche il violino solista accompagnato dal resto degli archi. Un celebre esempio di grande contabilità lo si trova in Schindler’s List (id., Steven Spielberg, 1993), dove l’interpretazione del celebre Itzhak Perlman contribuisce ad un’ottima fusione di solista-orchestra. Nella parte dei secondi violini, inoltre, si possono distinguere anche le indicazioni sui suoni delle corde doppie (in questo caso realizzati, per motivi di praticità, con l’impiego degli archi divisi):
J. Williams, Theme From Schindler’s List da Schindler’s List (id., Steven Spielberg, 1993), batt. 6-10.
Per l’impiego delle corde doppie (ottenute in orchestra, sempre per motivi di praticità, dividendo gli archi) ecco un bellissimo esempio: l’inizio di Yoda’s Theme in L’impero colpisce ancora (The Empire Strikes Back, Irvin Kershner, 1980), dove gli accordi dell’armonia sono disposti ad archi divisi tra violini primi, secondi e viole, mentre i violoncelli rinforzano il tema dai quattro corni e i contrabbassi, con lunghe note fisse, costituiscono una buona base armonica:
J. Williams, Yoda’s Theme da L’impero colpisce ancora (The Empire Strikes Back, Irvin Kershner, 1980, batt. 1-5.
Un caratteristico uso del pizzicato, invece, lo si trova del virtuosistico brano Devil’s Dance da Le streghe di Eastwick (The Witches of Eastwick, George Miller, 1987) per violino solo e pianoforte, in cui John Williams sperimenta moltissimi effetti tipici del violino solista. Da notare il cambio da pizzicato ad arco appositamente indicato sulla partitura:
J. Williams, Devil’s Dance da Le streghe di Eastwick (The Witches of Eastwick, George Miller, 1987, batt. 1-4.
Per l’impiego della sordina un buon esempio lo si trova nell’esposizione del tema del brano Princess Leia’s Theme in Guerre stellari (Star Wars, George Lucas, 1977), in cui la melodia del tema dei due corni all’unisono è sostenuta da un semplice accompagnamento di violini primi e secondi, senza il resto della sezione degli archi, con apposita indicazione sord.:
J. Williams, Princess Leia’s Theme in Guerre stellari (Star Wars, George Lucas, 1977), batt. 5-9.
Anche in altri film della Hollywood degli anni ’70 e ’80 come Incontri ravvicinati del terzo tipo (Close Encounters of the Third Kind, Steven Spielberg, 1977), sempre musicato da John Williams, o Aliens - Scontro finale (Aliens, James Cameron, 1986), con musica di James Horner, si possono trovare esempio di uso di soli violini che creano un particolare contrappunto fra le loro linee impiegando, di frequente, suoni ottenuto con le doppie corde.
2. Viola.
La viola discende direttamente dalla viola da braccio medioevale, che si suonava appoggiata sulla spalla allo stesso modo del violino. Si distingue da quest’ultimo per le dimensioni leggermente più grandi, per l’estensione (è accordata una quinta sotto) e per il timbro (molto più profondo e meno brillante). La tecnica della mano sinistra e dell’arco sono le stesse del violino, ma la chiave di lettura è quella di contralto. Il timbro della viola è dolce e morbido, caldo e rotondo, e si presta molto bene ad eseguire le voci interne dell’armonia. Erroneamente si pensa
che non sia uno strumento molto diffuso: motivo di ciò è il repertorio solistico piuttosto scarno
rispetto alla mole di composizioni dedicate al violino. In realtà l’uso della viola è necessario sia nella musica orchestrale che in quella cameristica, tanto quanto il violino e il violoncello, occupando nell’armonia classica a quattro voci lo spazio del contralto, tant’è che nel quartetto d’archi il suo uso è imprescindibile. Fino alla prima metà del XX secolo pochissimi interpreti si sono dedicati ad uno studio virtuosistico dello strumento dissuadendo i compositori dallo scrivere concerti solistici dedicati. Solo l’avvento di strumentisti quali Lionel Tertis, William Primrose e Paul Hindemith (compositore di fama egli stesso) ha fatto sì che l’attenzione degli autori portasse ad una produzione solistica degna di questo magnifico strumento. Esempio fulgido ne è il Concerto per viola e orchestra di Bela Bartòk. In Italia i maggiori solisti del XX secolo sono stati Dino Asciolla, Bruno Giuranna e Luigi Sagrati.
Un buon esempio di uso di accompagnamento armonico delle viole nel cinema lo si può trovare nel seguente passo di James Horner:
J. Horner, Vento di passioni (Legends of the Fall, Edward Zwick, 1994), batt. 40-47.
Come si nota da questo esempio le viole accompagnano il romantico tema del film con una serie di bicordi che rendono l’atmosfera sinfonica del brano sfumata ed ondeggiante grazie al movimento legato delle crome.
Anche se l’impiego della viola in orchestra è, come si è visto, fondamentale, tuttavia ancora rimane l’idea di considerarla come strumento d’armonia anziché solistico e tale è restata la concezione anche nella musica classica, nonostante Bach e Mozart abbiano scritto
occasionalmente pezzi solistici o concertanti per viola. È stato Berlioz il primo a darle una voce veramente indipendente all’interno dell’orchestra.
3. Violoncello.
Il violoncello è dotato di quattro corde, accordate ad intervalli di quinta giusta, e si suona da seduti tenendo lo strumento tra le gambe, poggiato su un puntale presente nella parte inferiore dello strumento. L’esecutore muove l’archetto trasversalmente sulle corde. Il nome è di origine italiana e significa “piccolo violone” : il violone è uno strumento musicale obsoleto, una grande viola, simile ad un contrabbasso. Il violoncello è strettamente associato alla musica classica: è parte dell’orchestra, del quartetto d’archi e di molti altri gruppi di musica da camera. Molti sono i concerti e le sonate scritte per violoncello. L’archetto viene fatto scorrere sulle corde, le dita della mano sinistra possono agire sulla tastiera premendo sulle corde per diminuirne la lunghezza, modificando così la frequenza del suono ottenuto. Come gli altri strumenti ad arco, anche il violoncello può essere pizzicato, sollevando le corde con l’ultima falange e rilasciandole. Il violoncello produce un suono ricco, profondo e pieno di energia. Ha il suono più grave tra gli strumenti del quartetto d’archi ed è ritenuto da alcuni uno strumento che produce un suono molto coinvolgente ed il più simile alla voce umana.
I violoncelli fanno parte dell’orchestra sinfonica classica, generalmente in un numero compreso tra quattro e dodici. La sezione dei violoncelli, nella dislocazione abituale, è nel palco sinistro (a destra rispetto all’uditorio), sulla parte anteriore e sul lato opposto alla sezione occupata dai primi violini. Alcune orchestre preferiscono un diverso tipo di dislocazione, collocando la sezione dei violoncelli nella parte anteriore centrale, (disposizione “alla tedesca”) tra i primi violini e i
secondi violini. I violoncelli costituiscono una parte fondamentale nella musica per orchestra; tutte le opere sinfoniche prevedono la sezione dei violoncelli e sono molti i brani che richiedono solo i violoncelli o persino un solista. Per la maggior parte i violoncelli forniscono parte dell’armonia al suono dell’orchestra, ma in molte occasioni l’intera sezione esegue la melodia portante del brano, prima di ritornare alla parte armonica. Esistono anche concerti per violoncello, che sono costituiti da brani orchestrali in cui un violoncello solista, di solito affermato, è accompagnato dall’intera orchestra. Sebbene lo strumento non sia comunemente utilizzato nella musica popolare, lo si può trovare impiegato anche in diverse interpretazioni di musica pop e rock. Tra i rari gruppi che ne fanno uso, i gruppi italiani Rondò Veneziano, i Pooh e Perturbazione, poi gli Apocalyptica, un gruppo di violoncellisti noti per le loro versioni di canzoni heavy metal il cui stile è ormai noto negli Stati Uniti come cello rock, ed i Rasputina, un gruppo, anch’esso statunitense, di stile piuttosto eclettico composto attualmente da due violoncelliste ed un batterista. Nelle versioni acustiche delle canzoni della band Evanescence, cantate da Amy Lee, è spesso presente il violoncello accompagnato da pianoforte e da chitarra folk.
Al cinema l’uso del violoncello solista, o di tutta la sezione, è presente molto frequentemente. Uno degli impieghi più celebri si trova in Lo squalo (Jaws, Steven Spielberg, 1975): i suoni inizialmente bassi e tenuti e poi sempre più staccati rendono un effetto minaccioso e costituiscono il tema principale del film. Per un uso cantabile ecco un buon esempio:
J. Williams, Raiders March da I predatori dell’arca perduta (Raiders of the Lost Ark, Steven Spielberg, 1981), batt. 71-76.
La sezione dei violoncelli è qui impegnata da sola nel tema d’amore del film, accompagnata con note fisse e gravi dei contrabbassi che sorreggono le armonie e lievi colori dei fiati. L’effetto ottenuto da quest’uso dei violoncelli è di grande contabilità, specie nelle tessiture alte.
4. Contrabbasso.
Il contrabbasso è lo strumento con il suono più grave di tutti gli archi (se si esclude il rarissimo octobasso): le quattro corde producono rispettivamente dalla più acuta alla più grave i suoni SOL-RE-LA-MI in accordatura da orchestra. Per indicare con più precisione la reale altezza di una nota, viene utilizzata una nomenclatura che affianca al nome della nota un numero. Questa numerazione inizia dalla nota più bassa del pianoforte (la−2) fino alla nota più alta (do7). Esistono anche altre accordature, quali quella italiana da concerto (consistente nell’alzare l’intonazione delle corde di un tono) e quella viennese. Esistono anche contrabbassi a cinque corde, in cui la più grave è generalmente un do1 o un si-1. In orchestra il contrabbasso ha raramente una funzione solistica, per via del suo suono estremamente basso. Ha però una funzione indispensabile nell’amalgamare i suoni e dare sostegno agli strumenti acuti ed è lo strumento che, di solito, tiene il basso armonico della melodia dell’orchestra. Il contrabbasso più utilizzato nell’epoca classica fu quello a quattro corde non per qualche pregio particolare, ma perché i più grandi compositori del tempo erano dell’area tedesca (Mozart, Haydn, Beethoven) e tale tipo di contrabbasso nella loro zona era il più costruito e richiesto. Richard Wagner scrisse anche delle musiche orchestrali in cui compariva il basso a cinque corde (di origine nordica), ma è raramente utilizzato. Nel corso del XX secolo il contrabbasso ha trovato un naturale campo di sviluppo espressivo nella musica dei neri d’America, ossia nel blues e nel jazz: soprattutto in
quest’ultimo genere musicale il contrabbasso ha trovato la possibilità di elevarsi, da strumento di mero accompagnamento e sostegno armonico, a vero e proprio strumento solista. Inoltre, sempre nel jazz si è andato sviluppando lo stile tipico di accompagnamento col contrabbasso: il Walking Bass. Il nome di questo stile deriva dalla particolare suggestione offerta dalla linea del contrabbasso: le note sembrano seguirsi l’una dopo l’altra così come i piedi che si alternano quando si cammina (to walk, in lingua inglese, significa camminare). In campo jazzistico solitamente il contrabbassista domina sia il walking che l’improvvisazione solistica, ma questo non comporta che il contrabbassista si esibisca in solismi durante ogni brano eseguito, così come non sempre egli accompagnerà in walking gli altri musicisti, preferendo altri modi di accompagnamento (anche se questa è un'eccezione alla regola). Tra i migliori contrabbassisti del jazz troviamo Ron Carter, Oscar Pettiford, Ray Brown, Stanley Clarke, Red Callender, Dave Holland e John Patitucci. Un posto d’onore va riservato a una figura particolare: Charles Mingus, compositore, pianista, genio riconosciuto del jazz e da molti considerato il migliore contrabbassista nella storia di questo genere musicale.
In campo cinematografico il contrabbasso, oltre a sorreggere l’intera orchestra, è stato impiegato anche in effetti di atmosfera cupa e misteriosa come in diversi passi della colonna sonora do Il signore degli anelli, principalmente nel primo episodio La compagnia dell’anello (Lord of the Rings: The Fellowship of Ring, Peter Jackson, 2000), dove si sperimentano i più diversi effetti: pizzicato, legato, note tenute e il tremolo, con la sua caratteristica atmosfera oscura.
APPENDICE: ESEMPI DI ORGANICI ORCHESTRALI
Diamo di seguito la composizione dell’organico orchestrale originale di alcuni film e serie televisive particolarmente importanti per la concezione sinfonica delle loro colonne sonore.
Un tipo organico sinfonico del cinema hollywoodiano contemporaneo prevede orchestre dai 60 elementi in su, come nel seguente esempio.
Guerre stellari (Star Wars, George Lucas, 1977):
1 ottavino
2 flauti
2 oboi
2 clarinetti in Si bemolle
1 clarinetto basso in Si bemolle 2 fagotti
4 corni in Fa
3 trombe in Si bemolle 3 tromboni
1 tuba timpani
2 percussioni
1 arpa
1 pianoforte / celesta violini I
violini II viole violoncelli contrabbassi
A volte si ricorre volutamente ad organici ridotti, quasi cameristici, per film più intimisti o per ottenere sonorità sfumate. Ad esempio in Schindler’s List (id., Steven Spielberg, 1993) l’organico scelto da John Williams per il tema principale è il seguente:
3 flauti
1 corno inglese
3 clarinetti in Si bemolle 2 fagotti
1 corno in Fa 1 percussione
1 arpa
1 celesta violino solo violini I violini II viole violoncelli contrabbassi
Per fare un confronto invece con le produzione italiane diamo si seguito l’organico originale di una serie televisiva di concezione “cinematografica” come Elisa di Rivombrosa (Cinzia Th Torrini, 2003). Come si può vedere, in questo caso è stato impiegato anche un coro ed i sintetizzatori. Tale tipo di organico si differenzia notevolmente dagli esempi hollywoodiani suddetti per l’introduzione di strumenti elettronici fusi con l’orchestra di impianto tradizionale. La musica è di Savio Riccardi ed è stata registrata nello studio ICN di Praga e nello Splash Studio di Napoli tra il novembre 2002 e il gennaio 2003:
2 flauti
2 oboi
2 clarinetti in Si bemolle 2 fagotti
2 corni in Fa 3 tromboni timpani percussioni
coro (6 soprani - 6 contralti - 4 tenori) sintetizzatori
14 violini I
12 violini II
10 viole
8 violoncelli
6 contrabbassi
Da ultimo, per prendere in esame anche l’organico originale di un film italiano destinato alle sale cinematografiche, possiamo analizzare l’esempio di Le fate ignoranti (Ferzan Ozpetek, 2000). Si può notare come l’organico sia nettamente inferiore sia ai modelli americani sia a quello di Elisa di Rivombrosa, soprattutto nella sezione dei legni e degli ottoni (quest’ultima
quasi inesistente), in favore, invece, di un’ampia sezione ritmica (percussioni e strumenti a corda di accompagnamento come chitarra e basso). La musica è di Andrea Guerra interpretata dalla Bulgarian Symphony Orchestra registrata allo Studio 1 BNR di Sofia:
1 flauto
1 clarinetto in Si bemolle 2 fagotti
1 corno in Fa timpani
1 batteria
1 arpa
1 chitarra
1 chitarra basso
1 pianoforte
1 voce
12 violini I
10 violini II
8 viole
6 violoncelli
4 contrabbassi
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