Romanticismo la revolución en el arte

 

TEMA 2
ARTE Y REVOLUCIÓN: EL ROMANTICISMO
1.- INTRODUCCIÓN.
La evolución del Neoclasicismo se hace de forma paulatina en la 2ª mitad del XVIII

Royal Pavillon, John Nash, 1815-1823
Algunos autores hablan de un pre-Romanticismo, o el cambio de Haydin a Chopen. Se pasa de la Enciclopedia al mundo afectuoso, del predominio de la razón al predominio de los sentimientos.
El periodo pre-Romántico es la transición que aparece a mediados del XVIII. El final es la llegada plena del Romanticismo. Oficialmente se inicia en 1815-1830 y estuvo vigente durante la primera mitad del XIX. Podemos datar su final en torno a 1848, año de la publicación del Manifiesto Comunista.
2.- LA ARQUITECTURA ROMÁNTICA.
En la Arquitectura se empieza a abandonar el interés por el mundo clásico y se empieza a mirar a la época medieval (literatura medieval) que considera que era una época de misterio, de leyendas.
Es la primera vez que se valora la Edad Media, que se resucita por todos sus elementos y valores, hasta entonces denostados.
Busca la inspiración y la revitalización de los estilos medievales. Se comienza a valorar el gótico, también el arte románico, el arte musulmán y el arte oriental (India).
Políticamente estamos en la época de los imperios coloniales. El historicismo triunfa plenamente.
La Literatura contribuirá también en gran medida. Víctor Hugo escribe “Nôtre Dame de Paris”, que además es en esta época del XIX cuando se va a restaurar. Alejandro Dumas ambienta sus novelas en castillos medievales: Los tres mosqueteros. Chateaubriand publica “El genio del Cristianismo”. Esta novela zanja el enfrentamiento entre arquitectura neoclásica-medieval.
Chateaubriand habla de la construcción de las Catedrales como las raíces del cristianismo frente a la antigüedad greco-romana. Teoriza sobre la importancia histórica de la Cristiandad.
En una primera época se restauran edificios antiguos. Se restauran en esa época Nôtre Dame de Paris, la catedral de Rouen, la Abadía de Saint Denis en Francia; los Colegios de Cambridge, el Castillo de Windsor en Inglaterra; se finaliza la catedral de Colonia.
Los procesos de restauración son provechosos para los arquitectos, pues aprenden las esencias del gótico. Así luego se realizarán obras con ese estilo una vez aprendidos los entresijos del citado estilo. Cierto es que se realizaron nuevos edificios pero de menor importancia que la de los restaurados.
Uno de los arquitectos más importantes de la época Violet-le-Duc era partidario de frenar el deterioro de los edificios y de restaurar de una manera científica, es decir recuperando el estado original del edificio revisando documentación antigua y eliminando todo lo añadido en el tiempo. En cambio otros preferían las ruinas, algo muy en boga durante el Romanticismo. También hubo quien propuso darles nuevos usos a los edificios.
Violet-le-Duc habla de “repristinar”. Para ello se tiene que echar mano de la tecnología. Nacen en esa época las escuelas de ingeniería. Los ingenieros crean tecnología. Esto producirá un enfrentamiento entre “artistas” o arquitectos y “técnicos” o ingenieros.
Es en esta época cuando aparecen los “neos”. Así el neogótico, el neorenacimiento, neomudejar. Incluso, aunque posteriormente, el modernismo es también un historicismo.
Veremos pues una serie de arquitectos y edificios.
Inglaterra
En Inglaterra el gótico es el estilo nacional hasta Isabel I. Curiosamente en Inglaterra no hay Renacimiento. Los ingleses desarrollan un gótico propio, el llamado gótico Tudor.
Inglaterra inicia la revolución industrial a finales del XVIII, con el añadido del desarrollo de su imperio colonial. Se van a restaurar edificios antiguos, pero también se van a levantar nuevos como el Royal Pavillon.
Royal Pavillon


Remodelación de un edificio residencial clasicista. Se transforma radicalmente. Parece un escenario de las Mil y una noches. Tiene un claro talante oriental relacionado con la expansión colonial de la época.
Presenta elementos chinos, de origen hindú, bizantino o musulmán. Cúpulas hindúes, minaretes musulmanes, arcos de herradura musulmanes.
Se utilizó por vez primera la columna de hierro fundido, una verdadera revolución para la época e incluso en algunas zonas quedaba el hierro al descubierto.
Parlamento británico

1840-1852 de Charles Barry y Augustus Pugin.
Se realizó como consecuencia de un incendio. Es un edificio representativo del neogótico romántico inglés.
Obedece a la tradición gótica de Inglaterra, al origen medieval del Parlamento británico y que se restaura en la época del Romanticismo. A pesar de ser neogótico tiene una planta clasicista (partes interiores, patios, etc.)
Nôtre Dame

Eugene E. Viollet-Le-Duc y J. Baptiste-Antonie Lassus
A partir de los años 40 inició una serie de restauraciones que le dieron conocimientos sobre el gótico. Su obra más importante es la restauración de Nôtre-Dame que fue atacada durante la revolución francesa y agredida por el paso del tiempo.
Remodeló la portada, la fachada y en esta restauración aplicó el rigor histórico. Estudió su pasado para dejarla igual. Incluso acudió a las mismas canteras de la piedra original. Redactó un memorial sobre el proyecto anotando todos los cambios operados.
3.- LA PINTURA ROMÁNTICA
Romántico es un vocablo de origen inglés que aparece con un talante peyorativo. Aparece en el siglo XVIII para denominar aspectos de la realidad imaginarios e irreales, ilusorios, quiméricos. Este término ha tenido mucho éxito y nadie se ha atrevido a cambiarlo. No vamos a ser nosotros.
Cronológicamente hablamos de 1800 a 1848, primera mitad del XIX. Algunos hablan de 1815 (Congreso de Viena), pero este es un periodo pre-romántico, preludio de un romanticismo pleno.
La obra de Napoleón tiene protagonismo en el movimiento romántico. Napoleón intentó uniformizar el Imperio y algunos territorios vuelven la vista atrás para recuperar sus tradiciones y valores que entroncan con su historia y lengua. La uniformidad cultural que pretendió expandir Napoleón hizo surgir “lo propio y distintivo”.
El Romanticismo abre una nueva sensibilidad frente al Neoclásico. El Romanticismo desarrolla la idea del individualismo frente a las normas impuestas por las Academias. Hubo en interés de explorar nuevos horizontes, cansados ya de lo anterior.
Kant, cuando afirma que no existe un código de belleza único está atacando al código de belleza neoclásico. Cada tiempo debe proporcionar su código de belleza propio.
Otros autores como Fitke o Schelling se consideran pilares de la ideología y filosofía romántica.
Los artistas más renovadores empiezan a ver las Academias como algo pasado de moda. Las nuevas experiencias artísticas no se darán en ellas sino fuera de las mismas, en las Academias privadas no institucionalizadas.
En general, el Romanticismo intentó sustituir el culto a la razón por el mundo de los sentimientos, de los afectos, tanto positivos como negativos. Gusta de reflejar estados donde el mundo afectivo se manifiesta sin ningún tipo de control.
Se reflejan temas como la soledad, el odio, la muerte trágica, el misterio, etc. La noche es la gran aliada de los románticos. La aventura también es una temática o incluso lo macabro.
El desprecio por el racionalismo hizo que los artistas se inspiraran en aquellos periodos de la historia donde el racionalismo era algo secundario, como por ejemplo la Edad Media.
El pasaje es uno de los géneros pictóricos que surge con fuerza, la naturaleza protagonista, como algo que no se domina, que es irresistible.
Se aboga más por la intuición que por la razón. Los románticos son los primeros en valorar la Edad Media. Gustan en evocar esta época, y sobre todo miraron a las culturas del lejano y próximo Oriente: India, China, el mundo musulmán. Este mundo resulta misterioso por lo alejado de lo racional. La pintura será donde se expresen estas nuevas formas de ser y de pensar.
Toda esta nueva sensibilidad trae consecuencias:
- El predominio del dibujo, cede a la expresión del color, al dinamismo en la acción. El color lo es todo.
- En el campo de la música empezará a atacarse la tonalidad, surge el cromatismo (semitonos).
- Cambio en los géneros artísticos. Aparece con fuerza el paisaje, el cuadro de género y el retrato romántico.
El paisaje
El paisaje es el género mas querido del Romanticismo. Apenas había tenido protagonismo en la tradición occidental. No había existido en la Edad Media y se recuperó en el Renacimiento para dar sentido de profundidad. Algo similar sucedió en el Neoclasicismo.
En muchas obras la anécdota es el personaje. El paisaje se convierte en el elemento protagonista. En algunas obras es el único elemento.
Además el paisaje se pinta ahora en contacto con la naturaleza, no como antes que se hacía en el estudio. Los pintores toman contacto con la naturaleza, la sienten, la transmiten, toman notas y apuntes, notas de color de humedad.
El paisaje no es un paisaje dominado, sino un paisaje indómito y salvaje. El artista romántico intenta representar las fuerzas de la naturaleza desatadas. Se intenta representar la inmensidad de la naturaleza. Aparecen las tempestades marinas, naufragios, cielos acechantes, montañas rocosas de gran tamaño, abismos profundísimos.
Las montañas son un tema redundante pues representan lo sublime de la naturaleza. La magnitud de su representación genera algo de miedo en el espectador por su grandeza, por esa idea de vacío entre dos montañas.
El interés por el paisaje convirtió a los pintores en exploradores, excursionistas que buscan elementos y enfoques nuevos. También se presentan paisajes solitarios, sin hombres en el mismo. Aparecen castillos ruinosos, antiguas abadías, cementerios.
Se pretendía al pintar estas visiones sumir al espectador en sentimientos de melancolía, misterio, etc.
En España la desamortización dejó como consecuencia edificios abandonados. Esa idea de edificio en ruinas, consumido por la naturaleza también era sumamente atractiva para los románticos.
La literatura también jugó su papel en este movimiento para alentar todas estas temáticas.
Cuadros de género
Considerado como secundario, lo importante era el retrato, la pintura histórica y religiosa. Cobra interés en detrimento de los temas mitológicos.
También toma importancia el tema militar. Hay guerras de los Estados-Nación que se independizan y que son objeto de consideración de los artistas.
El retrato romántico
Se vio afectado. Cambia la forma de representar a las personas. Pierde esa idealización que se venía realizando hasta ahora y se pierde en las profundidades del alma. Los personajes expresan amor, melancolía, pasión, ternura, soledad y cualquier otro estado de ánimo.
No se trata de relatos psicológicos, sino de representar estados anímicos pasajeros.
4.- EL ROMANTICISMO PICTÓRICO ALEMÁN
Una figura destaca por encima de todos: Caspar-David Friedrich. Desarrolla su pintura en Alemania vinculado al paisaje. Intenta representar la naturaleza de forma mística, de forma personal. La aportación más importante es la pintura de paisajes. Como él mismo afirma:
- “Un pintor ha de pintar no sólo lo que ve ante sí, sino lo que ven en el interior de sí mismo”.
Hay pues una aportación personal. Él buscó en sus obras representar objetos subjetivos, aquellas vivencias que tenía a través del paisaje. Es un paisaje vivido y modificado por él. Se pretende una sintonía pintor-espectador, hacerlo copartícipe de esa vivencia.
Autorretrato


Monje frente al mar, 1809

Se inspiró en le paisaje y eliminó todos los elementos que existían (barcas, etc.) y cualquier motivo anecdótico para que el espectador pueda percibir la idea de intensidad. Es casi de laboratorio, puro. Sólo el fraile y unas pequeñas dunas ocupan una décima parte del cuadro como mera concesión a la anécdota.
Cuando se expuso por vez primera tuvo críticas terribles pues pensaban que el cuadro estaba vacío.
Representa la bruma (y abre el camino a Claude Monet) el mar, una duna y el monje pensativo. El monje parece querer mirar más allá de la masa brumosa. Además está de espaldas. Como dice Friedrich:
- “Cuando un paisaje está cubierto por la niebla parece mucho más sublime, ya que eleva y amplía nuestra imaginación”.
El monje es una figura medieval que representa a la Humanidad y el hecho de ser tan pequeño evocaría la sensación de desamparo del hombre ante la inmensidad.
La concepción espacial es rompedora. La inmensidad es la protagonista del cuadro. La idea de inmensidad, de vacío es una idea oriental De Oriente vienen nuevas formas de entender la vida.
Hay una subversión total de los valores. La naturaleza es grande el hombre es finito, pequeño, es dominado por la naturaleza.
Desaparece el sentido de la perspectiva. El espacio es “el mismo”.
Abadía en un roblegal, 1809-1910

Temática de ruinas. Ruina como obra del hombre vencida por la naturaleza, rodeada por ella.
En la parte delantera de la ruina hay un cementerio y un cortejo fúnebre (mundo temporal y en último plano el firmamento con la luz del sol que representa lo trascendente). Constituye una representación de lo inmanente frente a lo trascendente.
La ventana gótica es la transición entre estos dos elementos citados. La realidad que se desvanece y que se abre al paisaje. La naturaleza lo invade todo. La abadía queda reducida a una ruina rodeada de naturaleza.
Caminante frente al mar, 1818


Figura de hombre frente a la inmensidad del paisaje. Hombre en la cima de una montaña contemplando la superioridad del paisaje. Un paisaje de nieblas.
Naufragio de la Esperanza o el mar de hielo, 1823-1825

Dentro de la idea de los naufragios como temática. El naufragio es la victoria de la naturaleza sobre el hombre, sobre la técnica de este. La naturaleza como vencedora frente a la razón.
Se representa el silencio de la muerte, la tragedia, la idea de dramatismo de las fuerzas de la naturaleza. Presenta la situación de calma después de la tempestad. El espectador debe de reconstruir lo sucedido.
El azul del cielo es un puro deleite, la luz, la sombra, los destellos de la nieve, y el barco que apenas se ve. No queda nadie vivo, todos han perecido. Soledad, frío y muerte de forma conceptual, son sensaciones que entusiasmaban a los románticos.
5.- EL ROMANTICISMO PICTÓRICO BRITÁNICO.
Representado por John Constable y Turner fundamentalmente.
John Constable se inclina pronto por el paisajismo. Aprende imitando el paisaje, es decir pinta en contacto con la naturaleza. Siguió los pasos del paisajismo holandés (Rhusdael, Hoblema)
Los románticos salen a contemplar la naturaleza, toman apuntes pero luego realizan la obra en su estudio. El romántico pinta la “vivencia propia” de la naturaleza. No es una fotografía, es una recreación.
John Constable.

John Constable vivió en el condado de Suffolk la mayor parte de su vida. De él tomó los paisajes. Busca rincones, lugares en los que él mismo se siente agusto. Una vez en sintonía emocional lo que hace es pintar la experiencia, manipulando, en sentido positivo, la realidad y dándole un toque subjetivo y emotivo.
Los románticos demuestran que el paisaje tiene entidad propia, es el tema de la obra. El resto es mera anécdota. Lo esencial es el ambiente, la propia naturaleza.
En su momento los pintores románticos tuvieron problemas para que sus obras fueran aceptadas, expuestas y compradas. En esta época es cuando aparecen los primeros “marchantes” de arte.
La técnica pictórica que utilizan supone una renovación respecto del Neoclasicismo. Cambia los procedimientos. Las novedades más importantes son:
- Utiliza una materia espesa. El óleo es más espeso. La naturaleza parece más real.
- Utiliza procedimientos pictóricos poco ortodoxos: la espátula (novedad). Esto permite detalles, superficies más ricas de matices, relieves, etc.
- Utilización de colores muy sometidos a cromatismo, o lo que es lo mismo se utilizan varias tonalidades de un mismo color. La luz modifica el color.
- Gusto por lo esbozado. Las obras parecen que no están finalizadas, algunas partes semejan inacabadas. Esto hace cómplice al espectador para que imagine como es la obra.
- No utilizan el betún o manchas bituminosas. Pinta las sombras con el mismo color del objeto pero más oscuro, una gama más oscura.
- Captación de la atmósfera (referida a la humedad). Todo aquello que tenía humedad le interesa: las nubes, el agua, la niebla. Esto luego lo desarrollaron los impresionistas.
El carro de heno, 1821

Se expuso en 1824 en el Salón de París donde causó una gran impresión.
Es una escena campesina. La obra fue acogida con gran interés, pero también criticada duramente. Pretendía mostrar los efectos de la naturaleza especialmente la luz. La gama de azules en el cielo con el blanco de las nubes. Luego los ocres de las sombras de los árboles. La luz es la gran protagonista.
Obtuvo muchos bocetos previos y especialmente estudió con detalle la atmósfera. A pesar de ser un pintor típico romántico vio en la naturaleza un elemento de paz, presentándola en armonía con el hombre.
Estudio de nubes, 1822

Es un estudio para una obra posterior. Constituyen unos bocetos que reallzó para aplicar después. La nube expresa el cambio de tiempo. Estudia la meteorología desde el punto de vista plástico. Aparece el viento.
Constable se interesa por lo efímero, por el devenir, no por lo eterno. Esto era una osadía con respecto al Neoclasicismo. Por ese motivo esto se hacía en los estudios privados, no en las Academias. La pintura heróica del Neoclásico era otra.
Lo caótico era muy del gusto de los románticos.
La catedral de Salisbury y el jardín del obispo, 1828

La catedral aparece en el fondo del cuadro. Lo que tiene protagonismo son los árboles, el cielo. La catedral termina siendo un elemento más del paisaje.
La catedral de Salisbury desde los prados, 1831

Obra con una temática prácticamente similar a la anterior.
William Turner.

Fue más lejos que Constable y su pintura llega casi a la abstracción.
Lleva hasta las últimas consecuencias la frescura del paisaje, llegando a ser la atmósfera el único elemento del paisaje.
Fue un gran observador del cielo y del mar que ocupan en sus cuadros espacios enormes. El cielo y el mar son los dos grandes protagonistas de su obra. Pero un cielo y un mar tormentoso y violento. La luz, el vapor, la humedad, lo son todo.
El humo supone la introducción de los grandes avances de la técnica humana. El humo se introduce en la pintura como elemento de la modernidad, como símbolo del progreso. Turner es el primer pintor que incluye el ferrocarril en sus cuadros.
Constable y Turner tomaban bocetos para perfilar después la obra final.
El naufragio, 1805

La naturaleza acentúa su fuerza destructora. Las catástrofes marinas son un tema socorrido. En esta época se hacen viajes con barcos de vapor. El romántico se da cuenta que el hombre no puede con la fuerza del mar. De nuevo la fuerza indomable de la naturaleza.
Tormenta de nieve: Anibal y su ejército cruzando los Alpes, 1812

Cuadro histórico, que es un pretexto para presentar una tormenta de nieve. El ejército apenas se ve, se adivina. En cambio todos los elementos naturales están presentes de forma grandiosa frente a la pequeñez del ser humano.
Turner visitó los Alpes donde tomó apuntes y sufrió una fortísima tormenta en Inglaterra en 1810. A partir de estos elementos desarrolló después la obra. El cuadro no es un tema histórico sino un tema natural. El torbellino es una mezcla de agua, vapor, niebla, un elemento incontrolable de la naturaleza. (vórtice)
Tormenta de nieve y vapor a la entrada de un puerto, 1842
IMAGEN
Es una obra casi abstracta. Se cuenta que Turner pidió que le ataran a un palo de madera para sufrir una tormente.
El romanticismo abre el camino del empirismo. Este cuadro presenta elementos idénticos al anterior.
Lluvia, vapor y velocidad. El gran vapor del Oeste, 1844

Estos tres elementos son los protagonistas del cuadro. En la época de Turner, en plena revolución industrial, los hombres de ciencia dirimían acerca de si la velocidad era peligrosa para el ser humano. Hasta entonces el hombre de desplazaba por sus propios medios o montado sobre tracción animal. La tracción mecánica es hija de la revolución industrial.
Este cuadro introduce elementos de la sociedad industrial: el ferrocarril de vapor. En el se muestra a un tren que atraviesa el puente. Un tren en marcha, presentando la velocidad.
Tiene dos mitades, cielo y tierra (línea roja). El cielo tormentoso produce lluvia que con el viento crea una atmósfera especial. Hay un río y un puente que lo atraviesa por donde circula el ferrocarril.
La mirada sigue las líneas oscuras. Lo que quiere hacer Turner es representar la velocidad. Esto es algo absolutamente novedoso.
No encontramos oposición entre la naturaleza y la técnica. La atmósfera integra al ferrocarril perfectamente. Todo se convierte en una especie de continuo. Sigue teniendo un estilo abocetado e inconcluso.
Castillo de Norhaus, salida del sol, 1845-1850

El interés por la luz diluye y licúa los objetos.
6.- EL ROMANTICISMO FRANCÉS.
Representado por dos figuras: Théodore Gericault y Eugene Delacroix.
Théodore Gericault
Considerado el iniciador del romanticismo francés. Procede de una familia burguesa y su biografía, típicamente romántica, estuvo marcada por la muerte de su madre. Personaje hipersensible y turbulento, sus rasgos personales quedan reflejados en su obra. Sus dos pasiones son la pintura y los caballos. Su padre no le animó a seguir la carrera artística, sino a que se dedicara a los negocios.
Estudió en la Escuela de Bellas Artes y dentro del contexto francés rompe con la tradición davidiana (David, pintor neoclásico), potenciando el color por encima de la línea. El color adquiere protagonismo por sí mismo. Prefiere el movimiento sobre el reposo.
La fuerza el dinamismo son sus características que enlazarían desde el punto de vista formal con la tradición de Rubens que era un barroco exagerado.
Oficial de cazadores de la guardia a caballo, 1812
Muerte de Hipólito, 1816-1817.

Ambas obras de color vigoroso y gran energía.
La balsa de la medusa, 1819

Es la obra más conocida de toda su producción, y una obra típica del romanticismo. Rebosa romanticismo por los cuatro costados.
Significa una renovación del tema histórico del neoclasicismo. Es un tema de la historia reciente, no emula las viejas glorias de hechos históricos pasados de época clásica (Grecia y Roma). Refleja un hecho real que sucedió en la época.
Se presenta en 1819 en el Salón Francés y despertó, por igual, agrias críticas entre los conservadores y encendidas pasiones entre los jóvenes. Entre los motivos fundamentales por los que no gustó la obra:
- No representa un elogio de las virtudes, sino todo lo contrario.
- No pueden obtenerse consecuencias morales.
- Se trata de un hecho cercano y conocido por el público que sabían lo sucedido.
Se trata del naufragio de una fragata llamada Medusa que navegaba de Francia a Senegal y que se hundió en junio de 1816 frente a las costas africanas, por una negligencia del capitán.
El escándalo fue doble. El capitán había conseguido el mando a través de influencias que llegaban hasta el propio rey Luis XVIII. El inepto no sólo demostró su falta de pericia, sino que en el momento del naufragio tuvo la osadía de ponerse a salvo junto a los oficiales abandonando a los marinos a su suerte. Estos construyeron una balsa y estuvieron 13 días a la deriva.
Solo sobrevivieron 15 de 150, que se encargaron de contarlo con pelos y señales publicando en la prensa el relato de lo sucedido. Practicaron el canibalismo con los muertos, bebiendo sangre y comiendo carne humana.
Lo sucedido impactó hasta el estremecimiento a la opinión pública. Era un hecho con una tremenda carga emocional y que mostraba el desprecio del capitán y los oficiales por aquellos socialmente inferiores. El hecho de presentar la obra al Salón avivó más el fuego.
Gericault se informó y documentó incluso entrevistándose con los supervivientes. Acudió a hospitales a estudiar cadáveres, e incluso cabezas de ajusticiados. Habló con quien construyó la barca e incluso pintó a alguno de los supervivientes. Llegó incluso a viajar a la costa de Normandía para observar el movimiento del agua y la posición de la barca.
Con esta obra la tragedia llega al arte. Es la primera vez que además tiene un eco mediático de calibre. La obra es un cuadro de denuncia y lo que pretendía en el fondo era denunciar la corrupción y la hipocresía del régimen de la restauración pues el Rey había utilizado su poder para colocar al inepto capitán. Es una crítica lanzada al Gobierno, al Rey y al sistema político de la restauración tras el
Congreso de Viena de 1815.
Muestra hasta que punto un artista desafía al régimen político usando su libertad creativa e independencia, pues por la temática del mismo y la crítica implícita era un cuadro difícil de vender. No le movió a Gericault el interés crematístico cuando realizó la obra.
La obra presenta el momento culminante, el momento de la esperanza cuando se atisba un barco en el horizonte. Interesa la reacción de los supervivientes. Es el momento de mayor esperanza y energía. Mezcla la desesperación que se refleja en los despojos humanos (los muertos) con la esperanza del lejano barco (los vivos) que se divisa en lontananza.
Esto hace de Guericault que sea considerado un rupturista. A pesar de ello utiliza una estructura piramidal típica del neoclásico (los que se suben en alto) pero la desplaza hacia la derecha. Genera una fuga de desplaza la composición hasta la parte superior (pañuelo). Es una fuga dinámica.
El estudio del escorzo (cuerpo) es todavía muy barroco: los ademanes, cuerpos girados y vigorosos. Predominan los colores cálidos: rojos, ocres, es en definitiva una olla hirviendo.
Los colores cálidos hacen que la obra se proyecte sobre el espectador, parece como si la balsa avanza.
El contraste de la luz es barroco, es un recurso antiguo. Algunos escorzos se basan en los de la Capilla Sixtina. Exquisitos desnudos de gran belleza e influidos por la luz al estilo de Caravaggio. Así pues Miguel Angel, Caravaggio y Rubens son artistas por los que se deja influir Gericault.
Toda la composición presenta elementos claramente románticos:
- El dramatismo del tema: paso de la muerta a la vida. Desde la muerte hasta el pañuelo. Desde los cadáveres hasta los que se aúpan en alto, la tensión se refleja perfectamente. Todos miran al negro que agita el pañuelo. (detalle antirracista, pues el negro parece representar la única esperanza de vida que les queda)
- Todo el conjunto es una masa hacinada. No hay una estructura geométrica de composición. Es una convulsión, un amontonamiento.
Retrato de una loca, 1822-1823

Gericault pintó 10 retratos de locos a su vuelta de una estancia en Londres. Son de gran patetismo y de penetración psicológica. Los pinta en colaboración con un joven psiquiatra, Georget. El citado médico quería establecer el reflejo de la locura en los rostros de los individuos. Gericault pintó estos retratos para ayudar al médico en su teoría. También se ha escrito que se realizaron para ilustrar un tratado de Psiquiatría.
No es el primer artista que realiza este tipo de retratos, pero no hace una enorme penetración psicológica. A través de esa mirada ausente se reflejan los desequilibrios mentales.
Loco asesino, 1822-1823

Idem que en el anterior. Esa mirada ausente es un reflejo de la introspección.
Eugene Delacroix

Nacido en París en el seno de una familia burguesa estudió Bellas Artes y coincidió con Géricault.
En 1832 fue elegido como pintor documentalista para acompañar, a unas negociacios de paz en Marruecos, al Conde de Mornay.
Es en este viaje cuando conoce los ambientes morunos y del sur de España. Tomó innumerables apuntes que luego le sirvieron para confeccionar sus obras.
En su obra aparecen todos los grandes temas de la Edad Media: las guerras de la independencia de Grecia, algunos poetas medievales como Dante, el teatro de Shakespeare, etc.
Le interesó mucho el mundo oriental, por sus formas. Buscó inspiración en fuentes literarias, novelas de capa y espada, etc.
Se interesó por la “terribilidad” de Miguel Ángel (el juicio final), la fuerza compositiva de Rubens y el colorido de Tintoretto.
Todas estas influencias sometidas a una acción incesante. Domina perfectamente el color frente al dibujo y hace una fusión con toda la gama de la paleta.
Fue criticado, pues al igual que Goya, parece que no termina las obras. Se le achacaba que sus obras carecían de detalles y no presentaban una composición académica. Baudelaire dijo de él: “apasionadamente enamorado de la pasión”.
Plásticamente conocía bien las posibilidades de interacción de los colores. No utilizó casi el negro para los sombreados, siendo el color el gran protagonista de su obra. Utiliza el color mejor que cualquier otro pintor romántico. El mismo afirmaba: “el color es el vehículo más apropiado para representar las pasiones del alma”.
La barca de Dante, 1822

Los poetas Virgilio y Dante navegando por el infierno.
Caballo espantado por la tormenta, 1824

Las matanzas de Quíos, 1824

Presentada en el Salón de 1824, obra maestra de su juventud. Recoge un hecho histórico reciente. Evoca el asesinato de 10.000 griegos a manos turcas sucedido en 1821. El Imperio Turco se encontraba en declive y en numerosos territorios los pueblos oprimidos se alzaban en armas.
Utiliza un tema terrible y de enorme actualidad en el siglo XIX, la época de los nacionalismos. Se documentó bien para realizar la obra. Une al amor y la muerte, Eros y Tánatos.
Composición llena de triángulos, situados a los laterales. El centro queda vacío para observar el destrozo. Este espacio abierto nos lleva al campo devastado, al cielo cubierto que evoca la matanza.
Los vencidos quedan a la parte izquierda, convirtiéndolos en testigos de lo acontecido y recreándose en la sensualidad de los cuerpos desnudos.
A la derecha aparecen los turcos con bigote y turbante atacando a mujeres indefensas y heridas. Es un deseo de masacrar a un enemigo ya vencido.
Crueldad y sufrimiento extremo recorren el primer plano de la escena. Los espectadores son testigos. El artista toma partido claramente por los vencidos (griegos).
La libertad guiando al pueblo, 1830

Auténtica obra maestra, que fue presentada al Salón de 1830. Inspirada en un hecho histórico de 1830 en la Revolución Liberal de 1830 contra el rey francés Carlos X. Terminó con el último monarca absolutista de Francia (época del Liberalismo)
Se exalta la insurrección popular en París de 1830, que consiguió entronizar a Luis Felipe de Orleans, un monarca liberal que otorgará una Constitución Liberal.
Nos encontramos en París y vemos la figura de Nôtre Dame. Es la primera composición política de la pintura moderna que aboga por una ideología concreta: El Liberalismo.
Delacroix presenció los sucesos y realizó una obra muy simbólica. La libertad representada por una mujer. Por una mujer sensual, con los pechos al aire. No por casualidad se parece a la Victoria de Samotracia. De nuevos Eros y Tánatos: la muerte y la fuerza de la vida que es la mujer.
La libertad está vestida de forma humilde, como el pueblo sencillo. Incluso lleva un fusil en una mano y una bandera en la otra. Tiene una gran exaltación cromática.
Presenta una composición dramática donde el movimiento, al estilo de Rubens, queda perfectamente reflejado. El mismo autor aparece en la composición (el señor de sombrero con un fusil en la mano)
7.- EL REALISMOA FRANCÉS
Es un movimiento que significa un cambio pendular a partir del subjetivismo romántico.
Busca representar la realidad objetiva. Las fechas en las que se desarrolla este movimiento son 1848-1880. Estos son los años ortodoxos y básicos de este movimiento.
Se adapta con ciertas variantes en otros países y se prolonga hasta principios del siglo XX.
¿Qué es lo que cambia? Los artistas dejan de mirar hacia dentro, hacia su interior (sentimientos, soledades, temor, alegría, etc.) y van a contemplar la realidad que les rodea. Abandonan los temas literarios e históricos.
El propio Courbet decía: “Cada época debe tener sus artistas que la expresen y la reproduzcan para el futuro”. Ahora interesan los trabajadores del campo, los obreros y proletarios de la ciudad, los indigentes.
Podemos intuir que este movimiento es fruto de la Revolución Industrial. Por vez primera en la Historia del Arte los artistas toman conciencia de los problemas sociales, se fijan en el hombre real, en la miseria y servidumbre proletaria. Estas clases sociales entran como protagonistas en el arte.
Los artistas estaban animados por una fuerte conciencia social. No es un canto lírico del trabajo sino que representan la miseria y la servidumbre de los trabajadores. Beben en las fuentes del marxismo y del socialismo. Buscan la denuncia y el cambio de modelo social.
Denuncian los desequilibrios generados por la revolución industrial y la situación de los campesinos, víctimas del sistema feudal. Pescadores, obreros, campesinos, lavanderas, van a ser los nuevos protagonistas de las obras.
El arte nunca había reparado en ellos, pues no eran “materia noble”, no tenían interés a pesar de constituir más del 90% de la población del mundo. No interesaba ni sus hábitos de vida, ni costumbres. Ni tan siquiera las crónicas de la época se ocupaban de ellos.
El Realismo es el primer movimiento que mira hacia esa otra realidad. El fenómeno artístico también se da en la Literatura: Victor Hugo, Stendhal, Pérez Galdós. Buscan el compromiso social y político del artista. Mostrar las distorsiones y desequilibrios de las grandes bolsas de pobreza de la época. Incluso Sorolla tuvo una época realista (Dicen que el pescado es caro)
En esta época aparece la fotografía y este fenómeno tiene gran influencia en el movimiento pictórico. La fotografía era utilizada por los artistas como fuente de información. El mismo Sorolla se casó con la hija de un fotógrafo.
Estamos ante un movimiento que tiene muchos paralelismos con otras ramas de la cultura.
La historiografía de esta época comienza a utilizar fuentes y documentos históricos. También el movimiento literario del Naturalismo influye en está época: Zola, Balzac.
En el terreno político se produce el triunfo del Socialismo científico de Marx y Engels que publicaron en 1814 el Manifiesto Comunista.
En 1848-1851 se implanta la II República Francesa que traerá consigo el sufragio universal masculino.
La barricada, 1849
IMAGEN
De Louis-Ernest Meissonier, es una de las primeras obras en la línea del Realismo. No hay retórica ni símbolos. Ofrece un espectáculo brutal del cual el artista fue testigo.
Gustave Courbet
Considerado el padre y el maestro del Realismo. Formuló el nuevo movimiento y supo llegar a la esencia de la realidad. Era de origen rural pero de una familia terrateniente acomodada.
En 1838 se instala en París y en vez de estudiar Derecho, se dedica a la pintura. La Revolución Liberal de 1848 le abrió los ojos. Comienza a realizar un arte donde los trabajadores son los protagonistas.
Los picapedreros, 1850

Cuadro presentado en el Salón de 1945 y desaparecido en 1945 tras la II Guerra Mundial.
La historiografía marxista lo considera obra revolucionaria, como un ejemplo significativo del nuevo movimiento: personajes humildes. En concreto dice: “Claro ejemplo de la explotación capitalista a los proletarios”.
Uno de ellos carga un cesto, otro pica piedra. Representa al trabajador en general, sin un rostro definido, pero vilmente explotado. Parece una foto, pero no hay pose.
Se inspiró en unos picapedreros que vio en una carretera. La composición no es académica (no hay simetría ni triangulación). Es una captación del momento, de la instantánea que muestra la dureza del trabajo. La luz ilumina a los personajes y no al trabajo. La olla que se encuentra en un lado, significa que comen a pie de obra, sin apenas descanso, sentados en el suelo de cualquier manera.
El entierro de Ornans, 1849

Presentada al Salón de 1850, constituye una de las páginas más brillantes del realismo francés. Es un cuadro de enormes dimensiones y pretende trasladar al lienzo la realidad rural de su pueblo natal, el perfil de la población.
Aparece en primer plano la fosa y en torno a ella toda la comunidad popular. Predominan gamas oscuras, negros y rojos que dan sentimiento dramático. A la derecha las plañideras con cofias blancas y pañuelos (figura ser su madre y hermanas). A la izquierda el sepulturero y el cura.
Busca representar el espíritu de la clase burguesa provinciana y rural con toda su carga de valores morales e ideológicos. Las costumbres, vinculadas al tema de la muerte.
Los personajes tienen es fuerza realista en sus rostros. Es una especie de retrato colectivo: representa la sociedad tal cual, sin criticarla ni interpretarla. Se olvida de la retórica romántica y ofrece una fiel crónica social.
El estudio del pintor, 1854-1855

Courbet lo pintó para enviarlo a la Exposición Universal de 1855 pero no fue admitido. Fue criticado por los conservadores pero muy aplaudido por los jóvenes.
No es un tema nuevo, pero Courbet lo renueva. Es una gran obra de 20 m2. Tiene mas de 30 figuras de tamaño natural y está considerada como una de las principales obras del realismo.
A la izquierda, reúne varias clases sociales que distingue bien con una idea de crítica: cazador con perros, mendiga, un hindú, arte religioso, etc. cosas que considera vetustas. Hace una radiografía de los elementos que le parecen negativos. En definitiva, lo que debe cambiar.
A la derecha lo que considera positivo. Escritores y artistas amigos suyos: Baudelaire, el anarquista Proudhomme, una pareja que se abraza (amor libre). Estamos hablando de una serie de elementos positivos que hay que resaltar.
El niño es el símbolo de la inocencia. El paisaje, la naturaleza. Parece un juicio universal de buenos y malos.
Jean-Francoise Millet
Nació en una familia campesina. Su vida fue un compendio de dificultades artísticas y económicas. Fue un hombre entre dos aguas: ni muy revolucionario ni muy tradicional.
En 1837 marcha a París y entra en contacto con el Realismo. Su vida transcurrirá entre París y la zona del Canal de la Mancha.
Mas tarde, en 1849, huyendo de las turbulencias políticas de la Revolución de 1848, se instaló con su familia en una casa de campo del bosque de Barbizon, en las afueras de París. Allí, en esa zona boscosa pasó el resto de sus días. Buscó temas de la naturaleza.
Posteriormente, este bosque atraerá a los pintores impresionistas. Es lo que se ha denominado Escuela de Barbizón.
El hombre de la azada, 1850

Ambientado en la zona de Normandía. Presenta la vida rural de los campesinos, de su religiosidad. Es un mundo católico sencillo, resignado. Le interesó la vida cotidiana: el trabajo, la recogida de las espigas, el rezo del ángelus. Presenta la dura vida del campesino, pero con una cierta poesía íntima, transmitiendo sencillez.
La naturaleza siempre está presente. Es una naturaleza como escenario de la vida laboral, cotidiana, del día a día. Con un tanto de candor y una visión positiva, un tanto conformista. Se hace eco de lo vivido y trabajado.
La quemadora de rastrojos, sin fecha

Estamos ante un “socialismo pictórico” o “socialismo evangélico”. La dura vida rural está como trascendida por el sentido evangélico de la vida católica de Normandía. Pinta lo positivo de las cosas, con optimismo y resignación cristiana.
Presenta a los campesinos como héroes. Son la clase trabajadora, pero son los que hacen posible el funcionamiento de la sociedad pues suministran el alimento a todos los demás. Subyace una crítica velada hacia la burguesía ociosa que no realiza trabajos pesados que trabaja en banca, política, industria, etc. sustituyendo a la nobleza. Es la clase que se beneficia. Frente a ellos, está la modestia de los campesinos. Toda una denuncia de las clases poderosas.
El cuadro está trabajado de forma constante. Recorta los volúmenes, presenta amplios horizontes.
Las espigadoras, 1857

Trabajadas con una pincelada gruesa, con colores terrosos de la propia Normandía. Van Gogh decía de las figuras del cuadro que parecían pintadas con la propia tierra. Obra de volúmenes sólidamente construidos y de una gran nitidez.
Es una llanura soleada con un horizonte elevado que da un protagonismo absoluto a los personajes y al medio (la tierra) que es una evocación de la vida dura que llevan. Presenta una composición que recuerda en sus formas al Neoclásico.
Más allá de la belleza de los colores subsiste la dureza de la vida: las mujeres recogiendo lo que ha quedado (espigas sueltas) después de segar la cosecha. Ellas son las últimas que pasan, las más pobres.
Por encima de la belleza subyace la cruda realidad de la vida del campo. Van tapadas en su indumentaria. Son prototipos sociales de la Normandía de esa época.
El ángelus, 1857-1859

Un aldeano y su mujer rezando el ángelus.
Lo fundamental es la condición de la vida campesina. Es una obra simple. Dos personajes verticales en medio del campo, con la carretilla, el capazo y la horca, los utensilios habituales de su jornada de trabajo. Paran la labor para rezar el ángelus.
La composición presenta un rectángulo vacío pero luminoso que nos presenta la obra a contraluz. Piadosamente recogidos. Los instrumentos de trabajo refuerzan su sencillez y su humildad. La espiritualidad religiosa se evoca con ese conformismo que muestran las figuras.
Fue expuesta en el Salón de 1867 y tuvo un éxito enorme. La interpretación de la crítica del momento es contraria al espíritu que le quiso dar Millet. La crítica, burguesa como no podía ser de otra forma, afirma que el cuadro muestra a los ignorantes campesinos, alejados de la revolución y de las cosas que rodean a esta.
Honoré Daumier

Ejemplo de la corriente más beligerante y caricaturesca del Realismo. Su obra no sólo comprende la pintura sino que abarca la ilustración (periódicos, libros y litografías). Su producción gráfica se ha calculado en cerca de 4.000 estampas, la mayoría de ellas en prensa diaria.
La obra gráfica es interesante por que se hace eco de los acontecimientos del momento y de los personajes protagonistas. Daumier era como el fotógrafo del periódico, en una época que todavía no existía la fotografía. Sus ilustraciones eran como las fotografías de la época.
Daumier comenta estas cuestiones tomando partido. Es un cronista de los vicios y de las ridiculeces del XIX.
Su vida no fue fácil. Hijo de un vidriero establecido en París en 1814, trabajó desde muy pequeño. Participó en la Revolución de 1830 y fue encarcelado como consecuencia de sus ideas.
El vientre legislativo, 1834

Litografía de tema político que critica ferozmente al sistema político de Luis Felipe de Orleans. La camarilla de políticos burgueses queda caricaturizada y ridiculizada.
Muchedumbre en marcha, 1849

Su obra pictórica no es muy numerosa pues empezó a pintar tarde. Daumier se ganaba la vida con las ilustraciones para prensa, libros, etc. Esto suponía la producción gráfica orientada a la inmediatez de la entrega, frente a la producción pictórica que exige tiempos diferentes y más sosegados.
Sus obras pictóricas incluyen temas sociales. En concreto en esta toma elementos de Goya, Caravaggio y Rembrandt.
Con todos estos elementos elabora la crítica social tomando partido por los mas desfavorecidos. El tratamiento de las sombras recuerda a Goya. Aparecen personajes sencilllos como las lavanderas, los trabajadores que se desplazan en ferrocarril, los cómicos que a pesar de su triste vida hacen reir a la gente, los artistas de barracón, los emigrantes.
Todos son captados con simpatía, con humanidad pero captando el lado duro. También hay otros cuadros de la alta burquesía que ha acaparado el poder.
Toda su producción es una denuncia de ese submundo que se estableció en París, atraído por la Revolución Industrial. Pone de manifiesto esa vida dura en contraste con la vida fácil de los poderosos.
No es un mero cronista, toma partido por los pobres. Se le considera el padre de la caricatura moderna pues dibuja y caracteriza muy bien los estereotipos sociales.
Sus caricaturas más que risa producen una reflexión acerca de la vida de la realidad exagerada. Aparece una dura crítica de la sociedad.
Daumier es el primer artista que se sirvió de la prensa diaria para dar una interpretación moralista de la Historia, para aplicar un sentido crítico.
Muchedumbre en marcha, 1849

Parece inspirada en los acontecimientos de la Revolución Liberal de 1848 que dio paso a la II República Francesa. Trabaja la obra con un carácter pastoso (al estilo de Rembrandt). Representa a hombres, mujeres y niños que están obligados a huir. Es una masa compacta, sin rostros definidos, que huye de una tragedia. Pudiera reflejar las represiones acaecidas tras la revolución. Representa el drama de la huida.
Es probable que la obra de Goya “Los desastres de la guerra” le sirviera de inspiración.
Luchadores de circo, 1852
IMAGEN
Tema dramático, pues en el París de finales de mediados de siglo se practicaba la lucha grecorromana como espectáculo de masas. Presenta la idea de la crueldad humana, el hombre que lucha contra el hombre y además las masas contemplan satisfechas el espectáculo.
El hombre que se gana la vida peleando con sus semejantes mientras otros pagan por divertirse contemplando el espectáculo.
El triste luchador de la cortina, que espera su turno, mira y reflexiona sobre lo que es la vida, mientras en la arena otros dos combaten entre sí.
El público es representado como una masa. Como una jauría que presencia el espectáculo violento. El personaje esta semidesnudo y esperando su turno. La semblanza con el circo romano es cierta. (pan y circo)
Mujer con fardo y niña en lo alto de una escalera, 1855


Representa la dureza de la vida cotidiana. Las mujeres, que desde las colinas de París bajan al Sena a lavar la ropa llevando consigo a los niños acuestas. Después de lavada la ropa vuelven, con la ropa mojada que pesa más, a subir hacia las colinas.
El rostro de la mujer apenas se ve. Es intencionado, una mujer anónima que representa a todo un colectivo
Vagón de tercera clase, 1834

Dos mujeres en primer plano con el niño dormido y la cesta. Presenta el hacinamiento humano en un pequeño vagón. Se refleja la seriedad de la vida, la amargura de las mujeres. Los hombres, en segundo plano, acuden a sus trabajos.
Tres abogados conversando, 1856

Ufanos, muy seguros, conversando entre ellos. Son un grupo social poderoso e influyente, sonrientes, como depositarios de la verdad absoluta, con los legajos bajo del brazo. Legajos que nadie más que ellos entiende lo que dicen.
Al fondo aparecen las clases humildes, las víctimas de las intrigas de esos personajes. Es una crónica caricaturizada de la sociedad industrial de la época.
Edouard Manet

Nació entre algodones, hijo de una familia de la alta burguesía. Su deseo hubiera sido ser marino, pero no puedo ser.
Su posición le proporcionó una amplísima formación pictórica en el afamado taller de Couture y más tarde en la Academie Suisse, donde también se formaron muchos pintores impresionistas.
A la muerte de su padre heredó su fortuna y se hizo rico e independiente, algo no muy habitual en un artista.
A Manet se le considera un pintor realista hasta 1872. Después de esa fecha su pintura se acerca más al impresionismo. El Realismo de Manet, por contraposición a lo visto en los anteriores artistas es un Realismo aristocrático. Los personajes que aparecen en sus obras no tienen nada que ver con campesinos, obreros, proletarios, lavanderas, etc. Se encuentran en el polo opuesto de la sociedad.
Lola de Valencia, 1849

Concierto en los jardines de las Tullerías

Reunión de la Jet-Set parisina de la época en los jardines de las Tullerias mientras una banda de música militar ameniza la tarde.
Presenta una visión un tanto cómica de la realidad de la alta burguesía en sus ratos de ocio. Una multitud caótica, algo abigarrada.
Es un retrato social de la época, apareciendo en el cuadro Baudelaire, Offenbach e incluso el propio Edouard Manet, situado en el lado izquierdo.
Parece una instantánea fotográfica.
Le dejeuner sur l’herbe, 1863

Es una obra que en 1863 el jurado del Salón de París no la admitió al concurso oficial. Estamos en la época del II Imperio, en tiempos de Napoleón III. Ante esta circunstancia el rey abrió otro nuevo salón llamado Salón de los Rechazados. La pieza cambió su nombre por “El baño”.
Es una obra grande, casi de tamaño natural en la que aparecen dos hombres vestidos a la moda tendidos sobre la hierba, muy cerca de un riachuelo (el baño) donde se han bañado sus amigas.
Los jóvenes conversan. La mirada de la mujer desnuda se dirige al espectador. Está inspirada en una obra de Giorgione, Concierto campestre, pintor manierista del Renacimiento.
Las figuras masculinas están en la zona de color. Destaca el cuerpo de la figura femenina pues concentra en él toda la luz.
Manet no aplica el contraste simultáneo de colores en la composición. Se aprecia el interés por el color y la luz, típico del impresionismo.
Las gradaciones del verde son fantásticas, al igual que la transparencia del agua, incluso el ambiente de humedad de los bosques.
El tema fue considerado por el público escandaloso e indecente debido a los desnudos femeninos. No así en al composición de Giorgione. Manet baja de las alturas clásicas y lo ambiente en el Bois de Boulogne. El tema apuntaba al amor libre. Ese fue el motivo del rechazo del Salón.
Manet intentó traducir una obra renacentista a clave realista, hacerla contemporánea. Y lo hizo sin ningún tipo de cortapisa moral.
Olimpia, 1863


Expuesta en el Salón de 1875. El escándalo fue todavía mayor. La opinión pública lo tomó como una verdadera provocación. Es un desnudo a tamaño natural inspirado en Tiziano (Venus de Urbino)
De nuevo “traduce” un cuadro mitológico clásico a la 2ª mitad del XIX. Se representa a una prostituta de lujo de la época. Desnuda, de mirada fría y calculadora, lista para el trabajo, con la compañía de un gato.
Es la brutalidad de una escena que tiene un toque realista. Es un personaje real. Se presenta la trasposición de un tema mitológico a un tema real.
Emile Zola, que en su día realizó crítica de arte, destacó el carácter de pretexto del desnudo (trabaja muy bien los blancos). La valoró desde el punto de vista plástico.
Fue considerada como una obra obscena y provocadora. El interés de la obra consiste en contraponer el rojo, el negro y el blanco, tres colores que dan mucho juego (Sorolla tiene un cuadro similar).
8.- ARQUITECTURA DE LA 2ª MITAD DEL XIX
Es la llamada arquitectura del hierro. Se estudia a dos niveles. Europa y América.
La Revolución Industrial sufre un empuje a final del XIX. Este hecho, que cambió la faz de la tierra, de la organización social también tuvo sus paralelismos en la 2ª mitad del XIX.
Hay una revolución demográfica y este desarrollo de la población hace que surjan nuevas necesidades: estaciones, ferrocarril, mercados, viviendas, hospitales, escuelas, etc.
Los movimientos y partidos socialistas azuzan a las autoridades a preocuparse y dar respuesta al proletariado.
El resultado hace que aparezca una nueva arquitectura historicista. Esta nueva arquitectura se llama “arquitectura del hierro”. No es que se diera una arquitectura del hierro puro. Se levantaron productos mixtos, con cierto historicismo y tecnología de forma conjunta.
Esta arquitectura manifiesta la incorporación de todos los adelantos de la Revolución Industrial. La colaboración entre arquitectos e ingenieros se hace imprescindible.
Aparece la Escuela Politécnica para encauzar estas innovaciones. Esto no implica la desaparición de la Escuela de Bellas Artes. Este es el origen de la polémica ingenieros-arquitectos, que se prolonga hasta la actualidad.
Avances técnicos
Los principales avances técnicos fueron:
- Las vigas de madera son sustituidas por vigas de hierro.
- Aparece el hierro fundido o hierro colado.
- Aparecen el hormigón y el cemento armado.
- Se rellenan las estructuras huecas con hormigón.
- Se utiliza el cristal de manera amplia.
- Aparecen nuevos sistemas de unión como el remachado y las primeras soldaduras.
El uso del hierro comienza a generalizarse en la construcción. Hasta la fecha se oxidaba, pero su utilización es mayor pues ya se puede obtener a gran escala en la fundición (ya no se depende del yunque). Además es un hierro de mucha mayor calidad pues en el proceso se utiliza el carbón de coque, que se obtiene a partir de la hulla manipulada en laboratorio. La familia Darby fue pionera en ese método que permitía fundir más fácilmente el hierro, pues el coque proporcionaba más calor.
El hierro se consideraba muy ventajoso. Era resistente al fuego, tenía un bajo coste (abunda en la naturaleza), es fácil de fabricar y resiste enormes cargas.
A partir de 1870 se empieza a utilizar como elemento constructivo para elevar el techo de las hilaturas británicas, permitiéndoles una mayor altura en sus fábricas.
Pronto se generaliza, y a lo largo del XIX no dejó de evolucionar. A mediados del XIX se inventó el laminador universal que permite realizar vigas de grandes dimensiones.
Hacia 1880 el hierro fundido se va sustituyendo por el acero, que tiene más posibilidades que el hierro, entre ellas mayor elasticidad. Las estructuras de madera o piedra son sustituidas por estructuras metálicas dando origen a que aparezcan los primeros rascacielos.
Aparece también el hormigón y el cemento armado (Faro de Eddystine, 1774) que elabora con cal viva, arcilla, arena y escoria de hiero en polvo mezclados. Esta idea la tuvo un inglés John Smeaton, tras realizar varias pruebas.
Mas tarde se emplearía el cemento para levantar estructuras. Esto permite elevar las alturas de los edificios y paredes mas delgadas.
El cristal comienza también a utilizarse de forma amplia. Cristal asociado al hierro. Este tipo de arquitectura se utiliza en los invernaderos, luego en los museos, las salas de exposiciones, los escaparates de los grandes almacenes.
Las ventajas son grandes: la iluminación, la ventilación con láminas móviles. El vidrio había sido un problema hasta entonces, pero en el XIX ya se obtenía en hojas de tamaño 2’50 x 1,70 metros.
A esto hay que unir la aparición de nuevos sistemas de unión como el remachado y las primeras soldaduras.
Así pues se daban todos los ingredientes para hablan de una nueva arquitectura. Todo esto iba a revolucionar las técnicas constructivas. Esto produjo la polémica sobre si era arte o tecnología. Hasta el Racionalismo, duró la polémica.
En la arquitectura del hierro podemos distinguir 3 bloques o tipos de construcciones:
- Puentes de hierro.
- Grandes cubiertas de hierro y cristal de uso industrial que utilizan la columna de hierro fundido. Se aplicará a edificios fabriles, hilaturas que precisan vapor, bibliotecas, etc.
- Grandes edificios de esqueleto metálico con una estructura de jaula. El edificio no se construye “se monta” , “se ensambla”. Esto se aplicará a invernaderos, mercados, almacenes, estaciones ferroviarias, exposiciones universales.
Las ventajas del hierro frente a la madera son enormes.
John Wilkinson, Puente sobre el río Severn en Colbrookdale, 1977-1779


Presenta un solo arco de 30,1 metros de luz y 13’5 metros de flecha.
Se realizó con 5 nervios de hierro fundido que forman un arco de medio punto (nervios de 2 piezas). Se realizó en un plazo de dos años.
Es un puente robusto y fue fundido en el taller de Abraham Darby, una de las fundiciones más antiguas de Inglaterra.
Viaducto de Garabit, de Gustav Eiffel en el río Thuyère, 1882

Considerada su obra maestra. Tiene 165 metros de luz y 122 de flecha. Es el más audaz de los construidos en esta época. Fue durante muchos años el más grande del mundo.
En la actualidad es un puente que se utiliza y por él transita el ferrocarril.
Biblioteca de Santa Genoveva, de Henri Labrouste, 1843-1850

Es un edificio historicista, pero realizado con la tecnología del momento. Se trata de un edificio público que tiene una visión interna de “ingeniero” y una visión externa de “arquitecto”.
Labrouste era ingeniero y también estudió arquitectura. A los 22 años obtuvo el Gran Premio de Roma y residió durante 5 años en dicha ciudad. Su formación técnica no le hace abandonar la sensibilidad.
Construida entre 1843-1850 el edificio tiene una estructura de hierro pero disfrazada en el exterior para que sea aceptada. Así pues esta recubierto de mampostería almohadillada. Un interior de nueva tecnología frente a un exterior de puro clasicismo.
Tiene planta basilical de tres arcos sustentada por columnas de hierro. Incluso la levedad de la cubierta permite abrir ventanas en las paredes laterales. El edificio es todo luz.
La Biblioteca Nacional, Henri Labrouste, 1856-1878

Construida años más tarde que la de Santa Genoveva. Es su obra maestra y se terminó después de haber fallecido. La sala de lectura se diseña con estructura cuadrangular con 16 columnas de hierro fundido (columnas de 30 centímetros de ancho y 10 metros de altura). Los arcos son de medio punto que sostienen una bóvedas vaídas que son de materiales ligeros que permiten crear un óculo en la parte superior.
GRAFICOS BÓVEDA VAÍDA creo que son estos a los que se refiere, ahora bien sin duda son planos de la Biblioteca Nacional de Francia…

Tiene elementos historicistas: las estrías de los capiteles, las volutas. Las estanterías están hechas de hierro fundido y permiten almacenar casi 1 millón de libros. La cubierta superior es de cristal.
Las Exposiciones Universales
Constituyen la mejor muestra del éxito de la arquitectura del hierro. El hierro se adaptó y aplicó a estos grandes acontecimientos.
Las Expo estaban hechas para la exaltación de los grandes avances de la humanidad. En materia de industria, desarrollo de los transportes y del comercio así como del arte.
Tienen una prehistoria a nivel regional. A partir de 1851 tienen un carácter Internacional. Intentan dar cuenta y presentar todos los avances del progreso humano. Realizar una Expo suponía aumentar el prestigio de una ciudad.
La primera Expo Internacional se celebra en 1851 en Londres. Desde entonces hasta nuestros días han venido celebrándose estos eventos.
El Príncipe Alberto se encargó de organizar los acontecimientos. Era una expresión del poder, del desarrollo de los países participantes. En el fondo, todo era política.
La arquitectura del hierro ofreció los ámbitos arquitectónicos para mostrar los avances. Era económica, rápida y daba idea de una perfecta sincronía entre el edificio y el contenido del mismo. Cosas de la época en un edificio de la época.
En ocasiones estas Expos supusieron la construcción de auténticos monumentos conmemorativos. Es el caso de la Tour Eiffel.
Para la primera Expo, oficialmente denominada Gran Exposición de Trabajos de la Industria de las Naciones, se construyó el Crystal Palace, realizado por Joseph Paxton.
Crystal Palace, Joseph Paxton, 1851

Se levanta en Hyde Park. Paxton, que se dedicaba a construir invernaderos, no era un gran arquitecto. En realidad lo que hizo fue un gigantesco invernadero, siendo los muros paredes de cristal.
La obra fue realizada en apenas 9 meses. Se trataba de ensamblar elementos modulares. Montar hierro, cristal y madera.
El Crystal Palace tenía 536 metros de largo por 142 de ancho. Hubo árboles que quedaron dentro del palacio.
El interior era claramente historicista, inspirado en una planta de carácter basilical (crucero) dividida en 5 naves. Es como una gran catedral de la industria del comercio y del arte.
Parte de un módulo de 7 metros que se repite. El transcepto está cubierto por una bóveda de cañón descansando sobre arcos que apoyan en finas columnas de hierro.
Esta bóveda destaca sobre toda la construcción. La obra relaciona pasado (planta basilical con crucero) con presente (nueva tecnología del hierro).
La pared se sustituyó por láminas de vidrio (1’20 m. de longitud). Se utilizó madera en la cubierta y hierro fundido en toda la estructura.
Se calcula que tenía 72.000 metros cuadrados. Se utilizaron 2.224 viguetas, 300.000 cristales 2.500 marcos de madera. Se ayudó con el trabajo de Fox-Henderson, ingenieros, que le ayudaron en el empeño. La decoración recayó en manos de Owen Jones.
El Crystal Palace es un gran contenedor capaz de albergar árboles, objetos, obras de arte, máquinas, etc...
En 1937 desapareción en un incendio. Fue un modelo en su época.
Galería de máquinas, Luis Duteri y Contarin 1889


Levantada en París en 1889 coincidiendo con el centenario de la Revolución Francesa.
De estructura menor al Crystal Palace, se basa en una estructura fabril. 420 metros de longitud descansando sobre 40 estructuras metálicas cimentadas sobre una plataforma.
La estructura también tiene nave central y dos laterales (20 metros de ancho).
El aspecto de fábrica hizo que los elementos decorativos fueran escasos. No hay pompa. Gana la ingeniería austera frente a la arquitectura. Es un primer paso hacia la arquitectura racionalista. Sólo los cristales tenían algunos elementos de color. El edificio se desmontó en 1910.
La Tour Eiffel, Gustave Eiffel


Símbolo de la Expo Internacional de 1889. Construida con un criterio funcional (torre de comunicaciones) pero como símbolo de la Expo y del Centenario de la Revolución Francesa.
Se encargó al ingeniero Gustav Eiffel, que había hecho puentes, estaciones de ferrocarril.
El Gobierno convocó un concurso de ideas que ganó Eiffel, y de ese modo lo seleccionaron para que la construyera. Más de 18.038 piezas se utilizaron 5.300 dibujos y 2’5 millones de remaches. Se invirtieron 2 años de trabajo y se calcula que 250 obreros participaron en la obra.
La torre tiene 305 metros de altura, todo un hito para la época. Mide 125 metros de anchura y se utilizaron 10.100 toneladas de hierro. Es una obra pura de arquitectura del hierro. En la actualidad mide algo mas por la instalación de una antena.
La torre significa el compendio de todas las experiencias de Eiffel acumuladas como ingeniero. A pesar de la altura es una obra liviana, muy estilizada por la estructura ascendente de subida y por la estructura calada que permite que pase la luz.
El secreto está en la base, en la poderosa cimentación que debía de soprotar el peso y los fenómenos atmosféricos. Utilizó toda su experiencia de los puentes. La estructura descansa sobre 4 puentes bien cimentados.
Para fijar las 4 pilares de la base se utilizó un sistema de prensa hidráulica para fija bien.
A medida que subimos, los elementos que se añaden se van curvando hacia el interior hasta su llegada a la cima, dándole un cierto trazado de pirámide, pero muy ligera por la parte interior (parece un cimborrio de catedral)
El prensado compacto era fundamental para su consistencia. La Tour Eiffel tiene 3 plataformas: a 57 metros, 115 y a 274 (el mirador). La parte superior puede albergar hasta 200 personas.
Esta obra, en su tiempo, generó una polémica enorme. Porque no parecía un edificio. En 1887 en el diario El Tiempo, los artistas publicaron un manifiesto en contra de la citada obra.
A pesar de todo, la torre se levantó y ha quedado como un estandarte de libertad, progreso y modernidad.
La torre significa el triunfo de los ingenieros frente a los arquitectos. Habrá que esperar al final de la 1ª guerra mundial para que ambos se reencuentren.
La Tour Eiffel es la demostración de que el arte no está reñido con la técnica. Más tarde pintores como Delaunay o Sensat la introdujeran en sus obras pictóricas.
9.- EL IMPRESIONISMO
Es un movimiento burgués representado por artistas de vida acomodada y con orígenes familiares de clases altas. No existe esa preocupación social que se da en el Realismo. Renovadores en cuanto al sentido estético, pero no en lo ideológico.
El impresionismo entra por los ojos. Hay una coincidencia entre los historiadores del arte: a todos gusta este movimiento. Esta estética domina en todo el tercer tercio del siglo XIX, junto al realismo. Las fechas cronológicas en las que se data son 1870 a XXXX.
Coincide con el desarrollo del gran capitalismo, de la segunda fase de la revolución industrial. L técnica moderna introduce el vitalismo, ese mundo cambiante que recoge el impresionismo.
Hacia 1830 se introduce la técnica impresionista, sin embargo es en 1874 cuando se realiza una exposición en el estudio del fotógrafo Nadar, en el Boulevard des Capucins. Se colgaron 165 cuadros de varios pintores que formarían un grupo (se conocían, exponían juntos, tenían las mismas inquietudes). Entre todos ellos existía una fuerte dinámica de grupo con sus amistades, rencillas mutuas, enriquecimiento personal con aficiones compartidas, etc.
Entre las obras expuestas se encontraba: Impresión. Salida del Sol, de Claude Monet
Impresión. Salida del sol, 1873.

Representa un paisaje portuario de la ciudad de Le Havre. Tomó apuntes en primavera de 1872 y luego realizó la obra concluyéndola en 1873.
En su origen está realizada en tonos muy variados: azules, violetas, rojos, anaranjados y grises.
La luz es la gran protagonista. Lo demás es todo anecdótico: la barca, la bruma mezclada con la luz del sol que origina esa atmósfera de luces donde se pueden apreciar barcos al fondo, las fábricas y el resto de instalaciones portuarias.
Era un gran atrevimiento para la época. La obra presenta un gran dominio del color, de la mancha suelta y la luz. Un tratamiento exquisito de la “veladura” (ver a través de un velo transparente”. Toda la obra en sí es un veladura: la bruma, la atmósfera que permite ver o esbozar el ambiente portuario.
Esta bruma es producto de la admiración por Turner. Por el horizonte aparece el sol tras la neblina de la mañana y este se refleja en el agua.
A los críticos les chocó la palabra, del título de la obra, Impresión. El crítico de arte Louis Leroy bautizó este movimiento, en función de ese cuadro de Manet, con el nombre de Impresionismo.
En un artículo publicado en Le Charivari realizó una crítica ciertamente despiadada que tituló: Exposición de los Impresionistas. Con tono burlón afirmaba: “ya decía yo, que estoy tan impresionado, que esto es una impresión”.
Los artistas del grupo asumieron el nombre y desde ese momento se conoce al movimiento con el nombre de artistas Impresionistas.
En realidad el Impresionismo tiene bastantes puntos de contacto con el Realismo. Los realistas profundizaban en la “realidad social”. Los impresionistas en la “realidad sensible”. En este sentido abren muy bien los ojos y pintan aquello que ven. Los impresionistas, al igual que los realistas también salen a pintar al exterior, a pintar “a plen air”, es decir al aire libre.
El origen del Impresionismo francés hay que buscarlo en Turner y en Constable. Tanto Monet como Pissarro estuvieron el Londres en 1870 y conocieron la obra de estos dos artistas británicos, causándoles una fuerte impresión.
Este interés por las masas atmosféricas, por pintar el aire, la humedad no es nuevo en el arte. Tiziano también gusta de ello, al igual que Leonardo en “La virgen de las rocas”. Ambos muestran la captación del ambiente, algo que también se puede ver en la Gioconda. Velázquez también es un maestro, incluso se le llama el creador de la “perspectiva atmosférica” (ver la Venus del espejo, de Velázquez). Así pues ya había precedentes en la historia del arte.
Monet y Degas fueron asiduos visitantes de la galería de cuadros de Luis Felipe de Orleans, y además Monet en 1865 estuvo en Madrid visitando el Museo del Prado para conocer la obra de Velázquez, de quien afirmó que era el “pintor de pintores”. Estas visitas alimentaron su espíritu.
El Impresionismo vuelve la mirada a la naturaleza, pero buscando otra experiencia. Les interesa la “experiencia visual”. Esa experiencia es la que intentan trasladar al cuadro. Lo que más interesa es la “inmediatez”, lo efímero. Realmente deben de tener presente el desarrollo de la fotografía que tuvo importancia e influencia en su época. Los impresionistas captaban la foto, lo inmediato. Posiblemente alguno de ellos utilizó la fotografía para captar enfoques, ambientes, etc.
También es una cuestión importante señalar la influencia del arte japonés. En la época existen fluidos contactos comerciales con Oriente. No olvidemos que estamos en plena forja de los imperios coloniales.
La pintura japonesa tiene interés por la síntesis de los objetos, la captación del color. También influenciará a los impresionistas. Muchos de ellos tienen en sus estudios láminas japonesas. No viajaron a China ni Japón, pero en París existía un bazar en la Calle Rívoli donde se mostraban productos orientales y eran conocedores del mismo. También hay que mencionar los pabellones en las Expo Universales de Japón. En definitiva, todo son influencias que reciben los impresionistas y que luego trasladarán a sus obras.
Elementos de la estética Impresionista
Vamos a realizar un detallado resumen de las principales características de la estética de los artistas de ese movimiento.
La fugacidad
Manifiestan su interés por la captación de aquello que cambia, lo que es “ahora” pero ya no será después, “lo efímero”. Detrás de esta estética se esconde una noción de la realidad no para conmover sino como un devenir. El tema del devenir era fundamental, el sentido de lo mutable. (Catedral de Reims, pintada 40 veces, o las innumerables versiones de los nenúfares del jardín)
Otro aspecto de la fugacidad es que no representan algo pensado a priori, sino que intentan captar la “percepción visual de la realidad”. Aquello que los sentidos del artista captan, por encima de la realidad. El tema es casi siempre un pretexto. Interesa la luz, el color, la atmósfera, el momento concreto sin más complicaciones.
Renoir decía que gracias a los tubos de colores al óleo se podía permitir pintar del natural (ya no hacía falta fabricar los colores como antaño)
La representación de la atmósfera es importantísima. Querían captar la lozanía de la luz del momento.
La pincelada rápida y abocetada (similar a la caligrafía oriental) era una pincelada que conecta con la vida moderna y huye del dibujó académico. Hay trazos vigorosos y rápidos para poder captar esa atmósfera del momento.
El tema
No es el objeto fundamental de los impresionistas, sino captar de él lo que interesa realmente: el momento concreto.
Los impresionistas representan aspectos optimistas de la vida, del placer (eran miembros de las clases adineradas) la vida edulcorada sin situaciones opresivas ni penosas. En este sentido es completamente antagónico al Realismo. Se nota el carácter burgués y la evocación industrial moderna.
El color
Un elemento importantísimo en la estética impresionista. Todos ellos son grandes investigadores del color. Trabajan el color de manera científica, pues conocían las obras del físico y óptico Eugene Chévreul (Ley del contraste simétrico de los colores de 1839 y otras más) e intentan aplicarlas en sus obras.
Eugene Chévreul y los impresionistas llegan a la conclusión que los colores no son realidades inmutables, que el color depende de la percepción y que el color cambiaba en función de la luz, según el momento del día.
Partiendo del estudio de esas obras de física y de sus experiencias establecieron una serie de leyes que aplican en sus obras.
Principio de la división del tono
Es un principio que practicaron y consiste en obtener colores secundarios no directamente mezclados en la paleta. Acercaban tonos, pintaban tonos diferentes en zonas cercanas. La fusión no se hace en la paleta, sino en la retina del espectador.
Aplicaban el color con los dedos, espátula, pincel o directamente del tubo.
Cuando te acercas ves como un mosaico y cuando te alejas esas masas de pinceladas van generando tonos y se va percibiendo la obra completa.
Ley del contraste simultáneo
En el título de una obra de Chévreul, conocida y aplicada por los románticos. Este principio consiste en hacer convivir colores complementarios partiendo de los tres principales: amarillo, rojo, azul.
Principio de la eliminación del negro o betún
Ya no se utiliza negro para las sombras. Los impresionistas prescinden del negro o betún para no matar el color de sus obras. Para realizar las sombras utilizan el mismo color, pero algo más oscurecido.
Interés del color sobre el dibujo
Absoluta preferencia del color sobre el dibujo. Esto rompe por completo con el academicismo.
Significa, que el artista, en el momento de pintar no dibuja previamente y luego rellena, sino que pinta con el color. Es el color el que genera la figura, abandonándose el dibujo.
Abandono del “color mental”
El ”color mental” es el color que asociamos a un determinado objeto, y que es aquel que le ha dado la naturaleza. Ejemplo de color mental: hierba verde. Pues bien, los impresionistas abandonan ese color y lo sustituyen por el “color real” que es ni más ni menos el color que el objeto tiene en ese momento. Ejemplo de “color real”: la hierba amarilla, azul, etc..
Ocurre también con el agua, que la pintan con una gran riqueza de matices de color. Nunca hasta entonces se había pintado el agua con esos matices.
Carácter sociológico
El movimiento impresionista fue de escándalo en su época, principalmente por la ruptura con las técnicas academicistas que estos pintores no utilizan, sino que desprecian.
En lo social fue conservador. Es un arte aristocrático, elegante y lujoso que gustaba a los temperamentos burgueses y que fue desarrollado por artistas que procedían de un contexto social alto (Manet y Degás). No todos se dedican al paisaje, pero cuando lo hacen reflejan paisajes aristocráticos: la Ópera, carreras de caballos, etc...
MONET

Va néixer a Paris l'any 1840 i va morir a Giverny el 1926. Va ser un pintor francès. Resident a Le Havre des d'infant, fou deixeble informal de Boudin. Instal·lat a París el 1859, freqüentà l'Académie Suisse, on féu amistat amb Pissarro i admirà Daubigny. Algèria, on anà de soldat, l'impressionà. A Le Havre tractà J. B. Jongkind, i novament a París, conegué A. Renoir, A. Sisley i F. Bazille, amb qui compartí l'estudi el 1865, any que es presentà al Salon, i que pintà el Dinar al camp. El Salon del 1867 li refusà Dones al jardí. El 1869 pintà amb Renoir les conegudes vistes de La Grenouillière de Bougival. A Londres (1870), descobrí J. Constable i W. Turner i fou presentat a P. Durand-Ruel. El 1872, a Le Havre, pintà les dues versions d'Impression, una de les quals fou l'obra que donà nom a l'impressionisme el 1874. El 1877 pintà la sèrie de l'Estació Saint-Lazare, el 1892 inicià la sèrie de la Catedral de Rouen, i el 1899 la Nimfees, que recreà fins a la mort i que depurà fins a arribar gairebé a l'abstracció. Fou el pintor més representatiu de l'impressionisme i el seu veritable cap.
"Mujeres en el jardin", abandona estilo neoclasico. decada 60 del XIX.

"La Grenouillere".

Zona del sena, enclave donde la burguesia iba, lugar de ocio de la clase alta francesa, situado a 10 km de Paris, frecuentado por los habitantes de la capital, que podian pasar alli algun fin de semana. EN la obra (1869) estan presentes ya todos los ingredientes de la pintura impresionista. El elemento las impresionante es el tratamiento del agua. EL agua habia sido tratada siempre con superficie uniforme, pero aqui es la protagonista y lo demas es un elemento accesorio. Los personajes, etc. Lo que mas protagonismo tiene es la superficie, capta ese remanso del sena y lo hace todo con toques de color. Pincelada nerviosa y rapida tipica impresionista. Busca gamas diferentes. La obra es como un conjunto interactivo, todo forma parte de un conjunto y nada se entiende sin lo otro, pues el agua actua de comun denominador, en ella todo se refleja. Sombras que produce el pabellon, etc... Todo eso tiene su presencia en el agua. Por ello se ha hablado de una terminologia dialectica entre todos los elementos que configuran la composicion.
A todos los baña una luz que consigue uniformizar el conjunto en un todo. Este ambiente vibrante no se podia expresar mas que con la tecnica impresionista. Es una pincelada atormentada. Monet comenta esta obra, en el 69, a inicios del impresionismo. "procuro plasmar mis impresiones ante los efectos mas fugaces". Habia que trasladar esa experiencia momentanea al cuadro.
La guerra franco - prusiana de 1871 le anima a abandonar Paris y se traslada a Londres. Alli encuentra a Pisarro, y juntos fueron a pintar momentos de la City. Estuvo alli algun tiempo y mas tarde regresaria a Paris y pasaria temporadas en su lugar de origen (Avre) y profundizaria en su trayectoria.
Justo despues del regreo del Londres pintaría "Impresion, salida del sol" que comentabamos el otro dia. De 1873, ya afianza el lenguaje impresionista y se configura como su manifiesto. Representa un paisaje del puerto del Avre, con una serie de remos, de botes, y en el fondo aun se aprecia una niebla matinal con una serie de barcos mercantes que aparecen entre esta bruma. Apreciamos un poco casi mas los mastiles, todo mezclado con el humo de algunas fabricas de la zona. Es el momento en el que el sol aparece por el horizonte. Ilumina toda esta masa de sombra y humos matinales.
Hace gala de esta pincelada cada vez mas suelta y vigorosa, de manera que no sea el dibujo, composicion, objeto sino la atmosfera, tal cual se derrama con esa nube de brumas y humos del amanecer. la bruma es tambien causa, no se puede pintar el entorno pues cambia, asi el pinta con esos trazos antes de que cambie y se modifique el entorno.
Paisaje urbano "El boulevard des Capucines de 1873.


Monet fue paisajista pero tambien de paisajes ubanos. Este boulevard es una de las calles anchas de Paris, recuerda a los paisajistas ingleses. El se esta entonces formando, ademas ha vivido en Londres, entonces el paisajismo ingles le ha influenciado. Hace que los elementos esten en el centro. Toda esta forma de enmarcar es una forma propia y diferenciada en el mundo de la fotografia. El cuadro capta una realidad agitada en constante transformacion.
Despues del viaje a Londres y alguna estancia cortita en Paris, Monet se instalara en Argenteuil. Va a vivir durante unos años alli y entra en contacto con Manet, que desde los 70 se encarrila por el impresionismo tambien. Ademas hablo alli con Renoir. Alli los tres intercambian experiencias e iran definiendo su propio estilo. Argenteuil esta a orillas del Sena, y el rio cristalino servira de inspiracion para ellos.
"Regatas en Argenteuil", de 1874,

En la orbita del impresionismo, en ellos el agua sigue siendo importante. Le interesaba el resplandor de la luz y su reflejo en el agua, capta azules, mas claros y mas oscuros, ayudados con el blanco... riqueza. Hay que pintarlo rapido pues la luz cambia y la luz al cambiar, cambia todo.
Entre el 76 y el 78 pinta 12 cuadros de "La estacion de Saint Lazare"

de Paris, aqui uno del 77. En esta epoca el ferrocarril era la modernidad que revoluciona el transporte, y los artistas se hacian eco de la modernidad. Antes se transportaba a vela, en carretas..
La gama de posibilidades expresivas era enorme. Este reciento que podemos apreciar es con un techo de vidrio, que permitia una luz amplia en su interior le fascino poderosamente, por ello pinta doce vistas. Le intereso la entrada y salida del ferrocarril, cuando se producian los vapores blancos y negros. Estas humaredas en un recinto algo cerrado generaban una serie de vapores que al ser agredidos por la luz daban un sinfin de policromias, de matices increibles. El humo es el protagonista. Es el elemento integrador, unificador de maquina y edificio.
"Catedral de Rouen",

Diversas vistas, empezo a fines de la decada de los 80 del XIX, al instalarse en una cas a medio camino de la ciudad de Rouen y Paris. Desde aqui se traslada hasta Rouen, la casa se llamaba Givernya. Pintaba las vistas en forma de serie, con una misma tematica de fondo. La fachada trabajada desde distintos momentos buscando las variaciones cromaticas. La serie fue trabajada entre 1893 y 94, e hizo 40 cuadros sobre la fachada occidental. La pinta a distintas horas del dia en distintos momentos atmosfericos con el fin de captar las variaciones. Hablamos del momento climatico y el momento luminico. De esa manera iba rastreando la metamorfosis, los cambios que se producian sobre la fachada. Alquilo un local situado delante de la fachada occidental y desde alli podia observar la luna, etc. La catedral es una superficie irregular, permiten efectos de sombra y toda la decoracion de los elementos que la recubren , y esto posibilitaba un juego de sombras y luces posibles, a lo largo del dia y las semanas. Cada variante diferente.
Esta obra es un ejemplo de la aplicacion tecnica impresionista hasta sus ultimas consecuencias. Aqui el color conceptual desaparece, interesa la catedral, pero en un momento concreto.
En 1904 pinta "El parlamento de Londres",

a principios del XX vuelve a ir a Londres e ilustra al parlamento, edificio neogotico.. pero a el le intereso la apreciacion del momento luminico que el edificio podia tener. Enorme cantidad de pinceladas, como esta pintura atomizada va marcando toda la composicion.
Para terminar la obra de Monet, la serie de "Ninfeas",


serie ya tardía, el muere en 1926, alguna de estas obras data de los 20, es la ultima gran serie que realiza. Es una serie repartida por todos los museos del mundo. En ella se fija en una balsa que tenia en esta casa de Givernya, donde pasa sus ultimos años... En el jardin habia una balsa con ninfeas, plantas acuaticas. Esta vista le proporionaria esta idea para la serie entre 1919 y 1920. Es el testimonio una vez mas del momento, de la luz incidiendo sobre la naturaleza, las plantas acuaticas y la misma superficie especular. Como sabe captar el tintineo de la luz y los reflejos de las flores y hojas sobre la superficie cristalina del agua. El tratamiento se observa en estas obras alguna influencia de la pintura mas moderna que se realizaba ya en Francia, y la influencia del arte abstracto. El tratamiento gestual de la imagen... Algunos tratadistas señalan estas obras como precedentes de la pintura gestual de los 40. Tratamientos abstracto, son manchas de color que derivan en ese azul bellamente conseguido. Estas obras te incorporan dentro de la pintura.
ARTISTAS POST IMPRESIONISTAS
Gauguin, Van Gogh. El post impresionismo es un poco de cajon de sastre pues han entrado una serie de autores que no son por sus caracteristicas impresionistas, y son inicios de movimientos posteriores ya del XX en lo que se conoceran como vanguardias historicas.
Fines de los 80 del XIX, estos autores son iniciadores de movimientos que tendran un desarrollo importante dentro del mundo de las vanguardias historicas, que son los mov artisticos desde principios del XX hasta la 2GM.
A partir de la 2GM 1945 vienen las neovanguardias con la aparicion del pop art, el arte conceptual... Estos artistas que trabajan desde 1886 hasta 1906 son muchos pero hay tres fundamentales que marcaran nuevos rumbos que se andaran ya en el XX, estos artistas son Cezanne (que seria un precedente del cubismo pues recupera la estructura formal de la composicion), Van Gogh, que sería el precedente del movimiento expresionista, y finalmente el caso de Gauguin precedente del fauvismo.
Estas tres grandes vanguardias historicas que se suceden desde 1905 a 1906 estarian prefigurados por estos grandes artistas que mantienen elementos propios del impresionismo como el interes del color, pincelada agil...
En este sentido el termino de post impresionismo no es muy preciso, hay diversidad grande de movimientos. La hoja de ruta seria Van Gogh, neue sachlichtkeit, Munch, cubismo.
Van Gogh murio suicidandose, solo vendio una obra a su hermano, holandes, nacido en 1853 y muerto en 1890, disparandose a la cabeza. Dedico a la pintura 10 años y dejo una extensa obra. Algunos aspectos de su biografia nos hacen entender.
Era hijo de un pastor calvinista muy riguroso en la educacion, y el quiso seguir el camino de su padre, estudio teologia, y desde joven quiso ser util a la humanidad. No destacaba en los estudios de teologia. Lo mandaron a un poblado de mineros y alli casi muere de hambre abandonado.
Vivio unos cuantos años en Holanda y descubrio el mundo del dibujo, de la pintura, estuvi estudiando en la academia de Amberes, alli recibio educacion sistematica y reglada, pero no frecuento demasiado las instituciones oficiales.
Estudios de desnudos de los años 80. En 1886 se traslada a Paris, alli vivia su hermano Teo, hay una obra muy conocida que es "cartas a Teo", que era un hermano suyo de Paris y que era tratante de arte, el sera con quien mejor se entendera, y mantuvo una abundante correspondencia (mas de 600 cartas) y en ellas nos aporta mucha informacion.
Teo que en ese momento estaba vinculado al grupo de los impresionistas, y alli vio un mundo nuevo, venia de una zona bastante academicista y el contacto con el impresionismo le supuso el contacto de un mundo nuevo que el desconocia.
Contacta con Pissarro, tambien con Gauguin, que mas tarde pasara una temporada con el, incluso a Toulouse - Lautrec considerado tambien post impresionista cartelista.
Paris le agota psicologicamente. Su familia padecia una enfermedad mental y el tambien tuvo. En 1888 se traslada a Arle, en la Provenza y esta es la epoca mas brillante de su trayectoria, trabajaba noche y dia. Ni comia ni dormia... Le visito Gauguin y acabaron mal, en uno de los arrebatos se corto una oreja y en 1890 se suicido a los 37 años.
Un artista tragico que vive metido en la tragedia, se junta con una prostitua que quiso regenerar... un pobrecito.
Las obras reflejan esta psicologia tan inestable, este espiritu atormentado que de algun modo se traslada al lienzo a traves de formas dislocadas y muy dinamicas, de lo que se llama en arte arabesco, formas de traducir en la imagen sus desequilibrios interiores, en este sentido en la medida que expresa esos tormentos intimos se le considera precedente del movimiento expresionista que lleva en inherencia esto.
En la medida que refleja la luz y el color se le vincula todavia con el movimiento impresionista. Por la intensidad de la luz veremos colores muy propios suyos que le convierten en un precedente de la pintura fauvista.
El periodo inicial se situa en Holanda, la primera etapa es un periodo que aun se produce en Holanda entre 1881 y 1886 esta vinculado al realismo.
En "los comedores de patatas" se detecta ese interespor la gente humilde y sencilla, trataba de representar a los poderosos y a las clases sociales humildes. Realiza una serie de escenas sombrias de campesinos, tejedores, que comparten lo poco que tienen, la influencia del movimiento realista frances es bastante plausible. Los comedores de patatas es la obra mas representativa de este periodo. Representa las condiciones duras de la vida del campesinado holandes. La pobreza, los trajes tipicos, no situan dentro de ese contexto.
La forma suya de trabajo es un poco antiacademica, cada personaje esta concebido como el solo, no se trata de una foto donde aparecen como deberian aparecer, cada uno ha sido captado. Aparecen un poco ensimismado, trabajar, dormir, comer, trabajar... Esa miseria de las patatas que comparten en la mesa.
Como artista realista refleja el desencanto de estos campesinos, la dureza de los rostros y el color sombrio todavia le da un halo de tragedia mayor.
En la carta 30 de abril de 1885 escribia:
"He tratado de reflejar que esta gente que come a la luz de la lampara ha labrado la tierra con las manos que ahora lanzan al plato y narro asi honestamente su realidad (mas o menos)"
La obra es fruto de una serie de estudios previos que el hizo de campesinos. Este hecho nos lleva a que los campesinos aparezcan reflejados de manera dislocada. No esta pintada a partir de una escena, sino que esta elaborada a partir de estudios diferentes. Al final los coloco a todos sentados alrededor de una mesa.
En el 86 se traslada a Paris yamado por Teo e inicia el segundo periodo calificado como el periodo de Paris (1886 - 1888), su paleta sufre un cambio fundamental, se aclara, abandona esos tonos terrosos, sucios, y va desarrollando unos tonos muchos mas claros, blancos, azules, estas influencias se notan en otoño del 86, su hermano lo introduce rapidamente.
En "Boulevard de Clichy" de 1887


vemos el Paris de la epoca, se interesa por el paisaje, y como aclara poco a poco la paleta y como va introduciendo una pincelada agil. El no se consideraba del club de los impresionistas, pero le gustaban obras de Monet (extraido de una de sus carta) Aplica tecnicas de Monet al cielo, en vez de fundir colores en la paleta los aproxima en al lienzo. Los personajes quedan en el
en este momento el abandona el realismo y hace una pintura ludica, donde el color y la luz son los protagonistas, y pinta escenas urbanas, naturalezas muertas y algun retrato, estas obras estan pintadas con colores de gran intensidad, cada vez mas intensos, y con un trabajo agotador, se calcula que pinto unos 200 cuadros al oleo.
Veremos en algunas obras que va imitando un poco lo que ve hasta que configura un estilo personal, y esto pasa por la paleta de Monet, pero tambien ensaya algunas posturas proximas a la pintura impresionista.
El neoimpresionismo se caracteriza por una pintura de puntos que en algun momento el ensayara. Algunos rojos amarillos y verdes proceden de las estampas japonesas.
En "Campos de trigo con alondra" de 1887 en verano,


Ha abandonado ya toda tentacion neoimpresionista, el punto ya no es elemento fundamenta y lo que potencia es pincelada rapida y nerviosa y que acentuara cada vez mas con el paso del tiempo.
En la parte superior vemos el azul siena del cielo y aparece en esta zona un color que es el verde esmeralda, un tono que le apasiono y que empleara de manera constante, al igual que el amarillo trigal y el rojo.
En 1888 se inicia el tercer y ultimo periodo, el mas fecundo, que es el periodo de Arle, que se situa entre 1888 y 1890, los especialistas han querido distinguir dos etapas. Un primer periodo que iria del 88 al 89 y un ultimo periodo hasta 1890 del hospital psiquiatrico de Saint Reny?, alli pinta las ultimas obras y posiblemente la que fue la ultima obra.
Arlés es un pueblo de la Provenza, lleno de color y luz
donde todos los vecinos se asustaban de los delirios del artista. Es muy distinto al paris oceanico, luminoso, el tenia esa inclinacion a la luz y color, pero buscaba un ambiente que tuviera esa luz y color, no queria inventarse la luz y el color.
Fue a parar a esta casa, alli alquila unas habitaciones en una casa de la plaza Lamartin, y el la llamaba la casita amarilla. Esta etapa es la etapa mas brillante de su trayectoria en la que llega a una cota de madurez en la que refleja un estilo propio, y refleja unos elementos que proceden del impresionismo, como el uso de los colores complementarios.
Pero la tecnica impresionista con esas evanescencias de la atmosfera no le interesaban, era una tecnica un poco light, el desvanecerlo todo era un obstaculo para que el pudiera expresar, y fue abandonando esa evanescencia y evoluciona a una pintura mas solida pero sin abandonar la pincelada energica, y de esa manera con la ayuda de esa pnicelada desgarrada pudo expresar mejor sus pasiones interiores. Es un paisajista hondo, que expresa su mundo interior. El paisaje participa de sus inquietudes y torturas interiores.
En esta epoca aparecen ya los tres colores comentados antes, y el amarillo solar, anaranjado ademas. La tendencia a la pincelada energica y ondulante que expresaba sus turbaciones interiores.
"La cosecha" (el carro azul) de junio de 1888.

"El sembrador", 1888,

Inspirado en Millet, incluye el tema del evangelio un poco, recuerda su formacion. La obra recuerda un poco al impresionismo, pincelada agitada, vibracion optica de la superficie, recuerda un poco al impresionismo. Pero las pinceladas son cada vez mas grandes, rotundas y compactas. Vista de la calle donde vivia con la casita que antes vimos en fotografia.
"La calle o casa amarilla"


es el bloque que se ve desde la esquina, en sep de 1888, un azul muy bonito de cielo.
"cafe por la noche", de sep de 1888

de un cafe de Arlés, como representa la expansion de la luz, es un precursor del futurismo italiano, es de una modernidad importante. La sombra que proyecta la mesa de billar esta trabajada con tonalidades mas oscuras, y como fuerza la perspectiva evolucionando hacia una forzada del espacio. Parece que todo vaya a venirse encima.
Rojo intenso en el fondo, verde y amarillo solaz.
"Puente de Langlois" de 1888

que forma parte del paisaje de Arlés, donde aparecen personajes, el tratamiento del agua es muy parecido. Pincelada agresiva en verdes y azules.
Y una de las varias muestras de su habitacion, la "habitacion de Arlés" de 1888.

Como parece que todo se venga encima, dislocacion del espacio clasico, relacionada con su convulso mundo interior, habitacion interactiva donde todo parece estar en movimiento. Vidrios de color verde, colores locales que comentabamos anteriormente.
"Autorretrato" de 1889,

Arabesco, que proceden del modernismo que acentua percibimos asi su mundo interior.
"noche estrellada" de 1889,

en el hospital psiquiatrico donde estuvo recluido hasta mayo del 89, fue necesario pues el delirio en el que vivia lo hacia indispensable. Todas las fuerzas de la naturaleza cobran vida, convierte a las formas de cipreses y nubes en verdaderos seres vivos. Quiere convertir a la naturaleza en interlocutora de su mundo interior. Esta obra se encuentra en el MoMa, las estrellas giran como meteoritos enloquecidos generando ese resplandor de aureola enorme. El cielo aparece reflejado con esas formas en arabesco. La obra esta considerada como una evocacion de la naturaleza que le entusiasmaba. Algunos consideran que es una premonicion de su muerte. las estrellas serian esa esperanza que anuncian una vida mejor.
La mala alimentacion, la bebida continua, trabajo excesivo, acentuo la enfermedad mental que ya tenia, añadir a eso la sifilis, la enfermedad de la epoca (Gauguin tambien murio de eso).
En este hospital obtuvo una habitacion de estudio y otra para dormir gracias a Teo. En este ultimo periodo, cuando estuvo ingresado en este hospital, llego a pintar 150 obras. Pintaba lo que veia por la ventana del hospital, los paisajes y cipreses y el cielo estrellado
Los autores trataron de afinar hasta los meses para encasillar su estilo dado el periodo de actividad tan corto.
Van Gogh transmite a la naturaleza muchas veces su propio estado de animo interior y los elementos de la naturaleza toman esa vida turbulenta que el les transmite.

"Segador" de julio de 1889,

agitacion del trigal, con verde y rojo solar, la forma espacial...
"la iglesia de Auvers-sur-Oise" de 1890,

parece que la forma se abalance sobre el propio espectador, trasposicion de tormentos interiores al mundo o edificio, son trasfondo de ese elemento dramatico que le afecto en esos ultimos dias.
Aqui la ultima obra, pintada en julio de 1890, "el trigal con cuervos".

Unos dias despues se disparó. Composicion muy abigarrada, condensacion del espacio con sus turbaciones interiores, pinceladas oscuras en la parte superior. El cuervo es un animal con malos presagios, y luego las formas en zig zag que dan ansiedad a la composicion. Traslada a la naturaleza otra vez sus tormentos interiores. En ese sentido es un precursor del expreionismo pues pinta lo que siente.
Sirve desde entonces para unirnos la pintura a su mundo interior. Sus sensaciones. Es un paisaje vivido de su experiencia vital que el califico en algunos de sus ultimos escritos de tristeza y extrema soledad y las pinceladas convulsas.
El propio formato del cuadro daria sensacion de expansion.
GAUDI Y GAUGUIN